DU - DUM - DUM

Una Joyita: Natalia Calderón/Malinche (ampliado y corregido)

2012-01-30T19:10:00.000+01:00

Afortunadamente para nuestros oídos, el Jazz femenino tiene en Natalia Calderón a una gran representante digna de mención: Una voz potente, con personalidad, sin trampa ni cartón…

Mujer de cuidada formación musical, talentosa e inquieta como pocas artistas, a Natalia se la ha podido ver en el escenario formando parte de numerosos y variopintos proyectos, siempre tocando palos muy distintos (pero a la vez profundamente conectados en sus raíces). Ese es el caso del Rock con una banda llamada Hard Men Path, el sonido Soul-Funk con los grupos Black To the Future y Groovebox, el Gospel con un coro que se montó ella misma, la música tradicional africana con un proyecto del que siento no poder dar más datos... y sobre todo el Jazz, liderando su propio cuarteto.

En una de sus múltiples experiencias musicales, Natalia tomó el primer contacto práctico con el Rap en 1998 de la mano de la legendaria formación CPV, con los que colaboró haciendo los coros en el tema “De Cacería”, perteneciente al Maxi ‘9:30’. Casi de seguido, empezó a entablar rápidamente amistad con otras bandas de Hip-Hop para las que trabajó como voz de acompañamiento, destacando su colaboración con Dave Bee para el álbum 'Comunicología Vol. 2' en el tema “Color, Forma y Figura”.

A todo esto hay que decir que la unión rapero + cantante fue una fórmula bastante común durante algunos años. Mi teoría u opinión es que a finales de los 90 en España el Rap alcanzó su verdadero punto álgido, pero por el contrario también se había vuelto muy duro (muy Jarkor) y estaba cayendo en ciertos clichés tanto estéticos como sonoros que lo estaban poniendo en serio peligro… De ahí que la reacción de muchos artistas y bandas fue echar la vista atrás, volver un poco a los orígenes negros (Soul, Funk…) y retomar esa calidez en su sonido para que todo fuera más orgánico, vivo y natural. Y para ello qué mejor que aprovechar el talento de vocalistas como Aniki, Gina, Edinne Said, Ikah (como bien me apuntaba el Master Funkfarrón hace unos días) o nuestra protagonista Natalia Calderón, que se empezaron a dar a conocer entre el cada vez más amplio público del Hip-Hop.

Si os habéis dado cuenta, en lo que es el plano internacional este esquema se sigue dando exactamente de la misma forma… y es que es raro el hit de moda en el que la última estrella pedorra del Pop o R´n´B de USA no salga acompañada de un rapero malote o viceversa, aunque a golpe de talonario eso sí.

Por ello y tal vez cansada de esta especie de sumisión artística, Natalia, ya bajo el nombre artístico de Malinche (esa mujer tan interesante en la historia de la conquista de América) decidió dar un paso adelante y publicar en 2001, como solista, un disco homónimo en el que dio la vuelta a todo lo preestablecido: y es que ahora era la chica la que llevaba la voz cantante y los chicos los que trabajaban para ella. Para la producción, Malinche contó con el apoyo de grandes del género como Zeta (compañero de fatigas de Frank T y líder de los Guateque All Stars), Biyi (una de las cabezas pensantes de la Puta Opepé), Sace 2 (referencia del Elektro nacional) y para el micrófono contó con Dobleache (MC de los extintos Jazz Two)... Un reparto de auténtico lujo que trasmitió al sonido final del álbum un toque muy depurado y elegante, como bien se demuestra en el siguiente corte… “La Búsqueda”:

Si lo anterior os ha parecido espectacular, ahí os dejo hasta la próxima con el tema que más me emocionó en su día… “Hastío”:

GALACTUS: Un repasito al Devorador Rosa.

2012-01-28T00:02:00.002+01:00

La gente siempre tiene sus héroes y superhéroes de cómic favoritos... Y es que por muy irreales, mutantes, poderosos y diferentes que sean a nosotros, este tipo de personajes tiene un algo especial que hace que nos sintamos vinculados a ellos.

Yo no me considero distinto al resto de las personas pero desde pequeño, en lugar de tener entre mis preferencias al típico superhéroe bonachón, a mi lo que de verdad me fascinaba y llamaba la atención era el mundo de los antihéroes, sí... toda esa retahíla de personajes que por una u otra razón no son ni carismáticos ni populares, y que no brillan o deslumbran como los héroes a secas.

Hay muchos nombres en la lista de mis personajes favoritos de papel y tinta. Ya hablé en su momento de figuras fascinantes como la de Spawn o The Man-Thing, pero todavía me quedan otros de los que hablar como es el caso del Blade y el Drácula de Gene Colan o del protagonista de hoy: el gran Galactus.

Este personaje tan peculiar de Marvel surgió de la genial cabeza de Stan Lee y de las hábiles manos de Jack Kirby (uno de mis dibujantes de referencia junto al anteriormente mencionado Gene Colan) y salió ya a las páginas a mediados de los años 60, una época en la que la explosiva creatividad de la Marvel estaba en su punto más álgido...

Por lo tanto Galactus es uno de esos personajes veteranos del cómic, siempre secundario, aunque no han sido pocas las veces en las que su terrorífica y oscura presencia se ha visto de forma asidua en los cómics de otras estrellas de la Marvel como Los Cuatro Fantásticos.

Hace ya bastantes años que no adquiero o sigo de forma regular determinado cómic, pero lo cierto es que nunca he desaprovechado la ocasión de comprar y leer todo aquello en lo que aparece Galactus, desde aquellos álbumes y tomos especiales entre los que me gustaría destacar el libro "El Juicio A Galactus" obra de John Byrne, "Parábola" de Möebius y para finalizar "Galactus El Devorador" del trío Simonson-Buscema-Sienkiewicz hasta esos números sueltos que me encuentro de vez en cuando en las ferias de los libros viejos como ese "Marvel Héroes" en el que se narra el origen del Devorador de Planetas (número recomendado a todo seguidor de Galactus).

La interpretación o recreación artística que más me ha impactado de Galactus fue la que hizo el inmenso dibujante Jack Kirby, ya que además de ser el artista que dio forma original al personaje, a parte es que su dibujo tan rotundo y anguloso me ha marcado mucho a la hora de dibujar (aunque se me haya pegado poco).

El maestro europeo Möebius también recreó al Devorador, aunque de una forma menos humana y más maquinal que le dio un toque interesante...

La figura de Galactus siempre me ha parecido colosal, temible... Y no sólo lo digo por su tamaño, sino más bien por la sensación de verdadera amenaza que genera su presencia para nosotros los mortales terrestres, ya que ese apetito tan suyo por zamparse planetas (sí, así como lo oyen) es suficiente argumento para ser tenido en la lista de los antihéroes "más mejores" de la Marvel y del cómic en general.

Cuando hablando con mis amigos de cómics y demás frikadas (en el buen sentido siempre) se me ha ocurrido nombrar a Galactus y contar sus aventuras, me suelen mirar con caras raras... Así que cuando ya me envalentono y les hago saber las pintas que se gasta nuestro peculiar protagonista (con esos coloridos tan llamativos), pues ya no os podéis ni imaginar la de risas y vaciles que he tenido que soportar... ¡Pero qué queréis que os diga! ¡A mi me sigue molando!

Como los prejuicios o las vergüenzas son tonterías y hay que reírse de lo que a uno le gusta, ahí va del tirón una pequeña selección de imagenes jocosas que tienen a Galactus como objetivo principal:

Cine Negro - 'Una Ciudad Llamada Perdición' - Los Suaves:

2012-01-24T12:28:00.003+01:00

Que la oscuridad y angustia que transmite la música de Yosi y compañía me parece única e irrepetible, es algo que ya he dicho en más de una ocasión por aquí en el blog y no me cansaré nunca de decirlo.
A unos les gustará más, a otros menos, pero es innegable que Los Suaves son una de las bandas nacionales más particulares que haya parido madre...

Sus letras tienen al hombre como protagonista principal y éstas giran en torno a los anhelos, tristezas y desesperaciones que este sufre... Temas que son muy recurrentes en el mundo del Cine Negro, donde encajan a la perfección.
Y es que eso es precisamente lo que debió pensar la gente de MentalFilms (que es el nombre con el que tienen sus cosillas puestas en Youtube) a la hora de realizar este cortometraje titulado 'Una Ciudad Llamada Perdición'.

El corto representa a la perfección el olor y sabor del Cine Negro clásico: esa ambientación de calles oscuras y sucias, el bourbon que se despacha en la mugrienta y pegajosa barra del bar, los hombres de mala sombra con los que es mejor no cruzarse, las preciosidades de falda corta que te llevan del cielo al infierno...

Todos los seguidores de Los Suaves verán a lo largo de este corto alguna que otra referencia a canciones de la banda como por ejemplo "Malas Noticias", "Hendrix", "Una ciudad llamada perdición", "Pardao" o "Si Pudiera". Además, Yosi se hace un cameo interpretando el papel de un vagabundo que toca la guitarra. Es genial.
Pero ahí no queda la cosa, también los entendidos de Cine y de Cómic verán ciertas semejanzas con 'Sin City' pero no busquen maldades ya que simplemente como ambas obras son homenajes y tributos del Cine Negro, pues como que reúnen todos los tópicos argumentales y elementos estéticos del género.

Me dejo ya de chácharas y ahí os pongo el corto en cuestión:

¡Que os guste!

'Nada Nuevo Bajo El Sol' - Historieta:

2012-01-20T11:47:00.008+01:00

Aquí pongo con unos retoques mejores y un escaneo más decente (procedente de una copia reducida del original y no del tebeo que se publicó del certamen, porque al ser grande me quedaba un pelín torcido y demás) de lo último que presenté en el Certamen de Jóvenes Creadores de Alcalá ya en el 2006 (casi nada) y que recibió el premio al mejor dibujo.

Durante el proceso de creación vi que dibujar con ese estilo (que en realidad es una mezcla entre el arte románico o gótico) no era tan fácil como parece a simple vista pese a su aparente simplicidad de líneas, volúmenes y otros elementos... Por todo ello me resultó especialmente complicada la finalización de la página del pantocrátor y de la danza de los muertos.

Espero que tengan en cuenta estas cuestiones y que les guste el resultado final:

Y por cierto, haber si empiezo a quitar el polvo a las docenas de guiones que tengo guardados y empiezo a dibujar de una vez con más ritmo, que con lo que me gusta esto ya me vale...

Una coctelera, Megasus y The Carpenters:

2012-01-18T06:37:00.003+01:00

Igual que a veces me pongo un poco moñas o sensiblero y disfruto con la música de The Carpenters (¡Karen qué voz tenías!), al rato resulta que me da por escuchar cosas de gente como MEGASUS, que además me parece que tienen el nombre más guapísimo, gigantesco, colosal y tremendo que una banda de este estilo se haya podido inventar...

Llamadme bipolar o lo que queráis, ¡pero nosotros nos lo pasamos pipa!XD

Lo que no me gusta de mi ciudad:

2012-01-16T01:00:00.003+01:00

¿La fotografía como denuncia o crítica social? Mucha gente pensará: "¡Bah! ¡Pero si eso es de pedantes!"... Pues nada más lejos de la realidad, amigos míos...

Si sois seguidores o habéis visto algún capítulo de 'Padre de Familia' es posible que os suene (debido a las constantes repeticiones) aquél episodio en el que el anormal de Peter Griffin consigue presentar un pequeño espacio de noticias en el canal de TV de su ciudad (Quahog) que tenía como objetivo principal el sacar a relucir "muy a su manera" las cosas que no le gustaban de la sociedad y de la vida.
Pues bien, reutilizando material que tenía ya publicado en un blog en el que colaboraba llamado Iberiké y apropiándome impunemente de la silla de Peter, se me ha ocurrido hacer algo parecido pero aquí en Du-Dum-Dum... Algo así como un "Lo Que Me Saca De Mis Casillas" pero en este caso "Alcalaínas". De esta manera, y a través de fotografías rápidas hechas con mi móvil voy a intentar destacar los distintos aspectos o situaciones que no me gustan de Alcalá de Henares, porque aunque para mí esta es la mejorciudaddelmundomundial, eso no quita que haya unas cuantas cosas que deberían mejorarse si de verdad se quiere alcanzar ese estatus de ciudad referente que desde muchos sitios e instituciones tanto munipicales como autonómicas se nos aplica.

Evidentemente, no seré tan elocuente o simpático como Peter ya que no tengo un equipo de guionistas desquiciados detrás, ni tampoco me pondré a explicar las cuestiones con largas, cómicas o pretenciosas parrafadas. Simplemente utilizaré las fotografías que iré tomando por las calles de esas pequeñas cosas que me desagradan y molestan, junto alguna que otra pequeña anotación, eso sí.

Por ser la primera y tan evidente, no creo que sea necesario decir nada sobre esta imagen tomada en el Camarmilla, un riachuelo que corre junto la zona del futuro parque arqueológico de Complutum, del polideportivo El Juncal y de una serie de viviendas. Esa mezcla de aguas estancadas y sucias (pasa por algún que otro polígono industrial), y las malezas que crecen por no sanear debidamente su ribera da como resultado que en las épocas cálidas de primavera y verano no se pueda casi ni pasear por ahí porque las nubes de mosquitos asesinos acribillan a los chavales que van a jugar y a las personas que se dan su paseíto... Una pena:

Y eso que no iba a charlar mucho...

Una Joyita: Pedro Ruy-Blas y su "Luna Llena".

2012-01-11T15:38:00.002+01:00

No creo que lo que vaya a decir ahora sea algo que os pille de nuevas, pero España tiene muchos males... Uno de ellos, la envidia. Y no, no me refiero a los chismorreos de las vecinas en el patio de luces (eso son simples juegos de niños), sino a la verdadera y enfermiza envidia que ha corroído y corroe todavía a nuestra sociedad. Otro mal de este país creo que es la escasa memoria o consideración que tenemos a nuestro pasado, a nuestros mayores (que son ejemplo vivo) y a nuestros valores… El hecho de infravalorar lo que tenemos dentro y creer que lo mejor siempresiempresiempre está fuera es un problema que me da mucho coraje.

Pues resulta que en el apartado de la Música también nos ocurre algo parecido. Por poner un ejemplo, está claro que Clapton o Jimi están en la NBA de los guitarristas, pero por ello tenemos por qué postrarnos de hinojos y tirarnos del pelo... Aquí la gente no es manca. Contamos con representantes más que dignos a los que conocer, reconocer su mérito y admirar: genios de las seis cuerdas como Eduardo Bort, pirotécnicos como Ángel Ruiz de The Storm o incluso Rosendo, que cuando se centra en la guitarra me parece tremendo ¿porqué no?

En cuanto a los cantantes, aquí sí que han triunfado y llegado a ser profetas en su tierra. Parece ser que tradicionalmente la zona levantina ha sido un semillero de potentes e increíbles cantantes. Como referencia se suelen nombrar siempre a Camilo Sesto (si hacemos el esfuerzo de olvidarnos y abstraernos del personaje televisivo actual, reconoceremos que este tío era tremendo) y cómo no, al mítico y añorado por todo el mundo Nino Bravo (dueño de una voz clara y potente que entusiasmó a todo quisqui). Podríamos añadir que la avalancha de vocalistas que surgieron siguiendo la exitosa estela de estos tres (porque aunque de Linares, contamos también al único e inimitable más imitado Raphael) fue considerable: Julio Iglesias, Pablo Abraira, Bruno Lomas… Unos cantantes que en muchos casos seguían un camino ya guiado y predeterminado: el de la fórmula de fichar por una compañía y acabar compartiendo yugo junto a un productor-compositor-letrista creaéxitos.

A veces los resultados eran muy buenos, pero a la larga la variedad u originalidad acabó siendo prácticamente nula, ya que todas las miradas iban encaminadas hacia la canción ligera y las baladas románticas que eran creadas en serie, en una cadena de montaje, por lo que al final acababan faltas de creatividad, de personalidad, imposibles de diferenciar unas de otras… A todo esto, además se dejaba muy poco margen de maniobra o participación al propio cantante, convertido así en un mero intérprete. Una difícil encrucijada se mostraba a todo aquél que quisiera ser artista: el éxito a cambio de la libertad…

Pues resulta que en esta misma situación y contexto se encontró el cantante del que voy a hablar hoy, un señor que se merece el máximo respeto y consideración: Pedro Ruy-Blas.

A todo el mundo le suena la canción “A Los Que Hirió El Amor” ¿verdad? En cualquier recopilatorio de Pop Español de los 60 suele aparecer… Pues bien, la voz que ponía los pelos como escarpias en esa tremenda canción es precisamente la de Pedro Ruy-Blas. Madrileño de la generación del 49, desde muy chico descubrió los placeres de la música negra (algo inusual por entonces), y con esa inquietud propia de la juventud formó Pedro sus primeras bandas. Con una de ellas, Los Grimm, llegó su primer contrato “profesional” y la cosa parecía marchar realmente bien, a pasos agigantados, porque poco después le llegó la oferta ni más ni menos de formar parte como voz solista de Los Canarios para sustituir temporalmente a Teddy Bautista, que como cualquier hijo de vecino, tenía que prestar servicio militar.

La progresión hacia el triunfo parecía segura dentro de Los Canarios, pero como estaba previsto, Pedro tuvo que salir de la banda con la vuelta de Teddy y como ya hemos dicho, el futuro que aguardaba a los solistas era siempre el mismo: baladas, baladas y más baladas. Tras abandonar el grupo, Pedro entró dentro de una discográfica llamada Poplandia. Allá, junto al célebre productor francés Alain Milhaud, empezó a publicar singles de corte romanticón a toda máquina y sin piedad: “Mi Voz Es Amor”, “Amor, Amor”… ¿Se ve por donde iban los tiros?
Sí, es cierto que llegó al número uno en la lista de ventas, pero lo que diferenciaba a Pedro Ruy-Blas del resto de cantantes de la época era su formación y su fuerte personalidad. Chocaba con esa visión fría e industrial de la música que estaban empezando a desarrollar y consolidar las casas discográficas y con la insistencia de Alain de convertirle en una figura popular y comercial, así que hastiado de todo, acordó la ruptura del contrato que le vinculaba al productor y se propuso retomar el hilo que había dejado en su anhelado pasado: su verdadero amor por el Soul y el Jazz.

En 1975 acabó fichando por Polydor, una compañía en la que encontraría más espacio en el que poder desarrollar libremente, sin ataduras e interferencias ajenas todo lo que llevaba dentro. Una buena muestra de esta nueva situación profesional es que para su primer álbum con esa casa, titulado ‘Luna Llena’, Pedro controlaría las facetas de compositor y productor. Así sí que se podían hacer las cosas.

En cuanto al apartado lírico en general, ‘Luna Llena’ era un LP cargado de toneladas de brillantes y optimistas mensajes (algo que debería agradecerse en aquellos tiempos todavía tan grises y amenazantes) transmitidos con esa potencia, rotundidad y energía tan característica en la voz de Pedro.

A estas alturas de la película en la que estamos, ya se habrán dado cuenta que la palabra “Libertad” se ha visto tan maltratada e ignorada que ya está casi extinta, por ello me parece que es un muy buen momento para rescatarla, retomarla de nuevo y ver que en el micrófono de Pedro Ruy-Blas sigue teniendo significado:

Luego, trasladándonos a lo que es la música, ‘Luna Llena’ era algo así como el ejemplo perfecto de lo que la España de entonces quería: apertura. Y es que de entre las canciones del disco se asomaban trazas de los elementos más variopintos que en unión resultaba una mezcla explosiva, suponiendo un soplo de aire fresco para los oídos de un español de entonces: el Soul y Jazz que tanto engatusaron a Pedro desde joven; el Funk que explotó con virulencia en los setenta; la música caribeña, latina y brasileña que más tarde le calaría tan hondo al bueno de Pedro…

Casi inmediatamente de seguido y sin tiempo para acomodarse con los elogios que estaba recibiendo por ‘Luna Llena’, Pedro Ruy-Blas decidió realizar otro álbum que al final acabaría convirtiéndose en la semilla de una banda muy querida por el público ansioso de novedades y cosas distintas… Dolores.

Con este proyecto, Pedro siguió creciendo en el plano individual (se empleó además como baterista y se mostró como un maestro de la improvisación vocal tan típica del Jazz llamada scat). En el aspecto colectivo, con Dolores se decidió dar otro paso adelante, arriesgar aún un poco más en cuanto a planteamiento y centrarse en los sonidos más experimentales y avanzados del Jazz-Fusión, aunque siempre con ese toque latino tan característicos en sus discos… Pero esa es una historia para otro momento.

Ahora llega el momento de despedirnos y de recordar a ese gran artista que en su momento tuvo la convicción y la fuerza para salirse de la jaula de oro, de lo fácil y lo convencional para surcar otros caminos tal vez más difíciles e inhóspitos, pero a la larga más fructíferos y satisfactorios. Ahí tenemos sus reconocidos papeles en Óperas Rock/Musicales como ‘Jesucristo Superstar’ o ‘Los Miserables’, su posterior dedicación y entrega total al Jazz (música a la que sigue ligado) y su dirección del programa de radio 'Corriente Ecléctica', que he conocido recientemente y que es bastante interesante ya que se aprende muchas cosas con él... ¡Un hombre en constante movimiento!

En fin, un hombre ejemplar que siempre ha tenido muy claro lo que quería ser: él mismo.

Sorpresas en forma de tocadiscos Cosmo 124

2012-01-09T00:47:00.001+01:00

Hace unas semanas, como es buena costumbre, pasé por casa de mis abuelos a hacerlos visita. Me preguntaron de dónde venía y les dije que de donde casi siempre (de una tienda de discos que hay en la Calle Mayor aquí en Alcalá de Henares), así que como saben que me gusta mucho esto de la música aprovecharon para darme una gran sorpresa: un tocadiscos que tenían guardado en cada desde hace varias décadas... Evidentemente no lo rechacé porque es que estas cosas, como he dicho antes, me encantan.

Buscando información por ahí dí con bastante información: se trata de un tocadiscos marca Cosmo 124 con cuerpo y maletín de madera. Está en bastante buen estado... creo, aunque le falta reponer la aguja (que parece desgastada)y colocar un nuevo altavoz en la parte que se abre de la maleta.
En un primer momento me vi con ganas de arreglarlo yo mismo pero parándome a pensar un rato caí en la cuenta que las manos que Dios me ha dado no han servido para arreglar nada en la vida, por lo que para cargarme más de la cuenta el aparato mejor será buscar sitios por Internet que den consejos o instrucciones sobre cómo hacerlo o tiendas especializadas en Madrid...
Si alguno de ustedes sabe de alguna de estas opciones, les agradeceré en el alma que lo comenten por aquí. ¡Y a ver si un día de estos llego a poner un vídeo en el que suene a todo volumen el viejo Cosmo 124!:)

Regalos de Reyes - El "Sí" de Julieta Venegas:

2012-01-06T19:10:00.010+01:00

Hoy Día de Reyes me ha caído un disco que llevaba mucho tiempo detrás de él. No se trata de una rareza, ni de una reedición, ni de nada parecido o relacionado con la década de los 60 y 70... Al contrario de lo que suele aparecer por este blog, finalmente tengo en mi casa sonando ahora mismo uno de los discos más comerciales y que más me llamó la atención tantos años atrás: 'Sí', de Julieta Venegas.

Muchos pensaréis que mezclar tanto en estas fiestas me ha debido sentar mal, ¡pero qué va!, estoy completamente cuerdo.

'Sí', publicado en España en 2004 supuso para Julieta Venegas el hecho de pasar de "dama alternativa hispanoamericana" a "dama alternativa relativamente mundial", ya que con este álbum Julieta pasó a vender millones de discos, y según mi opinión, con el mérito de mantener además un nivel de respetabilidad que otras y otros perdieron hace tiempo...

El apartado musical de 'Sí' supone cierta ruptura con el anterior material de Julieta. Previamente y a modo de desquite o defensa, podríamos decir que ya incluso desde sus inicios su música nunca tuvo una dirección muy clara debido a lo versátil y ecléctico de sus gustos, y que además ha logrado conservar varios de sus elementos sonoros más personales y característicos como el toque de su acordeón, pero hay que reconocer que tras este álbum la música de Julieta Venegas recibió una capa de Pop más luminoso y accesible cortesía de Coti Sorokin (un tipo al que sinceramente en solitario no aguanto), contrastando enormemente con lo que hizo en su discografía anterior... ¿Entendible cambio y evolución de rumbo o pérdida de identidad en pos de un éxito más masivo? Opiniones hay para todos los gustos.

El tema de las letras es otro punto del que me gustaría hablar. En muchos sitios el público suele mencionar que Julieta Venegas se bajó de lo Alternativo (una etiqueta siempre relacionada no sé por qué extraña razón con poseer unas letras complejísimas, crípticas, oscuras y poseedoras de lo auténtico...) para subirse al carro de lo Comerical con letras más cómodas, felices-positivas y con menos punta... Y no puedo estar más en desacuerdo porque: 1º, creo que hay gente que confunde ser Alternativo con ser un pesao; 2º, creo que las letras de este disco ahora son más optimistas (que no autocomplacientes); y 3º, también más diáfanas (y no creo que hablar más claro sea igual que decir cosas triviales o con menos carga… No lo creo).

Ya desde la portada, se ve que en este disco se van a tratar cosas muy femeninas, y no me miréis raro, porque de todo se puede aprender. Este trabajo está escrito algo así como un diario o un manual que nos muestra a los tíos cómo tratar a una señorita: nos previene sobre las cosas que no hay que hacer para evitar herirlas u ofenderlas, y nos insinúa las que sí hay que hacer para alegrarlas la vida... Aunque bueno, ahora que lo pienso mejor y si cambiamos el sexo, también son cosas universales que queremos todos los tíos, que nos quieran y no nos hagan daño salvo que entre los que nos lea haya algún masoquista, claro, que todo puede ser.

Ni me voy a poner a analizar corte por corte ni voy a poner nota al disco porque lo que más me gusta de 'Sí' es la idea o el concepto global, el sabor final que queda tras su escucha. Por todo ello, ahí os dejo con una de mis favoritas: "Oleada". Resulta que esta última canción del disco es algo así como el reconocimiento público o la afirmación que la propia Julieta hace de estar experimentando un cambio, un viaje con el que "poder empezar de nuevo"... Un viaje inevitable que acepta enteramente y en el que lleva cargadas todas las experiencias anteriores ya vividas y que nunca olvidará...

Así es como resumo las últimas andanzas de Julieta y ese es el sentido que le doy a la canción: el de aceptar y afrontar serenamente los cambios que se produzcan a lo largo de la vida, pero sin perder la esencia de uno mismo... Me parece de personas valientes y consecuentes.

El moco-monstruo:

2012-01-03T23:10:00.004+01:00

Este año me apunté a un curso de monitores y en la parte de manualidades estamos aprendiendo a hacer juguetes y demás cosillas con las que entretener a los niños...

Y esta es una muestra de mis progresosXD

Guitarras Brasileñas y Bananas Fuzz:

2011-12-31T19:22:00.000+01:00

Como viene siendo ya tradición en DU-DUM-DUM, en el último día del año nos gusta despedirnos de todos vosotros con un artículo musical bonito, apañadete y con cierta enjundia, no como en las últimas semanas... ¡Que os he estado mortificando vilmente con atroces portadas navideñas!

Pues con este objetivo tan claro nos hemos puesto a buscar entre las estanterías y torres de cedés de la habitación un disco que sirviera para tal cometido... Lo fácil sería haber tirado del clásico álbum de Jazz, pero es que eso es muy socorrido, ya se hizo en su día y lo interesante es variar un poco, porque caer en lo fácil es eso... fácil.

Así que para cambiar radicalmente de escenario (ya que de estampas navideñas, frío y Reyes Magos estamos por aquí bien servidos) he decidido entonces hablar de 'BRAZILIAN GUITAR FUZZ BANANAS': un recopilatorio de rarezas cargado de sonidos tropicales y psicodélicos que han permanecido ocultos y guardados en las cajoneras de las tiendas de vinilos de Brasil más recónditas y abandonadas de la mano de Dios.

Esta idea aparentemente tan rocambolesca pertenece a Joel Stones, un tío creo que estadounidense de origen brasileño, melómano, cazador de rarezas musicales, especializado en el mundo de la Psicodelia brasileña (la tierra es que tira mucho), los ritmos latinos y entre otras cosas editor, productor y propietario de una tienda y discográfica especializada en este tipo de maravillas sonoras.

Todos aquellos que nos están leyendo que consideran que tienen cierta inquietud musical, que les guste este tipo de sonidos y que además tengan la posibilidad de hacerse con esta compilación (en mi caso me la encontré en una de esas ofertas extrañas por tres eurillos de nada), que no lo duden ni un minuto porque disfrutarán enormemente del resultado final obtenido tras el duro trabajo de investigación realizado por el señor Joel. La edición sencilla de BGFB consta de un cedé con 16 cortes interesantísimos, con un mini-documental titulado "What Are Fuzz Bananas?" que trata sobre el largo proceso de creación del recopilatorio (el nacimiento y origen del concepto, el diseño de la portada a manos de un artista gráfico, la labor de búsqueda para llegar hasta las rarezas que ahora podemos disfrutar en el salón de nuestra casa,...) más un completo libreto de 48 páginas con fotografías a color de las galletas de los vinilos y textos en inglés y portugués en los que aparecen detallados datos técnicos y curiosidades sobre las bandas y artistas seleccionados... Y todo esto con un cuidado en el diseño gráfico y artístico notable, que es algo que también se agradece.

Para las personas con posibles, sepan que existe una edición especial que consta de doble vinilo y gafas en 3D para ver la portada en plan viaje astral tras inflarse a sustancias alucinógenas.

Además de ser un disco totalmente disfrutable ya simplemente por la calidad que las piezas seleccionadas atesoran, Brazilian Guitar Bananas Fuzz destaca también porque es una fuente de conocimiento musical que cumple una función didáctica-educativa realmente entretenida e interesante... En sus primeras páginas Joel hace un repaso muy sintético (y por ello muy gráfico y directo) del transcurso y la evolución de la Historia de la música brasileña desde el 1500 con la conquista portuguesa de esas tierras, pasando por la presencia de población alemana, italiana y japonesa en el siglo XX y acabando con las sesiones que los DJ´s realizan hoy día en las calientes playas de Rio de Janeiro por poner un ejemplo...

Este es Joel Stones. En varias fotos que he visto de él sale siempre con unas pintas muy guayonas, así que he preferido poner esta en la que sale con su madre o su abuela.

Como el año hay que despedirlo a lo grande y hace tiempo que las ondas psicodélicas no volaban libremente por aquí, vamos a poner como muestra los cuatro cortes que más me han llamado la atención de esta colección de rarezas y destacaremos algunas cosas de ellos:

Loyce E Os Gnomos era una banda formada en el área rural de Ribeirao Preto (en el estado de Sao Paulo) allá en 1969, en un contexto en el que os podéis imaginar que las avanzadas y ácidas propuestas musicales de esta gente fueron vistas como autènticas marcianadas en el sentido más literal de la palabra… y a nosotros nos gusta que así fuera, con esa intensidad y distorsión a tope en "Era Uma Nota De 50 Cruzeiros":

El propio Joel reconoce que las dos canciones que hay de 14 Bis en esta colección son el material más extraño y también el que más caro le ha costado a la hora de hacerse con él. No hay disponibles datos ni sobre el personal que participó en la grabación, ni sobre la fecha ni sobre ningún otro tipo de dato técnico a parte de que fue publicado bajo una discográfica llamada MAD. La canción que he escogido se llama “God Save The Queen” pero no os preocupéis que nada tiene que ver con los Sex Pistols, ya que 14 Bis eran unos cuantos años mayores. Atención a ese toquecito de contundencia y sensibilidad brasileira tan irresisitible:

“Cinturao de Fogo” es una de las mejores muestras aquí presentes de la vitalidad y del soplo de aire fresco que supuso el tropicalismo, esa mezcla natural que surgió entre la tradición de la música brasileña y las novedades que aportaba el Rock sesentero. Marisa Rossi, natural de Rio de Janeiro, es la voz protagonista de este tema:

Mi canción favorita del disco pertenece a un grupo del que no he encontrado más información por mi cuenta salvo la que aparece en el libreto. Se hacían llamar de una forma peculiar, Com Os Falcoes Reais, y son los responsables de esta espectacular pieza repleta de calidez instrumental (debida en parte a esos efectos de eco y reverb que introducen, más propios del Dub jamaicano), de sentimiento a flor de piel y de elegancia en todos y cada uno de los segundos que dura “Ele Seculo XX”:

Espero que esta visión más tropical y canarinha con la que cerramos el 2011 sea de vuestro agrado.

¡Hasta el año que viene!

Peores Portadas Especial Navidad 3ª Parte y Final (hasta el año que viene supongo):

2011-12-25T01:15:00.010+01:00

Vamos allá con la 3ª parte y por fin final de esta extenuante serie de atrocidades navideñas. Sean condescendientes conmigo viendo lo que os he preparado y que se lo pasen bien:

¿Por qué he elegido esta portada en el número uno de esta tercera entrada navideña? Pues la razón es bien simple: por el espectacular y desfasadísimo peinado del Sr. Engelbert Humperdinck (¡que vaya nombrecito artístico también se puso el figura!)
Lo cierto es que no había mejor manera de cargarse ese fondo navideño tan acogedor rústico de la portada que con el careto de Engelbert saliendo como de la nada ahí en diagonal con ese pelazo y con ese chaleco...
En fin, que se lo merece todo.

No falla nunca, y es que todos los años, a estas alturas del calendario los telediarios nos bombardean con varias cosas: los resúmenes de lo mejor y más importante que haya ocurrido durante el año, las típicas escenas en las que deportistas y famosos se reúnen para berrear en canciones con fines solidarios, las imágenes de los Papá Noeles celebrando la Navidad en las playas de Australia o esquiando en los Alpes Suizos... ¡y cómo no! Esos adorables vídeos musicales en los que perros y gatos ladran y maúllan mecánicamente al ritmo de los villancicos clásicos de toda la vida.
Pues bien, ahí tienen la horrible portada de uno de esos horribles vídeos delante de sus ojos.
De veras que me gustaría conocer a uno de los lumbreras que propuso publicar este tipo de discos, si se hizo de oro, si duerme tranquilo todas las noches... Ese tipo de cosas:)

Afroman es un tipo que le da al Rap con cierto sentido del humor, con acidez e ironía. Algo que en un mundo a veces tan "seriote" como el del Hip-Hop no suele cuajar. Además, en el 2002 fue nominado a un Grammy por mejor actuación solista de Rap, que no está nada mal viendo toda la caterva que aparece por aquí.
La imagen de la portada es rotunda, clara y directa. No presenta ningún fallo... Pero para estos días que deben ser alegres no encaja mucho la verdad.

¿Habéis visto la cara de este "children´s entertainer" armenio-canadiense llamado Raffi? ¿Esos ojos? ¡Yo no le compraba este disco o llevaba a su concierto a mi hijo ni de coña vamos!

Tiny Tim es otro que tal baila... Un tío raro pero de esos respetables y respetados por todo el mundo. Con su peculiar voz, su desaliñado aspecto y su legendario ukelele hizo reir y disfrutar a mucha gente, y eso hay que tenerlo en cuenta... Pero la portada que aquí os traigo más que de Navidad es de Pesadilla Antes De Navidad.

Y como después de tanta morralla portadística nos teníamos que despedir a lo grande, con algo bonito, ahí va el minimalista y a la vez exuberante y potentorro diseño de este recopilatorio de Heavy Metal que me he encontrado en Internet dedicado a la Navidad. Su listado de canciones incluye tradicionales maravillas "Jingle Bells", "Here Comes Santa Claus" o "Winter Wonderland" pero recreadas a golpes de "riffs" y baquetazos.

Al final he elegido esta última canción (que es de mis favoritas del momento en que estamos) versionada por Stryper, que aunque creo que no sale en el recopilatorio, sí que reproduce bastante bien esa sensación de los villancicos metálicos:

Fondo de pantalla de Steve Howe y Yes:

2011-12-22T06:35:00.004+01:00

Tras revisar las fotos que en su momento hice del concierto de Yes y desechar muchas, al final me dio por retocar alguna de ellas y convertirlas en otra cosa... como por ejemplo en este caso, que ha pasado de simple fotografía a imagen para fondo de pantalla.

Ahora mismo este es el fondo que preside mi ordenador y creo que seguirá ahí por mucho tiempo.

Peores Portadas Especial Navidad 2ª Parte:

2011-12-18T10:26:00.005+01:00

Pero mira que es fácil y gratuito eso de burlarse de la figura de los mariachis... Nada, te pones un mostacho grotesco de mentira, un sombrero anchote de esos ¡Y ya está!
Es más o menos igual que meterse por aquí con los tunos... un objetivo fácil.
Toda la portada rezuma mal gusto: el fondo estridente ese que no pega ni con cola, la nieve de bolitas de corchopán, la indumentaria (que ni siquiera se podría considerar un disfraz de los cutres) o la cara del "mariachi" (que parece estar dándolo todo en el WC en lugar de soplarle a la trompetilla.) En fin, una tristeza enorme el 'Tijuana Christmas'.

Los cowboys estadounidenses también parecen ser un objeto fijo de esta sección, y es que se prestan a ello por lo raros que son. Bueno, por lo raros y por lo horteras que suelen ser casi siempre... Que no se quitan el sombrero ni para ducharse parece ser que está bastante claro si tenemos en cuenta esta portada del genial y simpaticón Toby Keith.
Salvo la "originalísima" idea de ponerse el típico gorro del Santa Claus sobre su sobrero, el resto de la portada es de una simplicidad y de un vacío que da hasta pena...

Las islas de Hawaii y sus gentes son tan navideñas como las entrañas del mismísimo infierno.
He estado surfeando por Internet en busca de la música de The Surfers y resulta que eran un grupo vocal de los de antaño con toques evidentemente hawaianos que no hay por donde cogerlo... Pero bueno, como de todo se puede sacar algo bueno, he aprendido que por allá Feliz Navidad se dice Mele Kalikimaka. ¡Menos da una piedra oiga!

El toquecito Heavy no podía faltar, y nuestro amigo el hortera de bolera King Diamond está aquí para alegría de todos nosotros. Podría analizar la portada de forma pormenorizada, pero si os soy sincero tengo tan poquísimas ganas de perder el tiempo con ella que mejor dejarlo estar. Si ya simplemente al contemplar de forma rápida con un vistazo la imagen nos podemos hacer una idea del pésimo (por no decir nulo) criterio artístico-gráfico que tuvo KD a la hora de perpetrar este atentado contra la Navidad con cabeza disecada de ciervo o reno o lo que sea incluída...

A los gangstas les mola presumir de varias cosas: de ser más chungos que nadie, de ir contra todo y contra todos, de apuntar con pistolas y de ser apuntados, de mostrar sus heridas de guerra, de que sus coches tuneados boten sin sentido alguno al ritmo de sus superequipos de audio, de tener los dientes de oro en estos tiempos que corren, de tener como mascotas a chuchos gigantescos, de lucir diamantes y luego quejarse de la opresión y esclavitud del hombre negro hoy día en África, de beber champán aunque luego para comer sólo tengan mantequilla de cacahuete (habrá algo más ajjjqueroso), de decir "bitch" y "nigga" más veces que el vecino de al lado... pero sobre todo, ¡a los gangstas les gusta presumir de tener las portadas más horrorosamente horrorosas del mundo! ¡Y es que ni en Navidades descansan!

Que vaya por delante que en este blog no se hace apología de las drogas, pero lo que no me esperaba en esta sección era encontrar y poner una portada (que aunque me parezca igual de fea que todas las demás que han ido apareciendo por aquí) por lo menos sí me resultara original en cuanto a su propuesta... Y aquí la tenemos.
Como esta portada me ha llamado bastante la atención, se ha ganado el derecho de que buscara información sobre su contenido: resulta que el tal Joe Gibbs fue un productor musical y uno de los numerosos pioneros jamaicanos que se encargaron de dar forma, consolidar y dar alas a la escena musical del Reggae tal y como lo hiciera el legendario y más conocido por la mayoría de la gente Lee Perry. Su discografía es abundante y sobre todo dispersa (ya que el ritmo de producción de esta gente era vertiginosa y se centraban en publicar en forma de sencillos) así que quien quiera sumergirse en lo que hacía Joe Gibbs ya está avisado...

Cerramos esta segunda parte de las Peores Portadas de Navidad con un temita que Joe Gibbs incluyó en su álbum navideño de 1979 según nos cuenta el Sr. Wikipedia:

Científico loco, malvado y con ojo biónico:)

2011-12-14T19:24:00.007+01:00

Ahí os dejo con un dibujillo marginal que hice hace poco, uno de esos monigotes que te da por garabatear en el margen de una libreta y como tienes tiempo de sobra pues empiezas a colorearlo toscamente con el ordenador y a retocarlo un poco. Ahí va el paso a paso:

Kyoto . "Lo Que Vuelve Para Vengarse":

2011-12-11T23:03:00.001+01:00

Aprovechando que hace unas semanas estábamos hablando de Héroes del Silencio en el programa de radio, me paré un momento a contar los grandes artistas y bandas que han salido de Zaragoza y lo cierto es que la diversidad de las propuestas que de ahí han surgido es abrumadora... ¿Decimos algunos nombres?
Allá tenemos para empezar a Labordeta como el maestro y el ejemplo perfecto de cantautor con carácter, a Carmen París como respetuosa e interesante revisora de la tradición popular jotera, a Manolo Kabezabolo en el mundo del Punk, a Violadores del Verso como los patriaras del Rap, al Niño Gusano como precursores del Indie nacional y a Amaral encabezando el Pop con mayúsculas... ¿No está mal la lista verdad?

Pues resulta que ahí no queda la cosa. Por lo que parece, la escena musical maña sigue todavía gozando de buena salud, con buenos representante como por ejemplo esta gente que os traigo hoy: Kyoto. Una banda que lleva desde finales de 2006 realizando una curiosa mezcla de sonidos Space-Rock, eso que se llama Shoegaze y Hardcore... Todo ello englobado y metido, cuidadosamente, en ese maravilloso cajón de sastre que es el Post-Rock.

Pero bueno, divagaciones estilísticas y etimológicas al margen, lo que está claro es que en la música de este trío zaragozano formado por Iván Fanlo al bajo eléctrico, Isaac Moreira a la batería y Alicia Puebla a los teclados y voces podemos destacar tres puntos básicos:
El primero: la experimentación y el cuidado desarrollo con que van construyendo paso a paso su discurso musical, que parece conectar por ello en cierto sentido con las maneras del Rock Progresivo de antaño (aunque sin llegar nunca a los niveles de complejidad que tenían las los clásicos de ese estilo).
El segundo: la oscuridad, el misterio y lo lúgubre con que tiñen todas sus historias.
Y tercero: una elegancia natural interior que al final acaba destilando, sobresaliendo y brillando por encima de toda esa apariencia externa tan sombría, siniestra y opresiva de la que hablábamos antes...

A día de hoy, en la discografía autoeditada de Kyoto destacan dos EP´s que son: 'Cuatro Finales Alternativos' de 2007 y 'Tan Sólo La Muerte Es Definitiva' de 2008, más un miniCD que se titula 'Lo Que Vuelve Para Vengarse' de 2010 y un 7'' que carece de título y que está recién salido en noviembre de 2011.
Todos estos trabajos se encuentran disponibles para su descarga gratuíta en Bandcamp, aunque una cosa os digo: como siempre y si se puede, es preferible ir a sus conciertos y comprar allí estos discos, que son ediciones limitadas realizadas con un sobrebio cuidado tanto gráfico como material. Es lo que creo, vamos..:)

Y para que veáis de lo que son capaces los Kyoto, ahí os dejo hasta la próxima con una sugerente y enigmática pieza presente en su penúltimo trabajo titulada "La Última Noche De La Máquina Del Tiempo":

Que os guste.

Peores Portadas Especial Navidad 1ª Parte:

2011-12-09T03:18:00.009+01:00

Para ir quitándonos de encima las peores portadas de discos dedicados a estas fechas navideñas que se nos echan encima (una época en la que el mal gusto y todo lo sobrecargado se dan la mano), hoy me ha dado por hacer la primera parte de una trilogía que me ha dado vergüenza hasta plantearme, pero bueno allá va el resultado:

Este trío de "nosesabequé" da miedo y con eso basta.

Es como aquello de los señores desagradables que creen que al disfrazarse de Papá Noel ya pueden pasar perfectamente por bellísimas personas... Y no.

Carl, Eric y Eberhardt le deben dar al acordeón y al violín que es una maravilla, y digo deben, porque no me he molestado en buscar si hay material sonoro disponible de esta gente...

Las portadas de los discos de artistas de humor afroamericano siempre son muy picantonas y pícaras, pero también es cierto que van acompañadas de una imaginería muy chabacana y marginal.

Una buena prueba de ello es la obra del genial Jimmy Pelham.

Heino es un clásico en esta sección, y en unas fechas tan señaladas no podía faltar ¿verdad?

La Navidad suele ser una época del año en la que el entusiasmo, la felicidad, la alegría y todos los valores positivos que os podáis imaginar suelen plasmarse en las caras y corazones del mundo entero... Pues bien, al bueno de Merle Haggard se la trae todo al pairo.

Podrán decir que soy un raro o que debería fomentar mis relaciones sociales, pero del Sr. Hung sí me he encargado de buscar su pasado, y resulta que es un asiático con la cara rara que participó en las pruebas de selección del 'American Idol' con sorprendentes y personalísimas versiones de temazos como "I Believe I Can Fly" de R. Kelly u "Hotel California" de los Eagles. Ni qué decir tiene que su portentosa voz y su talento natural fueron tomadas a broma... Igual que a Cañita Brava en 'El Semáforo'.

ACDC no es santo de mi devoción, pero al lado de algunas de las cosillas que he traído hoy, creo sinceramente que los australianos son la mejor opción musical que se podría traer para finalizar este primer Especial Peores Portadas De Navidad. Al parecer tienen un disco titulado 'The Razors Edge' en el que aparece una canción que tiene a la navidad como trasfondo o contexto o como leches se diga.

La portada de la promo de la canción "Mistress For Christmas" hoy día se puede considerar muy machota, muy Rock... Pero también muy cazurra, inadecuada y políticamente incorrecta. Sea lo que sea, ahí están:

El Pico´s

2011-12-07T11:51:00.002+01:00

Rótulo de whiskería, club nocturno o burdel lúgubre y hortera...

Gabriel Y Vencerás - Letras Raras Para Días Raros:

2011-12-04T18:09:00.007+01:00

Mis orejas, siempre hambrientas de cositas nuevas, diferentes y atractivas tuvieron la suerte de toparse hace unas semanas con las canciones lanzadas por Gabriel Y Vencerás: unos cuantos tipos que procedentes de diversos sitios fueron a coincidir en la ciudad de Barcelona. Lugar este en el que se han estado dedicando a desarrollar una música que tiene la cualidad de llamar poderosamente la atención a todo aquél que la escucha gracias a ese sonido que no puedo definir de otra forma que ardiente y palpitante, y a esas letras tan inusuales y extrañas, afortunadamente tan alejadas del cánon actual, de todo lo racional, normal, anodino y aburrido que hay en este mundo…
Su temática, según lo que he podido desvelar y desencriptar, es bastante variada y enrevesada. En ella predomina lo que tiene que ver con lo personal (lo mismito que en Bustamante, Bisbal y otros congéneres ¡qué cosas!) pero al contrario que ocurre con los dos seres que hemos mencionado, en Gabriel Y Vencerás se aplica todo con un singular y atípico tratamiento en el que predomina lo absurdo y lo simpático. Algo que desde aquí se agradece:

“…Esto está lleno de cactus y no apruebo su contacto.

Me siento más a salvo en mi espacio, mi marca en el suelo.

Allí puedo organizar mis rutinas, no tener que mirar a sus ojos al hablar.

Me produce pavor el contacto visual, es una invasión que no sé tolerar…”

Con anterioridad creo que los chicos de Gabriel Y Vencerás ya se dieron a conocer bajo el nombre de 3Mellizas, banda con la que también grabaron un disco igualmente inclasificable y ahora, ya como GYV, dos EP´s que podréis encontrar en este enlace de Bandcamp que cuenta con el total permiso de sus autores.
Métanse allí, escuchen, bájense el trabajo y luego si les place y les pilla cerca, pues vayan a sus conciertos y compren el disco.

Banda: Gabriel Y Vencerás.
Canción: “Contactus”
Trabajo: ‘Gabriel y Vencerás EP’ – 2010.

Estela como si fuera un personaje de Padre De Familia:

2011-12-01T15:49:00.001+01:00

Resultado del tiempo de ocio que dispongo y de la petición que hizo mi prima.

¡AMEBA visita a Los Sultanes del Swing en la RUAH!

2011-11-30T11:50:00.003+01:00

Pues sí señores, como bien indica el titular de arriba, tenemos el placer de anunciar y comunicar que Raquel-Ameba nos visitará en los estudios este lunes 5 de diciembre a las 18:00 horas para contarnos sus ideas, sus cosas y mostrarnos esa música tan rechula que lleva dentro.

Ya saben donde encontrarnos:

En la 107.4 de tu FM si resides en Alcalá de Henares o en Ruah.es/online

¡Nos oímos!

De Phazz - "The Mambo Craze":

2011-11-27T10:43:00.005+01:00

Lo que traemos a continuación es una pequeñísima muestra del trabajo perteneciente a De-Phazz, un proyecto alemán de Nu-Jazz que en realidad y para hacerlo todo un poco más gráfico, podríamos compararlos con una especie de coctelera gigante donde se mezclan y agitan elementos de raíz negra como el Soul y el Funk, esas ganas de pista de baile procedentes del Disco y del BreakBeat, la clase y el estilo del Jazz, la suavidad del Easylistening, unas cuantas elegantes pinceladas latinas y más cosillas que ya iréis escuchando… Todo ello siempre con la única y sana intención de obtener como resultado una música que hace las veces de cocktail bien fresquito, ideal en estos tiempos ya otoñales, grises y fríos que nos han hecho olvidar que existe algo llamado veranito.

Aunque todos los miembros de este grupo tienen un pasado musical más amplio, De-Phazz surgió como tal en 1997 con el álbum 'Detunized Gravity', una obra que fue definida en unas declaraciones por la propia banda como "una variada mezcla de sensibilidades, así como de maravillosos collages electrónicos".

Pero lo cierto es que por muy meritorio que fuera este debut discográfico, la gente de De-Phazz no alcanzó cierto reconocimiento hasta la llegada a las tiendas de 'Godsdog': un disco publicado en 1999 que seguía de forma inteligente la misma línea ya trazada en 'Detunized Gravity', pero esta vez con una diferencia clave y bastante positiva: el trabajo ahora estaba potenciado ya que contenía entre otras interesantes piezas un tema que se acabaría por convertir en un verdadero hit. Estamos hablando de "The Mambo Craze".
Quizá a muchos este nombre no les suene así de primeras, pero en cuanto le demos al play seguro que os acudirá su sonido inmediatamente a la cabeza, ya que ha sido empleado abundantemente en todos lados: sintonías de radio, anuncios de televisión, películas... ¡En todos lados!

Hagamos la prueba: Ahí os dejamos con De-Phazz y su gran éxito "The Mambo Craze":

El cartel paso a paso:

2011-11-25T18:46:00.003+01:00

Siempre me ha gustado ver el proceso de cualquier acontecimiento o trabajo, así que ahí va el paso a paso del cartel que hice para la serie de eventos y conciertos que la RUAH (la Radio Universitaria de Alcalá de Henares) está realizando en los últimos días:

Como siempre, todo surge a partir de un boceto o un dibujo, del lapicero y del papel. Todavía no estoy preparado ni tengo los conocimientos para empezar a crear algo de la nada desde el ordenador. ¿Artesano? ¿Chapuzas? Quien sabe, quizá las dos cosas...
Para quien no lo sepa, lo que se me ocurrió fue tomar prestada la silueta de un símbolo de nuestra ciudad como es la torre de la Magistral para que se convirtiera en la "A" de la RUAH.

Luego le di una tipología muy rotunda y clara para que fuera vista a la primera. Además le puse un color azul que era bastante oscuro y no correspondía con el "azul universidad" que llamamos por aquí.

Tras ponerle el azul correspondiente, colocamos el logo de la universidad y recuperé-reciclé a petición de mi amiga Marta una idea que hice para otro cartel: el que desde la punta de la veleta de la torre de la magistral salieran unas ondas de radio...
Así la verdad es que me parece que quedó un diseño y un logo bastante redondo.

A última hora se quitó el logotipo de la universidad y se colocó el de la RUAH, para que la configuración del cartel quedara finalmente así.

Los conciertos merecen bastante la pena, son de gente buena en lo suyo y son gratuitos, que tal y como están los tiempos se agradece...
¡Yo no me los perdería!

Una Joyita: The City Lights y 'Escape From Tomorrow Today':

2011-11-21T04:35:00.005+01:00

Lo cierto es que llevaba un montón de tiempo aguardando y esperando el momento para poder hablar de The City Lights: unos muchachotes provenientes de Australia (lejanísima cuna de grandes bandas) que vinieron a este mundo para mostrarnos el verdadero camino del Rock, para hacernos ver que todavía se puede hacer música con carácter y energía sin tener que ceder ante nada ni ante nadie.

En su primer disco del 2004 'Escape From Tomorrow Today', publicado en España por la discográfica madrileña Bittersweet Recordings, se aprecia claramente el gusto que los hermanos Roden y compañía tienen por bandazas como The Who, The Clash o Big Star entre otros. Lo cierto es que el hecho de reconocer estos nombres entre sus influencias ya es en sí toda una declaración de intenciones y de cuáles son sus armas: ritmos poderosos y vertiginosos, grandes estribillos, riffs de guitarra para dar y tomar,…
Sabor clásico a fin de cuentas.

Su discografía, hasta donde yo sé, no es muy abundante que digamos. Una pena. Además del primer disco que ya he mencionado y que vamos a destripar un poquillo como se merece más tarde, hay que decir que además cuentan con un segundo trabajo titulado 'El Sol' que fue publicado en 2008 también por BSR. Como curiosidad, el nombre tan poco anglosajón de este disco se debe a que es un homenaje a la conocida sala de conciertos que hay en Madrid, a la gente que fue a sus conciertos y a los buenos momentos que allí pasaron. Un punto a favor, por simpáticos.
De forma sintética, podemos decir que el 'El Sol' es un disco muy sólido y con un nivel medio de canciones bastante elevado (“Get Steady”, “Here To Stay”, “Got The News Today”…) pero si tuviéramos que destacar una pieza por encima de todas las demás, creo que debería ser esta que os pongo a continuación: "Everyone Out".

Pero volvamos al álbum con el que The City Lights salieron a escena por primera vez, que es a lo que hemos venido: 'Escape From Tomorrow Today'.

En este trabajo debut se nota que la banda puso gran empeño y cuidado a la hora de construirlo ya que analizándolo en conjunto vemos como también nos presentan un ramillete de canciones realmente interesantes y efectivas que nos ponen en contacto con esa esencia de los 60 y 70, con la estética Mod, las Rickenbacker, el sonido espídico, directo, rápido y sin artificios de ningún tipo… ¡Y mira por donde! Una de las canciones de este disco que posee todas estas cualidades es por ejemplo “You Stand Accused Young Man”:

Y es que estos chicos están dotados de un talento innato para crear trallazos de lo que se llama Power-Pop, que es ese estilo que se caracteriza por la combinación de la parte más robusta y contundente del Rock con el gancho y las marcadas melodías del Pop. De controlar todo esto salen entonces maravillas como “What You Gonna Do?”:

¡Que os gusten!

Ghost Dog (una de mis películas favoritas):

2011-11-15T23:35:00.003+01:00

Como más o menos intuía que mis compañeras de Los Sultanes del Swing iban a traer al Especial BSO de Cine y Televisión que íbamos a hacer unas canciones de corte más bien tranquilo, decidí presentarme en la radio con algo distinto bajo el brazo, con la música de una película de estas digamos... especiales: Ghost Dog.

‘Ghost Dog: The Way of the Samurai (El Camino del Samurai)’ es una película independiente rodada en 1999, que fue escrita y dirigida por Jim Jarmusch (que os sonará de filmes como ‘Coffee And Cigarrettes’ o ‘Dead Man’), e interpretada por uno de mis actores favoritos de Hollywood ya sea tanto en la faceta de reparto como de protagonista: el grandísimo Forest Whitaker (oscarizado en 2006 por su papel del dictador ugandés Idi Amin en ‘El último Rey de Escocia’).
Desde siempre me pareció un actor que trabaja de forma muy honesta, sincera y directo... Alejado radicalmente de todo lo teatral y recargado en que suelen caer las estrellas del celuloide.

Y la sinopsis es la siguiente: la historia que se nos muestra tiene lugar en la gris, deprimida e industrial New Jersey y trata la vida de Ghost Dog (Forest Withaker): un misterioso y solitario hombre que vive en el cobertizo de una azotea, con la única compañía de sus palomas mensajeras y la extraña amistad que entabla con dos personas muy dispares: Pearline, una niña sabelotodo que vive en el portal de al lado y Raymond, un haitiano francófono que no habla ni pizca de inglés y que se dedica a vender helados con su destartalada furgoneta...

Pero resulta que Ghost Dog tiene un lado oculto: obsesionado desde chico con la filosofía oriental y seguidor del Hagakure (una obra literaria japonesa del SXVIII ideada por Yamamoto Tsunemoto que plasma la doctrina tradicional feudal y el antiguo código ético-militar de los Samurai), Ghost Dog decide que su vida debe regirse estrictamente por este ancestral código de conducta y servir fiel vasallaje, como si de su señor se tratara, a un decadente y cincuentón mafioso local llamado Louie (encarnado por John Tormey) con el que está en deuda desde tiempo atrás cuando siendo un adolescente le salvó la vida durante una pelea callejera.
¿Y cómo se sirve a un mafioso? Pues actuando de sicario y asesino profesional...

Sin embargo, pese a la pericia y eficacia que demuestra Ghost Dog a la hora de realizar “los trabajos”, la cosa se acaba complicando demasiado y la familia mafiosa para la que trabaja de forma indirecta a través de Louie se vuelve contra él con la intención de eliminarlo... Ante esta afrenta, Ghost Dog considera que su código personal ha sido traicionado, decide contraatacar y poner en práctica su propio plan siguiendo el recto, leal y siempre fatal camino de los samuráis…

Sé que la historia de esta película así de primeras es muy estrafalaria, pero en realidad tiene mucho trasfondo… Que nadie la interprete como una simple película de mafiosos italianos o de gángsters negros porque va más allá: En este film se pone de manifiesto la lucha y la fricción que se genera entre la tradición y la modernidad; cómo valores ancestrales como la fidelidad, la entrega o el respeto se van perdiendo, corrompiendo y ya no tienen peso ninguno en nuestra sociedad; y cómo los hombres, apesadumbrados, padecen y sufren este desmoronamiento, casi sin poder evitarlo...

Y es que como bien dice Ghost Dog en una de las secuencias: "el mundo parece estar cambiando a nuestro alrededor".

No voy a engañar a nadie: el ritmo de narración es pausado (casi como al modo de las películas clásicas japonesas a las que Jim Jarmusch rinde tributo y homenaje) pero a la vez muy fluído y no se hace nada pesada o aburrida. A lo largo del desarrollo, la historia se va salpicando con escenas de acción tratadas con bastante finura y estilizadas, con diálogos cargados tanto de humor fino (el trío de jefes mafiosos que están como una cabra) como de fuerte carga reflexiva (la discusión de Ghost Dog con los cazadores), y con algunos momentos que aunque sencillos en su ejecución, son ejemplos de una belleza, encanto y plasticidad increíble (la paloma muerta a los pies de Ghost Dog, los vuelos sobre la zona industrial de New Jersey, la vida nocturna callejera, el pájarillo de la mira telescópica…)

La Banda Sonora es otro puntazo: al contrario de lo que ocurre en muchas otras BSO que son una simple recopilación de canciones ya grabadas con anterioridad, en este caso contamos con dos opciones: unas composiciones realizadas por RZA (un productor de lo más personal que se pueda encontrar uno en esto del Hip-Hop y miembro de los legendarios Wu Tan Clan) más un conjunto de canciones de Rap en algunos casos creadas por artistas como Jeru The Damaja y Afu Ra de forma expresa para la película...
Lo que me gusta destacar de ella es esa capacidad que tiene para sumergirnos en las oscuras y frías calles de New Jersey y a la vez hacernos sentir ese ambiente místico más propio de Oriente. Quien no me crea, ahí tiene este temazo de RZA titulado "Samurai Showdown":

Y no podía dejarme ésta... Una de las canciones de Hip-Hop más sombría, hipnótica, paranoide y casi hasta fantasmagórica que he escuchado en mi vida, "East New York Stamp":

En fin... que si sois un poco inquietos, queréis ver algo distinto y con un resultado final a mi parecer bastante atractivo y que deja poso, ésta es vuestra película:

Cómic "El Frenopático y Amigos" (recuperado, mejor escaneado y eso):

2011-11-13T00:07:00.006+01:00

Mis años de niño husmeando en la colección de mi padre de cómics y revistas como Creepy, Dossier Negro y Zona 84 creo que marcaron mi gusto en el cómic por el humor negro y oscuro, como el de esta historieta en concreto, y de las que todavía me quedan por hacer cuando algún día me centre de nuevo en esto del dibujar...

En su momento y ahora me sigue gustando el resultado, vosotros diréis.

Jorma Kaukonen / Jefferson Airplane:

2011-11-10T16:00:00.005+01:00

Hoy tenemos en nuestro blog a Jorma Kaukonen, uno de los máximos representantes de ese sonido ácido y lisérgico tanto nos gusta y que tanto se daba allá por los maravillosos y musicales años 60. Un guitarrista que formó parte de una de las agrupaciones más emblemáticas e icónicas del período psicodélico estadounidense: ¡¡¡Jefferson Airplane!!!.

Se puede decir que dependiendo del momento, la distintiva guitarra de Jorma bebía directamente de dos fuentes: la primera la del Rock más vitalista y efervescente del momento por un lado y la segunda la de la tradición del Folk americano y del Blues por otro, elementos éstos últimos más patentes en sus trabajos con Hot Tuna (banda paralela formada con miembros de Jefferson Airplane) y posteriormente en solitario.

Anteriormente ya hay buenas pruebas de todo el conocimiento musical de Jorma, pero vamos a analizar brevemente a este guitarrsita a partir del 'Surrealistic Pillow', un disco publicado en 1967 que presenta unas cuantas muestras de ese gusto por lo acústico y reposado que hemos señalado ahí arriba. Una de ellas es precisamente este "Embryonic Journey", pero aquí ya cuando son unos abueletes en una emotiva versión realizada durante la ceremonia de la introducción de Jefferson Airplane en el Salón de la Fama del Rock and Roll:

De este álbum, 'Surrealistic Pillow' destacan temas como "Today" (una grandiosa canción que parece ser que se utiliza en los USA en las celebraciones de bodas), "Comin´ Back To Me" (del mismo estilo), "White Rabbit" (poco podemos decir de ella, sólo hay que escucharla) o ese himno generacional conocido como "Somebody To Love":

Tras el éxito que obtuvieron con este álbum, ese mismo año volvieron a las tiendas y a los conciertos con otro trabajo llamado 'After Bathing At Baxter´s', que la verdad es que no tenía las grandes canciones del anterior disco, pero que nos mostraban a la banda en un gran nivel en cuanto a la conexión musical entre Jorma, el también guitarrista Paul Kantner, el bajista Jack Cassidy, el baterista Spencer Dryden y la voz de la preciosa Grace Slick.

En el 68, con 'Crown of Creation', que para mí es la mejor obra de su discografía, creo que alcanzaron su máximo apogeo artístico. De éste álbum vamos a poner el tema "If You Feel", en el que hacen acto de presencia la sensacional voz de Marty Balin (de este tipo llevo bastante tiempo queriendo hablar y nunca encuentro la ocasión) y la ardiente guitarra con pedal Wah Wah incluído de Jorma Kaukonen:

Como Bonus Track vamos a ver a Jefferson Airplane y Jorma en el festival de Woodstock interpretando una mágica canción con la que se cerraba 'After Bathing At Baxter´s', titulada "Won´t You Try/Saturday Afternoon" :

¡¡¡Me voy a poner ahora unos disquitos de Jorma!!!

Los jóvenes artistas:

2011-11-07T14:46:00.004+01:00

Dando un paseo por los animados pasillos de la Casa de la Juventud de Alcalá de Henares te puedes encontrar con cosas realmente interesantes y llamativas: chavales tocando clarinetes, arpas, escultores adolescentes, pintores de parvulitos...

En una de mis últimas visitas me encontré con un tablón de corcho en el que se exponían varios dibujos y pinturas realizados por los alumnos de una de las numerosas clases de artes plásticas que allí se imparten a diario.
Los alumnos debemos tener en cuenta que son personitas de no más de diez años (seguro que me paso) y es que asombra ver la creatividad que llevan en su interior. Ni a mi se me ocurriría practicar o crear con tales técnicas, diseños, formas y colores... Estas imagenes que os muestro en concreto creo que son el resultado de una mezcla entre acuarelas, témperas y lapiceros de colores, aunque también tienen otros trabajos en los que aparecen arena, cola y material orgánico (tipo pipas, kikos, pasas...) Alucinante es poco.
Intentaré ejercitar algún día con estos materiales para que ustedes lo puedan ver. Hasta entonces, ahí os dejo con algunas de las obras de estos chicos y chicas. Están hechas con mi viejo móvil, pero creo que merecen muy mucho la pena:

Mi primer concierto de Yes:

2011-11-05T14:33:00.004+01:00

He hablado de esta banda en más de una ocasión, así que lo que voy a hacer ahora es juntar una serie de pensamientos sin mucho orden o sentido sobre lo que me ha parecido el espectáculo que viví ayer en La Riviera...

Empecemos primeramente por lo que algunos ya estarán pensando. Y es que sí, no estaban ni Jon Anderson ni Rick Wakeman, ¡pero qué grandes siguen siendo estos tipos!

Lo cierto es que estaba como loco por encontrarme por primera vez con la que es una de mis bandas favoritas, los Yes. La razón del porqué de tanta tardanza para verlos se debe básicamente a que tuve la mala suerte de conocerlos y escucharlos con bastante retraso... Fue aproximadamente en 2003, cuando iniciaba la carrera de Historia, gracias a una de las numerosas recomendaciones musicales que me hacía y todavía hoy sigue haciendo mi padre.

La primera toma de contacto que tuve con ellos fue 'Relayer' y a partir de ahí todo me fue mucho más fácil cuando iba a las tiendas de discos ya que siempre caían uno o dos de Yes, porque sabía que era una apuesta sobre seguro y que no me iban a decepcionar.

Han sido muchas tardes, muchos meses y muchos años esperando este momento, así que no lo dudé ni un momento y cuando me enteré que se iban a pasar por Madrid decidí invitar a mi padre para que viniera conmigo al concierto a modo de agradecimiento por los grandísimos momentos que gracias a sus recomendaciones he vivido mientas canciones como "Heart Of The Sunrise", "Gates Of Delirium" u "Onward" servían de banda sonora de mi vida.

Sobre el concierto qué podría decir... Bueno, podría empezar por Benoit David, que me ha sorprendido gratamente. Un cantante portentoso en lo vocal, no tuvo ni un fallo, se comportó correctísimamente y no paró ni un segundo sobre el escenario. Por ahí he leído muchísimas cosas en contra del canadiense, y es que aunque la figura de Jon Anderson es mítica y casi sagrada, me parece que la presencia de Benoit en realidad lo único que ha hecho es insuflar de energía y vitalidad a nuestra banda favorita.
El otro posible "punto débil", que es Geoff Downes no se puede comparar a un virtuoso como Wakeman y creoq ue precisamente por eso mismo tampoco tiene los defectos que padecen este tipo de genios... Tuvo una actuación sobria, sin fisuras, apoyando con los teclados, creando ambiente y protagonizando algún que otro momento estelar como aquél cuando saltó al centro del escenario con el teclado-guitarra para ofrecernos un solillo y unas poses de Superestrella Progresiva que molaron un huevo. Un diez para Geoff.

¿Y el resto de la banda? ¡Pues perfecta! El nunca lo suficientemente reconocido Alan White le dio a los parches de forma inagotable. Para mi es el baterista de la banda.
Steve Howe me confirmó con su actuación que es El Único y Verdadero Maestro de las Cuerdas (tooooodas las guitarras eléctricas del mundo, mandolinas desenchufadas, pedal steel guitars,...) Me parece que con este título que le he concedido poco más debería añadir sobre el bueno de Steve.
Y Chris Squire es que es una de mis debilidades musicales... Uno de los bajistas más dinámicos, versátiles y completos que he escuchado en mi vida. ¿Que hay que ser constante y rítmico? Pues se es. ¿Que hay que ser melódico? Pues se es también. Fue el centro de atención durante gran parte del espectáculo. y es que el tío es gigantesco.

En fin, que si en otras ocasiones en las que he ido al concierto de una banda veterana se veía que ésta iba ya cuesta abajo y sin frenos, me da que en el caso de Yes es todo lo contrario: la sensación que me ha generado el espectáculo es que afortunadamente les queda cuerda para rato siempre y cuando la salud lo permita, que a estas edades no es moco de pavo.
Sonaron con energía y se les vio contentos e implicados con la causa... Y eso es lo que más me alegra. Saber que no llegué tarde y que hay Yes para rato.

Y ahora algunas fotos:

Clases de Historia del Arte. ¡Hoy Egon Schiele!

2011-11-03T23:19:00.004+01:00

Como Iberiké, el familiar blog hecho por cuatro amigos -DaniJoseGuadayVíctor- que quisimos retomar hace unos meses no ha tirado pa´lante, me voy a atrever a recuperar algunas de las cosas que hice allí. Así que por aquí aparecerán de vez en cuando otros intereses de servidor a parte de la música y el dibujo como lo son por ejemplo la pintura, el arte, la historia o la naturaleza.

Sin más dilación y rememorando mis maravillosas clases de Historia del Arte Moderno y Contemporáneo con Juana (profesora que por cierto casi perece reventada contra la pared cuando llegaba tarde a uno de sus examenes y Jose me abrió la puerta de golpe) y con la entrañable señora mayor esa de Antigua y Medieval que llevaba todo lo que debía decir apuntado en tarjetas de visita, vamos a empezar algunas clases de Historia del Arte:

Autorretrato de chavalín.

Hoy vamos a hacer un especial de la vida y obra de Egon Schiele (1890-1918), un pintor vienés que es básicamente conocido por haber sido alumno y preferido del más reputado Gustav Klimt.
Procedente de una familia media de orígen alemán y bohemio -de Bohemia-, empieza a despuntar con los pinceles, dominando sobre todo el ámbito de los retratos y en 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, pero... Egon, que ya empezaba a ser un tipo especial y rarito, chocó con el ambiente estricto, cerrado y académico, por lo que como ha pasado a lo largo de los siglos con distintos genios, acaba abandonando la Academia para ir a su bola, pasando de realizar los paisajes y bodegones típicos.

"Un Par De Melones".

Es por esta época cuando conoce a Gustav Klimt, que ya tenía cierta reputación, y surge una fuerte amistad entre ellos que lleva al segundo a introducirle en el círculo del artisteo de Austria y en el mercado de la pintura, presentándole y poniéndole en la agenda de distintos mecenas de Viena, lo que le sirve para alcanzar cierta estabilidad económica. Un período de bonanza con el que asentar su peculiar estilo.

Esto seguro que se titula "Pelirroja Fea Con Sombrero" o algo así.

Un estilo que se va desligando del cánon académico y se va acercando al del movimiento artístico que estaba triunfando en Centroeuropa: el Expresionismo, de influencia alemana.

En su pintura se dan todos los rasgos característicos del Expresionismo: las líneas angulosas y sinuosas, las figuras alargadas y desproporcionadas, la utilización antinatural del color... Pero lo que le hacía especial era el dominio y control de la técnica de la acuarela y también la presencia absoluta de una temática en la que predominaba la obsesión y contraposición de lo erótico y la muerte, así como el tratamiento y el estudio de la angustia provocada por la soledad.

Ni me he preocupado en buscar el título de esto...

Como todo buen artista, la tranquilidad y el retiro para propiciar la inspiración es algo clave. Por ello, decide abandonar momentáneamente el bullicio de Viena y marchar al campo junto a Valerie Neuzil, una joven de 17 añitos a la que conoció en 1911 y que se convertirá en su musa... Pensaréis que Egon parece seguir el típico esquema de la vida de pintor difuso que va siempre acompañado de una bella joven que le da algo más que inspiración, rodeado de escándalo, y la verdad es que así parece ser, ya que al final tiene que salir del pueblo a toda marcha, tras haber sido acusado y encarcelado por corrupción de menores -debido a la edad de su chica- y por pornografía -tomar a niños desnudos como modelos es una mala costumbre-.

Retrato de Valerie.

Con estas extrañas manías regresó como hemos dicho a Viena, reestableció el contacto con Klimt y volvió a participar con fuerza en la escena artística, ya no solo vienesa, sino internacional.

Como un buen caballero olvidó a Valerie y empezó a rondar a una señorita procedente de la burguesía -tonto que es nuestro amigo- llamada Edith, con la que se llegó a casar en 1914.
Debido a que formaba parte de la élite intelectual de Austria, Egon tuvo la fortuna de verse libre de participar en la Primera Guerra Mundial.

Retratos de Edith.

Su producción pictórica es abundante en este período y parece haber encontrado el punto álgido de su talento, pero es que a todos nos llega el fin y Egon, pese a ser parte de la élite intelectual esta vez no se iba librar, así que el 31 de octubre de 1918 falleció debido la epidemia de la gripe española que causó estragos en Europa...

Autorretrato extraño.

En fin, que os guste su obra y que nos espere mucho tiempo.

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Más información y obras en www.egon-schiele.net

Sungrazer - Grandloom / Madrid / Sala El Perro / 30 Octubre 2011:

2011-11-02T02:33:00.008+01:00

Día 30 de octubre, domingo, cumplía 28 años y buscando cosas por la mañana en Internet vi que los holandeses Sungrazer venían a Madrid para finalizar su gira otoñal 2011.
¡Perfecto! pensé. Tenía bastantes ganas de escuchar en directo a un grupo de Stoner Rock como Dios manda, así que me dispuse a llamar a mis amigos por si se apuntaban... Maaaaala idea. Ya os conté en otro momento que mis amigos son unas bellísimas personas y que me partiría la cara por ellos pero que musicalmente van cortitos y con sifón. Pues bien, esta impresión mía se acabó de constatar: no quiso venir ni el tato, pero al contrario que otros años, esta vez cogí el tren de Alcalá de Henares y en Sol que me planté.

Es evidente que Madrid tiene cosas muy buenas, pero como ciudad gigantesca que es me acaba agobiando, y si encima está toda la peña como ida disfrazada de zombis, brujas y demás morralla hallowinesca, con puñales de trola atravesando cráneos y caretas de psicópatas de películas de Serie B pues entonces me agobia mucho más.
Ante estas visiones tan horripilantes no me quedó otra que agachar la cabeza y tirar Calle del Carmen para arriba dirección Callao, cruzar la Gran Vía a todo trapo (porque aquí en Madrid no tenemos peatones normales sino velocistas profesionales) y dirigirme a la Plaza de la Luna esquivando señoritas de la vida nocturna (más que un agobio una pena), porque por ahí cerca estaba el local en el que tocaban los Sungrazer.

Un tópico que se me vino abajo rápidamente es aquél de la puntualidad de los europeos en clara contraposición con nosotros los desastrosos, impredecibles e impuntuales españoles, ya que a las 21:30, hora en la que en teoría se abrían las puertas, vi que desde una cascadísima furgo todavía estaban sacando los "roadies" bártulos e instrumentos y metiéndolos en el local... Viendo que la cosa iba para largo ya que se tendrían que hacer las pruebas de sonido y tal decidí darme otro voltio, así que me tocó seguir esquivando señoritas, chinos vendedores de latas de cerveza y no-muertos por las calles de Madrid.

En torno a las 22:30 ya pudimos entrar al local, que se llama El Perro De La Parte De Atrás Del Coche y que a partir de ahora si vuelvo a nombrar este local y si no os molesta, lo haré acortándolo a El Perro.
Un sitio interesante, como muchos de los de Madrid, no muy grande y por tanto acogedor. No voy a describir sus metros cuadrados ni nada de eso, pero hubo algo del local que me chocó bastante: delante del escenario había una barra de bar... Así, con dos narices. Supongo que en los días que no hay conciertos pues se sirve en ella, pero para los días de concierto es algo que resulta bastante molesto. No es que fuera una barrera insalvable, pero sí lo es que separaba el escenario del resto de la gente y eso no mola, y más cuando en un local pequeño lo que se busca es el acercamiento de los artistas con los asistentes.
Lo que sí me gustó, y es lo importante, es el sonido del lugar: potente y envolvente, con unos bajos muy sólidos que hacían que la ropa se moviera.
En cuanto al público, pues muy variado: roqueros cuarentones y cincuentones que no se han quedado anclados en Leño y Barón Rojo, personas sin pintas de seguir el rollo Stoner, tipos que con sus barbas y greñas desde luego que sí son dignos representantes del movimiento, mozuelas admiradoras de Saint Vitus (así lo aseguraban sus camisetas) y hasta los padres del bajista de Sungrazer, que vinieron a visitarle, hicieron acto de presencia. Todos ellos muy implicados con los grupos, con bastante buena actitud y afortunadamente no hubo idiotas a la vista. Que siga la racha.

Se me olvidó decir antes de todo que los primeros en aparecer no fueron Sungrazer, sino los alemanes Grandloom, un trío de Stoner Instrumental (una buena idea que deberían apuntarse otros grupos que lo único que hacen es berrear) bastante complejo y en el que la guitarra triunfaba con sus punteos por encima del colosal muro que se encargaban de construir el bajista y el baterista. Si os soy sincero, este grupo me pilla de nuevas y no conocía nada de ellos, pero he de decir que su actuación me dejó muy buenas sensaciones, su música captó rápidamente mi atención y no la desvié en ningún momento, algo que a mi ya me dice mucho.
Por lo que llevo escuchado y leído de ellos en este par de días, si siguen por esta línea que han decidido afrontar, llegarán a tener un hueco importante en la escena Stoner.

Y ahora vamos a lo que vamos, a los holandeses que encabezaban el cartel: Sungrazer.
Llevaba tiempo queriendo hablar de ellos por aquí, pero siempre se me adelantaban o interponían otras cuestiones, así que el hecho de ir al concierto me ha servido como estimulante obligatorio...
¿Qué podría decir de este grupo? Lo primero, aunque no tenga nada que ver con lo musical es que se pirran por las Mahous ya que entre canción y canción le dieron al alpiste cosa buena. Este dato afirma que los holandeses se documentaron a la perfección sobre los usos y costumbres cerveceras de Madrid: unas Mahous entre compis es lo mejor del mundo.
Lo segundo, y ya entrando en el terreno meramente musical es que estos tíos bordan sus interpretaciones en cuanto a calidad de sonido, siguiendo perfectamente al pie de la letra el discurso y la estructura del disco junto al añadido de dotar de más empuje, fuerza y dinamismo a todas y cada una de sus composiciones (en gran parte responsabilidad del baterista Hans Mulders con su tremenda pegada y del guitarrista/cantante Rutger Smits con su destreza a la hora de darle a los pedales, efectos, distorsiones...)
Esa mezcla de sonido Stoner clásico tipo Fu Manchu con estribillos que se pegan y unas improvisaciones rollo Psicodelia todavía no muy extensas pero sí más orgánicas y desarrolladas que antes pueden hacer de esta banda algo grande.

Los Sungrazer se tocaron básicamente las canciones más conocidas de sus dos únicos álbumes hasta el momento: 'Sungrazer' del 2009 y 'Mirador' de este mismo 2011, todas ellas a petición de un público que estuvo constantemente jaleado y animado por el jirafesco, rubiejo y simpaticón bajista Sander Haagmans, que además de hacer las gracias en español tocaba su Rickenbacker con un gusto y una profundidad que me dejó pasmado.
Sin lugar a dudas la canción más solicitada de todas por los asistentes era "Common Believer", y como escuchar una canción siempre es mejor que alguien te esté explicando de qué va, ahí que os la encasqueto en una versión en directo que realizaron en la requetepreciosa ciudad de Maastricht:

Sobra decir que el grupo estuvo a tope. Fue una actuación que nos pareció corta debido a esos recortes de tiempo que sufren los horarios de los conciertos en la capital y a que antes estuvieron los germanos dándole caña, pero fue todo muy intenso y muy rico en matices, ya que se ve que querían ganarse al público y que lo bueno del Stoner es que en este estilo o lo que sea no todo tiene que ser contundencia y decibelios. También hay espacio para la experimentación sonora, para crear ambientes, atmósferas con las que volar, mundos con los que soñar...

Tras acabar si mal no recuerdo el concierto con "Zero Zero", los encantadores padres del bajista nos sacaron una pancarta a modo de agradecimiento que ponía "Muschasss Grosssias" o algo así, aplaudimos el detalle y me encaminé hacia las escaleras pensando en el conciertazo que me hubiera perdido si no llego a salir de casa, por lo que no caí en pasarme a ver el puestecillo de los grupos y pillarme el primer disco de Sungrazer...

Ahora me arrepiento de tener esta cabecita.

El típico tiparraco, feote, temible y torpe... aunque luego de buen corazón:

2011-10-30T15:33:00.001+01:00

Siempre hay una música más que descubrir: La Champeta Criolla

2011-10-26T10:02:00.003+02:00

Si en los últimos tiempos he reconocido haberme quedado prendado de la música que se hace en Méjico (tanto de clásicas e históricas bandas de Rock al estilo de Fachada de Piedra como de veteranos y jóvenes promesas del Pop-Rock a la manera de Café Tacuba y Enjambre) ahora vamos a coger un vuelo para saltar de nuevo al continente americano y visitar un gran país: Colombia.

Tras estar una semana rastreando pistas, por fin me he dado cuenta de la increíble riqueza musical que atesora Suramérica. Una riqueza que refleja a la perfección la diversidad y la fusión de razas, pueblos y culturas que ha dado lugar, en el caso que nos atañe, a la actual sociedad colombiana.

Cada región del país tiene sus propios rasgos... Pero como hay que acotar, nosotros nos vamos a detener en la región del Caribe y de la Costa Atlántica, que es, tal y como indica la Historia, la zona que recibió y canalizó con más fuerza que ninguna otra las influencias derivadas que recibieron por parte de la población indígena autóctona, de los españoles y de los negros africanos.

Por tanto, hablar de esta zona de Colombia es hablar directamente de mestizaje.

Podríamos discutr las consecuencias tanto positivas como negativas que surgieron tras la irrupción española en América, pero como este es un espacio básicamentemente musical y no queremos enfrascarnos en discusiones bizantinas, será mejor que hablemos de una cosita conocida como... ¡La Champeta!

La Champeta Criolla es uno de los numerosos estilos autóctonos de esta zona atlántica y caribeña que se toca y baila en los barrios de Cartagena de Indias, Palenque de San Basilio y Barranquilla -ciudades en las que el aporte de población descendiente de los antiguos esclavos africanos es muy numerosa-. Por todo esto, la relación de la Champeta Criolla con las raíces musicales africanas y con otros géneros como el Soukous -o Rumba-, la Makossa y el Afrobeat se aprecia bastante bien en esos desarrollos rítmicos constantes e intensos y cómo no, en esos cánticos de una intensidad tan tribal...

Una de las mayores instituciones en esto de los sonidos colombianos tropicales de clara raigambre negra es el guitarrista, cantante y compositor Abelardo Carbonó, toda una leyenda de la Champeta Criolla con el que nos despedimos por hoy.

Ahí os dejamos con Abelardo Carbonó Y Su Conjunto interpretando la canción "Palenque":

Llegados a un punto...

2011-10-23T20:52:00.003+02:00

“Si doy, si soy, para nada…
Si voy, si estoy, para nada…

Mejor ni dar ni ser.
Mejor ni ir ni estar.
Mejor la soledad.

Sufrir, llorar, para nada…
Es sufrir, es llorar por ti."

Canción: “Hastío”.
Artista: Natalia Calderón / Malinche (una de las mejores voces femeninas de aquí en esto del Jazz, Soul, R´n´B… De la música negra, vamos)
Disco: 'Malinche' - SuperEgo - 2001.

Paisaje infantil e ibérico:

2011-10-20T17:25:00.004+02:00

Una italiana de las de antes...

2011-10-17T11:14:00.005+02:00

El prototipo de italiana. Morena. Con raza. De esas mujeres dotadas con clase, con estilo,... Rodeadas de ese 'algo' misterioso e inexplicable que las hace realmente atractivas... ¡Vosotros ya me entendéis!

Conocí a Nina Zilli este mismo verano, a través del 'No Son Horas', un gran programa de radio de Onda Cero llevado por el simpar José Luis Salas en una de esas calurosas madrugadas en las que no se puede pegar ojo y en las que no queda otra que pasar el rato escuchando la radio…
Pues bien, allí me encontré con ella. Una mujer que no es nueva en esto de la música: de formación musical clásica ya desde bien pequeñita ejercitando canto lírico y piano, pasó su infancia y juventud entre Irlanda y Estados Unidos, sitios que evidentemente marcaron profundamente a Nina y que propiciaron en ella el desarrollo de una concepción y unos gustos musicales mucho más amplios. Allí por ejemplo es donde adquirió el gusto por la música negra (el Rythm and Blues y el sonido Soul de la legendaria Motown) por el Reggae y Ska procedente del Caribe, y cómo no podía ser de otra forma (en este caso vía familiar), por la música italiana ligera y romántica de los años 50 y 60.

Ya a su regreso en Italia y tras diversos vaivenes y peripecias musicales que no vienen al caso, al final acabó firmando en 2009 con una gran discográfica como es la Universal, para un año después publicar el que es su primer álbum grande, titulado ‘Sempre Lontano’.

Entre algunos miembros de la crítica se considera que Nina Zilli forma parte de la cada vez más numerosa lista de sucesoras e imitadoras de la recientemente fallecida Amy Winehouse pero creo, personalmente, que esas voces están equivocadas ya que los orígenes y los puntos de partida de una y otra artista se sitúan en dos polos bien opuestos: en Amy, heredera de la oscura, desapacible y neblinosa Londres predominó además o quizá por todo ese ambiente un sentimiento trágico de la vida y de la música (que la ha llevado donde todos conocemos), mientras que en Nina ha triunfado y triunfa una concepción vital más luminosa y brillante procedente del Mediterráneo y del Festival de San Remo.

No hay muchos más nexos que el de la música negra. Punto.

El sencillo “50 Mille” ha sido hasta ahora sin lugar a dudas el éxito más reconocido de Nina, pero mi favorita del verano de lejos, la clásica y vibrante “L´Uomo Che Amava Le Donne” :

¡Que os guste!

Cuando las notas llegan...

2011-10-16T22:38:00.003+02:00

Rescoldos del verano / Triptides:

2011-10-12T01:04:00.003+02:00

Durante el verano que se ya nos fue hubo tiempo para hacer muchas cosas: unas se pueden contar y otras no. Entre las primeras (cómo no) están las sorpresas y alegrías musicales que van salpicando el quehacer diario y que llegan a perdurar incluso hasta entrado el otoño…

Pues bien, una de esas bandas veraniegas que irrumpieron con fuerza en mi mp3 fueron los Triptides: un joven grupo americano que a falta de poder definir su sonido con más palabras y de ser más directos, diremos simplemente que hacen música casera, Lo-Fi…
Por anteriores episodios, ya sabrán ustedes todas las dudas que me genera este tipo de subgénero o etiqueta musical: la voluntaria o involuntaria escasez de calidad a la hora de la producción e interpretación, el dudoso talento de los artistas en directo… Ese tipo de dudas.
Pero dejando a un lado cuestiones personales, lo importante es que los Triptides son sobre todo unos chicos trabajadores, y es que poquita gente de hoy día puede presumir de haberse pateado todos las buhardillas, todos los sótanos y tooooodos los garajes del Estado en que residen (en este caso el de Indiana). Además, por lo que he podido escuchar hasta ahora de ellos, tienen un gusto musical bastante acertado y cuentan por Internet con varios discos disponibles para descargar gratuítamente en Bandcamp, algo que siempre ayuda a acercarse a lo que proponen estos muchachos.

Si os gustan las dulces y clásicas melodías tan propias de la soleada California de los años 60, el ambiente playero relajado, lánguido y el sonido añejo, entonces no me queda ningún rastro de duda: los Triptides os va a agradar enormemente.

Un buen par de ejemplos de lo dicho son esta joyita de 2 minutos y 47 segundos de duración titulada "Tropical Dreams":

Y esta otra diminuta maravilla, “Something Silver”:

¡Que os gusten!

Las Peores Portadas VII (Especial Rollito Latino):

2011-10-08T02:21:00.014+02:00

Por lo que he estado leyendo, Menudo fue una banda de niños inventada en Puerto Rico por un malvado y tenebroso productor musical a finales de los 70 y que tuvo bastante éxito en los 80 (afortunadamente a mi me pilló demasiado chico y desconozco si llegaron a sonar por aquí). Al parecer, en cuanto a los niños del grupo les iba cambiando la voz, saliendo pelillos y surgiendo unas inquietudes que les movían a ser algo más que unos peleles se les iba cambiando uno tras otro, como si fueran piezas de recambio... "¡Pues no hay niños en el mundo!" Pensaría el diabolico productor. Hasta hace bien poco tiempo (2007) los Nuevos Menudos seguían haciendo de las suyas para el disfrute de algunos padres y tortura de los críos.

De Willie González no puedo decir muchas cosas. Aunque lo que sí que se puede decir es simplemente perfecto si lo que pretendes en esta vida es ser estrella de la música latina. ¡Ah! También se puede añadir que viendo sus fotos a lo largo de los años, poquitos como él han sabido adaptarse a los tiempos... Y es que si me hacéis el favor de buscar su nombre en Google Imagenes o pinchar aquí, veréis que la pasta que se ha dejado este señor en peluqueros, estilistas y en centros de depilación debe ser importante ya que ha pasado de parecerse al central del Madrid de los 90 Ricardo Rocha al refinado mozalbete de perfiladas cejas que tenemos delante.

Sí, claro... Con esas caras.

Por esas pintas, yo lo de "mujer" lo cambiaría por "metadona y un eurillo" o algo así.

Horrrrrrible todo.

La música está al mismo nivel que demuestra el ínfimo cuidado gráfico de esta portada, pero aquí tenéis el temita en cuestión. Como se habrán dado cuenta, en esta sección es costumbre acabar con buena música, pero como un día es un día, hoy nos vamos a atrever a poner una de las bazofias más grandes, ignominiosas y bochornosas que me he echado a los oídos, con todas sus consecuencias. Os prometo que no habéis visto y oído nada tan triste y decadente... Pero mirad el lado bueno: después de que acabe el sufrimiento, podremos apreciar con más ganas el resto de las cosas que nos rodean... Tomadlo o entendedlo como una especie de cura musical:)

Descubriendo el Post-Rock con una banda llamada Windsor For The Derby:

2011-10-04T12:07:00.003+02:00

Ahora llevo un tiempo que me ha dado por escuchar grupos enmarcados en lo que se llama Shoegaze y Post-Rock... ¿Os habéis fijado en el nombre de esta etiqueta musical? Post-Rock... Al mencionar o manejar esta etiqueta es como aceptar que el Rock murió, desapareció y luego en su lugar surgió esto otro... Es muy raro, pero bueno, es un convencionalismo más con el que nos podemos hacer una vaga idea de lo que hace tal o cual grupo de Post-Rock y yo no me meto en esas cosas.
Aún así, por lo poco que he escuchado todavía, he apreciado que aunque cada banda esté inscrita bajo este cartel luego a la hora de la verdad resulta que cada una es de su padre y de su madre, y que tiene una propuesta musical distinta que ofrecernos, afortunadamente.

Pues como iba diciendo, hace un par de semanas me llegó el envío de música mensual y me puse el primer disco que abrí. Una portada rosa con un pajarillo muerto patas arriba y un título en blanco: 'We Fight ´Till Dead'. Todo pintaba bien hasta que me topé con ese chasco que no te esperas que te ocurra a ti: la carpetilla estaba pegada con pegamento a una tarjeta de publicidad de la discográfica Houston Party Records. Chungo… me da que tras esto va a pasar un largo tiempo hasta que vuelva a comprar por correo. Llamadme raro.

Pese a esta cagada, no me desanimé y puse el disco en el reproductor. Como ya he señalado más arriba, de Post-Rock no entiendo ni papa, pero al ir pasando los segundos me di cuenta que al final no me iba a arrepentir.

El grupo en cuestión es Windsor For The Derby. Un grupo de tejanos, pero de los modernos, de esos que se atrevieron a dar un paso adelante y dejar atrás el típico y tradicional Blues-Rock que sus padres tocaban y escuchaban para adentrarse en otros territorios más inhóspitos, exóticos y alejados del Oeste Americano.
Por lo que me he estado informando, esta gente lleva desde mediados de los 90 dando conciertos con bastante aceptación entre el público especializado o gustoso de este estilo y haciendo discos para todas las discográficas que se decidan a tenerlos consigo.
El resultado final tras la escucha de este disco del 2004 es altamente positivo y me ha enganchado y motivado a seguir buscando e indagando entre el Post-Rock, aunque si alguien tiene proposiciones y recomendaciones que hacerme ya saben que aquí estamos dispuestos a anotar todo lo que se nos diga.

Lo que más me ha sorprendido de esta banda son las múltiples facetas y rostros que pueden mostrar y desempeñar en un mismo disco. Es decir, la capacidad que poseen para modificar su sonido, para moldear y cambiar los ambientes que generan con sus canciones y llevarte de un lado a otro sin apenas darte cuenta con una fluidez tan natural y un conocimiento tan profundo de lo que hay que hacer que me han resultado muy atractivos, y es que…
…Por un lado pueden sonar maquinales y fríos como témpanos de hielo, con unas guitarras cortantes, ásperas, y con una sección rítmica que actúa de forma tan reiterativa, exacta y matemática que recuerda a bandas icono de esta movida como Joy Division (he de decir que estos los estoy empezando a tratar y es que son la leche) y a referentes mucho anteriores procedentes tanto del Krautrock setentero tipo Can como de la electrónica primitiva de Kraftwerk. Un ejemplo de este lado oscuro de WFTD que os estoy contando es una de mis canciones favoritas del álbum, "For People Unknown":

Pero es que ahí no se queda la cosa, porque en el siguiente corte es que pueden dejar de lado esa faceta impasible y abrasiva para mostrar entonces un lado más sentimental, agradable y humano (incluso en algún corte destilan ese sentir hogareño que tenían y tienen los buenos de REM).
Como no podía cerrar esta breve descripción de mi encuentro con Windsor For The Derby con una simple canción, pues ahí que va otro tema, pero esta vez en su faceta más emocional, cordial y acogedora, "Black Coats":

Bowie/Heathen:

2011-09-30T13:53:00.010+02:00

El penúltimo trabajo de estudio de David Bowie (o antepenúltimo si contamos también al álbum nonato 'Toy') es algo así como una especie de resumen o compendio de toda su su carrera.

Dándole al "play" podremos disfrutar de momentos de grandiosidad barroca conviviendo junto a espacios de intimismo y clasicismo Pop-Rock, contó con interesantes versiones como "Cactus" de los Pixies o "I´ve Been Waiting For You" del indomable canadiense Neil Young,... Pero lo que más me gusta destacar de este álbum es el deseado regreso del artesano del sonido Tony Visconti a las tareas de producción para formar de nuevo con Bowie ese tándem que tantas alegrías dio al mundo. Su toque se apreció por ejemplo en las poderosas canciones "Afraid" o "Slow Burn" (esta última con la grata colaboración de Pete Townshend a la guitarra) y es que su presencia es siempre de agradecer porque supone añadir un plus al resultado final del álbum. Si no lo creen, que le pregunten a Morrisey sobre su 'Ringleader Of The Tormentors' a ver qué opina.
Por otra parte, la querencia que Bowie mostró hacia la electrónica en su periplo alemán todavía se vislumbra ligeramente, de una forma menos opresiva o angustiosa, en temas como "Slip Away" o en el que da nombre al disco, "Heathen": todas ellas palpitantes, cálidas y crepusculares composiciones que sirven de perfecto apoyo a la enorme capacidad interpretativa de David.

En fin, otra buena muestra del avance e inconformismo que ha caracterizado y caracteriza a este tipo...

Mi favorita de este disco es "I Would Be Your Slave", pero como no he encontrado un vídeo en directo del tema os pongo este otro:

Dibujito de cuervo con trasfondo político-económico-social:

2011-09-27T01:22:00.003+02:00

Lo Mejor y lo Peor de este Verano:

2011-09-25T15:35:00.000+02:00

Este Lunes 26 regresan Los Sultanes con un Especial que resume y recopila las distintas experiencias sonoras que hemos tenido a lo largo del verano...

Pero vuestra opinión también es importante:
- ¿Con qué banda, artista o canción has disfrutado en tus vacaciones?
- ¿Con qué atrocidad musical has tenido que salir corriendo de un bar o una terracita?
- ¿Cuáles son tus recomendaciones?

Ya saben: el lunes 26 a las 6 de la tarde en www.ruah.es

The Bird And The Bee:

2011-09-21T21:35:00.003+02:00

Tradicionalmente, en los Estados Unidos de América las radios universitarias, además de dedicarse a poner simplemente música y ejercer una función receptora-transmisora de valores y de nuevos movimientos y corrientes culturales, siempre se han caracterizado por la originalidad y creatividad de sus propuestas radiofónicas, por tener un peso específico dentro de la sociedad y por erigirse en potentes e importantísimos centros tanto de apoyo como de difusión de las jóvenes promesas musicales que van surgiendo como setas de costa a costa.

Estas emisoras de radio universitarias, mantenidas en cierta manera por los propios estudiantes, siempre han sabido captar y reflejar los gustos de la comunidad universitaria o del campus en el que están adscritos y además, convirtiéndose por tanto en un escaparate de lo más puntero, variado y alternativo.

Si se indaga un poco es fácil ver que hay algunos grupos y artistas que deben más de lo que se imaginan a estas “college radios”…
Todos sabemos a estas alturas del cuento que etiquetas como “alternativo” y “no comercial” siempre han tenido una clientela considerable en las tiendas de discos, y evidentemente al calor de los billetes que generaba esta paradoja se acercaron muchas discográficas y multinacionales a ver si cazaban algo.

Por poner un ejemplo bien conocido, R.E.M. fue una de esas bandas que se vieron beneficiadas por el soporte ejercido en la amplia comunidad universitaria ya desde sus inicios a principios de la década de los 80, si bien es cierto que luego el reconocimiento y el éxito se lo han ido ganando a pulso discazo tras discazo.

Otro caso similar, pero más actual es el de The Bird And The Bee, un dúo de elegante Pop Electrónico y delicados destellos jazzísiticos formado por Inara George a las voces y Gregg Kurstin al aparataje musical. Ambos son… ¡El pájaro y la abeja!

Esta pareja no está de nuevas en el mundo de la música: Gregg es un tío con formación académica y un apasionado por el Jazz desde crío que después se fue ganando las perras bien ganadas como multiinstrumentista. Además goza de unas miras musicales abiertas a más no poder. Una prueba de ello es que dedicándose a las tareas de composición y producción ha trabajado con gente tan diversa y variopinta como Beck, Lilly Allen, Flaming Lips o los Red Hot Chili Peppers…
Un gran batiburrillo.
Mientras tanto, Inara (hija de Lowell George, líder de la legendaria banda Little Feat) siempre ha vivido, como es normal, rodeada de música, de músicos y desde muy joven ha tenido varios proyectos individuales en los que toqueteaba con elementos como el Folk y el Jazz)

La relación artística de Gregg e Inara nació, como suele ocurrir en muchos casos, en los largos pasillos de un estudio. Tras uno de esos encontronazos surgió la chispa y casi de forma inmediata se pusieron manos a la obra. Sus primeras andanzas consistieron en versiones "muy a su manera" de clásicos del Jazz que colgaron en Myspace (cuando por entonces lo petaba). Acto seguido consiguieron lanzar un primer EP, que llamó la atención tanto del público universitario como de la crítica, y que facilitó bastante las cosas para que su situación contractual cristalizara en forma de contrato con la prestigiosa discográfica Blue Note...

En 2.007 salió a la venta su primer álbum grande: ‘The Bird And The Bee’, un artefacto Pop rebosante de suavidad vocal, con una pizca de sentimiento jazzie y tropical, de elegante Bossa-Nova, de Easy Listening y de mucha modernidad sintética.

En fin, un álbum muy ligero y disfrutable. ¡Totalmente recomendado desde este Blog!
Ahora os dejo con el brillante tema con el que conocí a esta parejita:

Expresiones horteras, desfasadas o clásicas que no deberíamos dejar morir III y final:

2011-09-19T01:24:00.000+02:00

- Hasta luego cara-huevo.

- Ya te digo cara-higo.

- Escucha cara-trucha.

- Es un/una cara-cartón.

- ¿Qué te Quentin, Tarantino?

- Estás to cachas… To escacharrao…

- ¡Chss, chsss! Chispea pero no llueve.

- Acero pa´ los barcos.

- Serás Jacobo…

Relacionadas con lo escatológico, las aguas mayores e ir al baño:
- Liberar a Willy.
- Pasar de lo abstracto a lo concreto.
- Hacer un cuadro a lo Pollock.
- Visitar al Señor Roca.
- Enfrentarse al mal cara a cara.
- Ayer te vi… Tiré de la cadena y te perdí.
- Reencontrarse con el yo interior.

- Molongui / Chachi molongui.

- ¿Estudias o trabajas?

- Notienesfetuniná (así, todo junto).

- Me abro.

- Demasié pa´ mi body.

- Hortera de bolera.

- Donde Cristo perdió el mechero.

- Esto parece el coño la Bernarda.

- En el quinto pino.

- El chocolate espeso y las cosas claras...

- La Cuenca por favor.

- ¡Qué tienen que ver los cojones para comer trigo!

- La madre que parió a Paneque.

- Tócate los Kinder.

- Si hay pelito no hay delito.

- ¿Dónde vas con el cabás?

- Me lo he pasao teta.

- ¡Ahí va! ¡Los Donuts!

- Repámpanos, recórcholis, cáspìtas, pardiez, diantres, canastos…

- Eres la repanocha.

- Macanudo, pistonudo, fantabuloso…

- Rompiendo la pana.

- ¿Cómo estaba la plaza?? Y su respuesta: ¡Abarrotá!

- La caña de España.

- Me parto la caja, me parto, me pelo y me mondo…

- ¡Qué risa tía Felisa!

- Sodoma y Gomera.

- Te han pillao con el carrito del helao.

- Más pedo que Alfredo.

- Si no hay Casera, nos vamos.

- La pera limonera.

- Si tú lombrices.

- Ni el tato, Ni Blas.

- Ni pero ni manzana.

- Y Sanseacabó.

- Lo que no puede ser no puede ser y además es imposible.

- Hay gente pa´ tó…

- Me aburro… -Me aburro no, se dice orina caballito.
- Me aburro… -Pues cómprate un mono.

Casa ácida:

2011-09-17T14:05:00.004+02:00

Una variación con colores que pican a la vista.

Sencillo: Stevie Wonder - "Sir Duke"

2011-09-14T11:00:00.000+02:00

Hace bastante tiempo que no ponía ningún escaneo de los singles que habitan por los cajones del salón. Afortunadamente, aún sigue saliendo alguna que otra sorpresa.
En cuanto a Stevie Wonder, nada puedo decir sobre este genio que no se sepa o conozca. Así que ahí, simplemente, va su música:

Compilación Casas Abandonadas:

2011-09-12T01:10:00.002+02:00

Tormenta de verano y doble arco iris:

2011-09-08T01:30:00.006+02:00

Las de aquí arriba son unas fotos que eché hace un par de años durante una tormenta de verano en Alcalá de Henares... Justo en una de esas tardes de septiembre en las que se nota y se siente que el verano ya está herido de muerte.

No recuerdo haber visto de niño un doble arco iris y las imagenes en sí están bastante curiosas, pero a todo esto le falta algo... ¿Por lo tanto qué os parece si cerramos el asunto con Ritchie Blackmore en su etapa Rainbow y uno de los temazos que formaron parte del álbum 'Rising'?
Lo cierto es que no sé para qué pregunto si lo voy a poner de todas formas:)
Ahí va..."Light In The Black" :

Unas Joyitas: Solera y C.R.A.G.

2011-09-05T10:41:00.001+02:00

Muchas, demasiadas, han sido las veces que he escuchado y leído sobre las bandas Solera/C.R.A.G y su relación o semejanza con C.S.N y con otras formaciones americanas de los 70 que jugaban con el Folk y el Rock como forma de infravalorar y menoscabar el talento de los primeros...
Empezaremos diciendo que la grandeza de Crosby, Stills, Nash & Young (cuando se aburría de jugar solo) está evidentemente fuera de toda duda y sospecha, pero también añadimos que el negar y restar la valía de algunos de nuestros mejores artistas es cosa de necios, aunque en un país tan cainita como el nuestro es casi un deporte de masas.

Los álbumes ‘Solera’ y ‘Señora Azul’, ambos editados por Hispavox en 1973 y 1974 respectivamente, son dos hitos clásicos dentro de la música española que bien merecen ser escuchados tranquilamente en casa ¿No creen?.
Agazapados en el imaginario colectivo, en la memoria popular española y en la a veces inoperante nostalgia, si alguien se atreviera a hacer una encuesta abierta sobre los discos o bandas más recordadas y queridas de España, seguro que estos señores estaban entre los primeros puestos junto a otras agrupaciones como Lone Star, Los Pekenikes o Los Módulos (bandas estas dos últimas en las que participaron varios miembros de Solera y C.R.A.G).

Producidos por el italiano Rafael Trabucchelli, uno de los profesionales más punteros y exitosos de la época que se caracterizó por dotar a las bandas y artistas con los que trabajaba de un sonido prácticamente perfecto, muy cálido, de una elegante instrumentación siempre presente y de un cuidadísimo arreglo de vientos y cuerdas que hacía que sus trabajos se acercaran al mismo nivel de las producciones europeas y casi me atrevería decir que también de las americanas.
Para que la gente se haga una idea de la repercusión que tuvo la figura de este productor y como mera curiosidad, diremos que al igual que existe el célebre "muro de sonido" de Phil Spector, el "sonido Motown", “Chess” o “Staxx”, Rafael y su único e intransferible sentido musical propició la aparición del llamado "sonido Torrelaguna" (haciendo referencia al nombre de la calle madrileña en que se encontraban las oficinas y estudios de la compañía Hispavox).

Cuidemos lo que tenemos.

En cuanto a los protagonistas de estas bandas, casi siempre se ha mencionado o destacado a Rodrigo García: poseedor de esa voz tan especial y reconocible, de un peculiar sentido del ritmo y autor de agudas, arriesgadas y políticamente incorrectas composiciones siempre amparadas bajo unas retorcidas letras que escaparon milagrosamente de la obtusa censura como bien se demostró en las canciones “Señora Azul”, “Linda Prima” o “María y Amaranta” (una historia de amor entre dos mujeres, casi nada para la época).

A mi padre le flipa Rodrigo, pero como en algo hay que discrepar, la voz que me atrajo de esta formación desde la primera escucha fue la de José María Guzmán: la delicadeza en su forma de cantar iba acompañada de la mano de unas letras simplemente perfectas. Entre curativas y dolorosas, siempre con un trasfondo grisáceo de dulce melancolía. El estudio psicológico que realiza Guzmán de las criaturas y personajes que habitan en sus letras, nos hace experimentar esos momentos de crisis y de contraposición eterna que todos hemos vivido entre la cruda realidad y la suave y dulce fantasía con un espacio intermedio e indefinido en el que se mueve la magia, que hacen de este cantante algo especial.

Mi canción favorita del único trabajo de Solera es una obra cuya autoría está compartida con Rodrigo y se titula “Juan”, que en mi opinión es una obra maestra de la música española. El protagonista de este tema es un tipo mediocre que no vive, sino transita y deambula, por este mundo de forma triste y anodina, totalmente incapaz de afrontar sus limitaciones y de vivir el presente con un mínimo de dignidad, por lo que se refugia en unos ridículos anhelos y sueños que nunca llegarán a ser realidad.
Toda esta historia está resuelta con un estilo que me recuerda a esa cruel cotidianeidad propia del grisáceo realismo de Benito Pérez Galdós, convirtiéndose en un agrio y amargo retrato de la sociedad en que vivían y aún vivimos muchos…

Ni qué decir que la musicalización y producción dirigida por Trabucchelli para este disco y esta canción es absolutamente soberbia:

Ya encarnados como C.R.A.G, mi favorita vuelve de nuevo a ser otra canción de Guzmán, titulada “Si Pudieras Ver”. Aquí la letra nos habla de una Persona (llamémosla X) que prefiere ser limpia, ingenua y crédula en un mundo en el que habita cada vez más libertad la corrupción, los egoísmos, intereses, tejemanejes y las falsedades. Esta Persona X, pese a reconocer que la sociedad está yéndose realmente al garete, prefiere seguir así a su bola y mantener la ilusión y la fe en la gente, aunque de vez en cuando se tenga que llevar más de un palo por ello...

La música que sirve de base a estas letras va progresando in crescendo, de forma sutil e impecable con unas cuerdas de fondo que van meciendo a Guzmán, hasta acabar con un jazzístico teclado tipo Rhodes de forma suprema:

Todos mis respetos a la gente que hizo posible estos álbumes: Rafael Trabuchelli, los hermanos José Antonio y Manolo Martín, Rodrigo García, José María Guzmán, Juan Robles Cánovas y Adolfo Rodríguez, porque su música nos hace montar en un carrusel que evita que la vida a veces sea tan monótona, tan plana.

Joven madrileño descubre a Pau Riba:

2011-08-31T21:27:00.008+02:00

Hoy no tengo muy claro qué decir sobre el artista que traigo al Blog ya que todavía no he entrado en contacto con su música de forma muy profunda (por lo tanto estamos abiertos a recomendaciones, comentarios y opiniones sobre este tipo), y el hecho de hablar por hablar sin todavía saber lo que se dice no me convence del todo...

Pero como aquí no se viene a estar callado, ahí va más o menos lo que he sacado en claro:

La figura y estrella del día no es otra que Pau Riba, un mallorquín de nacimiento criado en el seno de la típica familia de la acomodada y conservadora burguesía catalana, que es considerado por muchos, debido a su obra y vida, como uno de los mayores iconos culturales catalanes.

Artista polifacético, intelectual inquieto, subversivo y plural como pocos, se convirtió a finales de los 60 en un referente musical y cultural, que utilizó su obra con la intención de romper todos los convencionalismos y de agitar las rancias conciencias que pululaban tanto en Cataluña como en el resto de España.

Entre 1970 y 71 Pau Riba lanzó un ambicioso proyecto titulado 'Dioptría I y II', un disco doble cuyo contenido es, en palabras del propio Pau: "una crítica feroz al espíritu burgués y a la familia cristiano-progresista entendida como la célula básica de la sociedad". Todo ello aderezado con agudas e ingeniosas letras, actitud para dar y tomar, una pizca de Folk y unas cuantas gotas del siempre necesario Rock dylaniano.

Para todos los interesados, en 1992, la discográfica PDI tuvo la gran idea de reeditar los dos volúmenes originales de Dioptría, que hoy día está considerado por la crítica musical como uno de los mejores discos registrados en lengua catalana.

Por último sólo me queda añadir una cosa: que los imbéciles de los políticos, con sus constantes intentos de enfrentar lingüísticamente a todos los ciudadanos para cegarnos y así obtener los mayores beneficios electorales posibles, no nos impidan disfrutar de esta maravilla titulada “Kithou”:

Las Peores Portadas VI (Especial Guarreridas):

2011-08-27T18:01:00.005+02:00

Como lo prometido es deuda, a continuación vamos a poner una pequeña selección de las atrocidades gráficas que se pueden cometer contra las pobres portadas de discos, aunque esta vez con un aliciente más... el toque guarrete que tienen todas y cada una de ellas.
Tenemos la intención de que esta sección se vaya haciendo poquito a poco más especializada: un día únicamente portadas de Heavy, otro de música religiosa, otro de cintas de cassette de gasolinera y de demás categorías que os podáis imaginar. Pero de momento vamos allá con estas cosas tan chabacanas y soeces:

Por lo que he estado leyendo, este tipo es un monologuista, humorista y músico de Country que lo peta sobre todo en los estados sureños, llenando teatros y salas repletas de sombreros de cowboys. Su público es único, excepcional me atrevería a decir. Y esta portada un perfecto ejemplo del humor limpio, fino y sutil que debe gastar el pavo.

Una colección de "Spicy Songs" interpretadas por varios artistas de reconocida talla mundial como Faye Richmonde y Miss Dee. ¿Que? ¿Que no los conocés? ¡Pues ya os vale!
La foto de la portada tiene su mérito por lo arriesgado teniendo en cuenta que se trata de un disco de finales de los 50 o algo así.

Por cierto la señorita pelirroja, simpatiquísima.

Esta aberración es algo similar a lo anterior pero ahora rollo Blaxploitation. En cuanto a apreciaciones sobre la portada, sólo tengo dos cosas que decir: 1º, o el tío tiene la cabeza como rara o es un montaje un tanto chusco y 2º, es un detallazo que en la izquierda pongan el precio del disco e indiquen que está dirigido únicamente a "adultos maduros". Seguro que muchos hermanos y hermanas no pudieron comprarse el álbum por la aclaración...

Martin Denny fue un pianista, compositor e impulsor de lo que los expertos llamaron en su día Música Exótica: una original mezcla de sonidos latinos y orientales, de Jazz suavón, de Clásica y toques de Ambiental o Lounge... Ideal para bandas sonoras.
Lo que tenemos aquí ante nosotros es un fotomontaje trapero a más no poder obra de no sé qué enferma cabeza ya que la portada original del disco del 61 "Romántica", realizado por el señor Denny, sí que tiene clase y no esta especie de recreación de la famosa escena de la película Amarcord con la rolliza estanquera... Y todos sabemos de qué escena hablamos.

Boxer fue una banda británica formada por músicos experimentados en esto del Rock setentero que pasaron por bandas como Patto o Spooky entre otras.
El concepto gráfico (que en su momento fue censurado con una banda negra sobre el pecho de la modelo Stephanie Marrian) por lo menos tenía relación con el nombre de la banda. Algo es algo. Ni qué decir que en los U.S.A fue rediseñado de arriba a abajo con un motivo muchísimo más aburrido.

Ahora nos despedimos con un tema de estos boxeadores:

A vueltas...

2011-08-25T14:11:00.001+02:00

The Incredible String Band: lo que es viejo, lo que no...

2011-08-20T17:47:00.005+02:00

Pues como sobre las novedades que hayan aparecido en los últimos tiempos no tengo mucho que decir porque no me interesan demasiado las cosas que han salido y no tengo tampoco ningunas ganas de ir de tiendas (ir a las grandes superficies a veces es sufrir para nada), vamos allá con una de esas vetustas agrupaciones que tanto nos gustan: los escoceses The Incredible String Band.

La Increíble Banda de Cuerda en realidad estaba formada por unos tíos muy especiales que decidieron, en plena época de la Contracultura en la que los dioses de la guitarra estaban en pleno apogeo y se llevaban los favores del mundo, reaccionar y pensar que lo más conveniente e idóneo era pasar de todo y de todos e ir por otros derroteros bien distintos... Así fue como se apartaron de las temáticas y de los ambientes urbanos, rodeándose de una mística y de una estética rural y bucólica que desafiaban a "lo moderno". Con todas estas características tan peculiares, se emplearon a fondo para dar a conocer a la audiencia un trabajo que tenía como referencia básica y fundamental la tradición musical británica.

Inicialmente la banda se estableció y consolidó como un trío con los talentosos Clive Palmer, Mike Heron y Robin Williamson como únicos protagonistas. Al poco tiempo empezaron a sobresalir y a darse a conocer en sus actuaciones dentro del circuito "folkie", subiéndose a los escenarios siempre cargados de violines, guitarras acústicas de todo tipo, flautas, kazoos (las trompetillas esas de los carnavales de Cádiz), mandolinas, armónicas, banjos,... Es decir, de instrumentos que no eran de lo más molón pero con los que lograron hacerse un hueco en el círculo musical independiente de Folk y llamar la atención de las discográficas.

Corría por entonces el año 1966 cuando Clive, Mike y Robin publicaron con la Elektra Records su esperado primer trabajo. Producido por el americano Joe Boyd (especializado en las músicas británicas más reposadas: Fairport Convention, Nick Drake...) llegó a ser reconocido por la prestigiosa revista Melody Maker como "Disco Folk del Año", ahí es nada.

Tras esta grabación y debido a cuestiones que desconozco (pero que no deben andar muy lejos de los típicos problemas y roces entre miembros de una banda por tener distintas visiones e intenciones musicales) pasaron de ser un trío a un dúo ya que Clive Palmer abandonó el proyecto... Una crisis en la formación que trajo consigo un cambio en el apartado sonoro. Ahora, las composiciones se hicieron más complejas, ricas, ambiciosas y plenas de matices, sensibles a las diversas y novedosas corrientes musicales que estaban surgiendo a lo largo de lo ancho y largo del planeta: se apreciarían en sus siguientes trabajos rastros experimentales, de Psicodelia, de música oriental y de la India.
Mientras tanto, en el tema de lo lírico la banda seguía manteniendo el estilo surrealista (o raro mejor dicho) y esa personalidad que les dio el reconocimiento.
Todos estas cuestiones se aprecian a la perfección en este tema perteneciente a su 5º disco de 1968 'The Big Huge' titulado "The Circle Is Unbroken":

Pero regresemos a su período inicial de 1966, cuando la música Popular y Folk predominaba en la paleta de la ISB y los exotismos todavía no habían calado en nuestros protagonistas. En su primer álbum predominaba aún el sabor puro y limpio de la tradición, y no hay mejor ejemplo para despedirnos que el tema que lo abría de forma magistral, "Maybe Someday":

¡¡¡Jerry García sigue entre nosotros!!!

2011-08-19T02:03:00.011+02:00

Durante los periplos en el Camino de Santiago es común toparse y conocer a gente de todo tipo: raros, especiales y muy entrañables... Pero si había algo no me esperaba de ninguna forma era el encontrarme con el doble-peregrino de Jerry García. ¡Con eso sí que no contaba!
Lo cierto es que su presencia en el albergue de O Pedrouzo me hizo bastante ilusión porque Jerry es uno de mis ídolos musicales desde chaval y además al ver a este señor me vino a la cabeza su tremenda música, hecho que me ayudó a pasar las caminatas con alegría tarareando algunas de sus canciones, que supongo que es lo que cuenta.

Tras el material fotográfico que demuestra que todo esto que he dicho no son invenciones o paranoias mías, ahí va un temazo de los que se marcaba el bueno de Jerry:

Las Peores Portadas V:

2011-08-09T00:47:00.016+02:00

Durante esta semana larga no voy a estar porque me piro a finalizar el Camino de Santiago que no pude coronar el verano pasado, así que para pasar el rato, vamos allá con otra dosis de crudeza gráfica, de desatinos estéticos y de sinsentidos varios. Prometo que a la vuelta y dependiendo de la recepción que tenga ésta, pongo otra tanda especial "guarreridas" (reconozco que se me da fatal el chantaje emocional:)

1º Sinceramente no tenía ganas de buscar mucha información sobre este tipo. Si él no se esfuerza en tener una portada mínimamente decente, no encuentro el porqué debería molestarme en desvelar la verdad sobre este "cantante o lo que quiera Dios que sea", pero para bien o para mal, mi curiosidad lo puede todo y al final no he podido evitar la tentación de buscar datos y en foros de guirilandia se habla de varias teorías: que si es un disco raro que es imposible localizar pero es verdadero, que si es una broma que hace referencia a un capítulo de los Simpsons... Pero vamos, que lo más fácil es que en realidad se trate de una portada falsa falsísima. Aunque eso sí, Lo primero que llamó mi atención y que hizo que me fijara en Cody es esa mirada penetrante y plena de vida, con ese brillo tan cautivador y chispeante...

2º El mundo de los discos religiosos es para echar de comer a parte y Mike Crain, conocido por sus parroquianos como El Predicador Karateka, cumple la regla a la perfección. No tengo ni idea del contenido del vinilo, pero supongo que será el cura este soltando su charleta con efectos sonoros de golpes y puñetazos como los de las películas de Jackie Chan...
El resultado lo desconozco, pero lo que está claro a tenor de la imagen de la portada... ¡el Sr. Mike sí que daba Hostias como panes!
Sé que es malo, pero tenía que soltarlo..:)

3º Herbie tío, eras muy bueno pero... ¿Por qué?

4º Lucifer´s Friend: Una bandaza de Hard-Rock de los 70, con esas guitarras crudísimas y pioneros de los sonidos oscuros... Un pasote de músicos y de músicas, pero hay que reconocer que eso de ver a un señor mayor con una chupa así de hortera es lo menos rockero y molón que uno se pueda echar a los ojos. Las cosas como son.

5º Dentro del mundo de Soul y de la música negra en general hay gente con clase, categoría y estilazo. Ahora a la cabeza me viene el trío de ases formado por ejemplo por Barry White, Al Green o Marvin Gaye. Algo de lo que Mr. Swamp Dogg carece de forma alarmante. Esta portada con fotomontajes de bocas y lenguas femeninas no tiene perdón. Debería ser un delito… Pero bueno, le perdonaremos su falta de sentido estético elegante ya que suena de lujo:

Paseando por el río:

2011-08-06T03:15:00.002+02:00

Como tenemos unos cuantos días de asueto, vamos a dar un paseíto por Alcalá. Pero no vamos a realizar el típico rulo Plaza de los Santos Niños-Calle Mayor-Plaza Cervantes, no. Visitar el centro es lo común y casi de obligado cumplimiento a cualquier visitante que se precie, y aunque hay cosas interesantes que merecen la pena contar (me comprometo a ello), hoy vamos a mostrar el paseo que discurre junto al río Henares.

Al igual que sucedió con otras muchas, nuestra ciudad ha vivido durante muchísimos ños dando las espaldas a su río. A partir del siglo XIX y sobre todo a mediados del XX, la ciudad pasó de ser un núcleo básicamente agrícola que necesitaba para subsistir de los recursos naturales del Henares (los cereales y frutos que daba la fértil Vega y sus aguas) a transformarse en una zona industrial que convirtió el río en una especie de cloaca o sumidero donde verter sin miramientos todo tipo de venenos, deshechos químicos y demás mierdas que os podáis imaginar procedentes de las numerosas fábricas que proliferaban en su orilla a lo largo del Corredor del Henares...

Pero bueno, el tiempo pasa y se tiende a corregir errores. Es cierto que últimamente ha surgido una polémica vecinal debido a la construcción de un muro de hormigón bastante antiestético, antinatural y agresivo en la ribera del Henares que pasa por el barrio de Nueva Alcalá y la Tabla Pintora, pero en líneas generales podemos decir que se ha progresado bastante (aunque no lo suficiente todo sea dicho) en el cuidado de la fauna, flora y del mismo río en su curso por la ciudad.

En su día (me refiero a desde que tengo memoria y conocimiento de estas cosas en torno a los 90) la margen del río que está a la altura de El Val era un foco bastante chungo y marginal en el que los drogadictos campaban a sus anchas, las empresas de construcción utilizaban este espacio como escombrera y los señores utilizaban al agua del río para limpiar el motor y la batería de sus coches. Creo que con estas situaciones os podéis hacer una idea de cómo era la situación, pero bueno, esa imagen ha cambiado.
Hoy es una zona que se ha rehabilitado. Más agradable, transitable y aprovechable, ahora tanto abueletes como gente haciendo footing se pasean constantemente por esta zona para escapar de los humos y del solazo que nos está cayendo este verano.

El inicio de este paseo fluvial se inicia detrás de la Casa de la Juventud y del Polideportivo. Allí podremos ver a mano derecha los restos del antiguo Molino del Colegio, que se encuentra en estado ruinoso y del que no voy a hablar mucho porque al final justo de este mismo paseo, en la otra punta de la ciudad, nos encontramos con otro molino del que ya traté en su momento:

Y mira que hay papeleras cada pocos pasos, que hay carteles en los que se pide que no se manche el suelo, pero nada... es evidente que a los guarros les cuesta entrar en razón sobre la educación ambiental porque sigue siendo habitual encontrar litronas, latas y bolsas llenas de restos de comida de la gente que va allí a merendar. Con lo fácil que es meter los restos de la merendola en la bolsa, cerrarla y llevarla a su correspondiente papelera y contenedor... Pues nada, tal vez sea mucho pedir.

En la orilla contraria se ve la Casa del Barquero y la presilla del Cayo, que ya aparecieron mencionadas aquí en la entrada de hace un mes o por ahí sobre el Parque de los Cerros.
La vegetación de ribera es bastante clásica y a lo largo del recorrido hay varios paneles de información que explican de forma clara y amena la situación y las variedades de especies que allí se encuentran: fresnos, alisos, chopos, sauces, olmos... Según mi parecer, toda esta vegetación se encuentra en una situación delicada y compleja ya que hay desde ejemplares muy viejos y jóvenes a otros con buena salud, enfermos o prácticamente muertos... No soy un experto, pero creo que la conservación no está muy puesta al día o controlada del todo.
Ya al otro lado del río, en la zona de los cerros históricamente desnudos y secos, se ve muy claramente que lo que predomina ahora es el pino de repoblación moderna.

También hay paneles que nos hablan de la importancia de este sitio en cuanto a la fauna acuática, ya que la presencia del galápago leproso que por aquí se asoma está en un estado de conservación muy delicado, casi en peligro de extinción y dentro de las listas de especies protegidas de la Unión Europea debido a la presión a la que se ven sometidas por la tortuga de Florida (una especie exótica introducida en la Península, que hemos tenido casi todos y que está desplazando y eliminando a la autóctona leprosa) y cómo no, a la degradación de su hábitat.
En cuanto a aves de ribera también vamos bien servidos. No es raro ver de vez en cuando a algún ornitólogo con sus prismáticos apuntar al cielo, a los árboles o entre los juncos en busca de su pajarillo. Uno de mis favoritos por su color es el pequeño verderón, que aquí aparece maravillosamente desenfocado:

Y ahora llegamos a la que es para mi, la zona más melancólica de este paseo: el antiguo merendero. ¡No he pasado tardes y noches con mis padres, mi hermano, tíos y primos corretenado de chico por aquí! ¡Madre mía! ¡Qué recuerdos!
Con esto de la crisis, el merendero con su respectivo chiringuito se cerró. Nadie lo volvió a abrir y lógicamente acabó abandonado hasta que hace un par de años se incendió, convirtiéndose en un carbonizado nido de ratas de río. Así es como ha acabado una pequeña parte de mis recuerdos de infancia ¡Qué se le va a hacer! Podría ser peor... ¿Verdad?
Ayer mismo pasé por ahí y al parecer se han llevado todos los restos del chiringuito y han limpiado el solar. Esperemos que a alguien del ayuntamiento se le ocurra impulsar y construirlo de nuevo. Muchos niños se lo agradecerían, seguro.

Este merendero tenía todo lo que un niño de antes necesitaba para pasárselo bien: tierra para jugar a las canicas y un par de columpios. Nada más. Ni Gameboys ni leches.

Hasta hace poco quedaban a la vista los restos de unas cercas en las que los propietarios del merendero tenían pavos y gallinas. Sobra decir que los chicos íbamos a la tienda del chiringo y nos dejábamos los duros en bolsas de palomitas que luego iban a parar al gaznate de los bichejos, con lo que todo quedaba en casa. También quedaban los postes de los columpios, rotos y oxidados, que daban una pena tremenda. Entre medias cuelo una foto también retocada de la próxima Ermita de la Virgen del Val, que me gusta mucho como ha quedado su resultado y no desentona con el ambiente desangelado de esta parte del camino.

Es difícil creer que hubo un tiempo en el que las fotos de abajo fueron algo agradable:

Este paseo fluvial del Henares recoge las muestras del pasado y del presente de la ciudad, de lo mejor y lo peor... Por eso me gusta. Además, caminar durante el sofocante verano por veredas como esta no está del todo mal:

Reflexiones y confesiones sobre el mundillo de la música, de los discos y las tiendas, más una recomendación:

2011-08-01T15:34:00.002+02:00

"Novedades", "Actualidad", "Lo +", "Últimas Tendencias", “Vanguardia”...
Son incontables los rótulos de las estanterías de tiendas de discos que intentan atraparte con la magia y el atractivo que siempre supone lo desconocido. Pero os seré sincero, a mí hace tiempo que esas cosas dejaron de seducirme. Directamente paso de largo porque sé qué tipo de cosas me encontraré en esas cajoneras tan modernas. Es más, de hecho no me corto ni un pelo a la hora de meter el hocico y husmear entre los viejos cajones de las rebajas, series medias o saldos en busca de cositas buenas. Si las señoras lo hacen por unas simples bragas, ¿qué hay de malo en hacerlo por un posible discazo, verdad?

Por regla general intento estar al tanto de los grupos y bandas actuales que van saliendo, pero de todas formas sigo y seguiré tirando hacia lo de toda la vida, que no falla. En muchas ocasiones me he topado con álbumes que no entendía cómo podían estar ahí, en esos cajones de deshechos: discos de Lynyrd Skynyrd con sus bonus tracks, Velvet Underground, Eduardo Bort, Nick Drake,... La lista es interminable.
Pero como únicamente de "clásicos", "oldies" o "reediciones" no vive el hombre, también va creciendo la lista de grupos más actuales y no tan conocidos que tienen que poner sus discos a precios razonables si quieren entrar en contacto con la audiencia y llevarse sus merecidas ganancias, sin menoscabar y sangrar el bolsillo del ciudadano (algo que en estos años por lo que hemos visto no ha supuesto muchos problemas para determinados artistillas).

Todavía me acuerdo de la época de bonanza en la que se podía (otra cosa que fuera normal) pagar "dosmilypicopelas" por un simple disco. En aquél tiempo además no existía Internet y servidor, como supongo que os sucedió a muchos de vosotros, tuvo una larga y negativa racha en la que adquirir verdaderas mierdas sonoras era el pan nuestro de cada día... Pero ahora con esto de la crisis, el cuento ha cambiado. O aprendes o aprendes. No queda otra. Hemos desarrollado y agudizado el sentido del oído de una forma fina y asombrosa gracias a que con esto de la Red ya podemos hacer comparaciones, catas y ver qué queremos escuchar y comprarnos.
Ya no nos la cuela nadie. Afortunadamente.

Pues como intentaba decir, una de mis últimas y económicas adquisiciones ha sido “Our Love Will Change The World”, el séptimo disco de Outrageous Cherry, un grupo de Detroit encabezado por el compositor, cantante y guitarrista Matthew Smith.
Quizás estas señas así de básicas no os digan mucho. A mí en su momento tampoco, pero indagando y tecleando me enteré de un par de cosas:
La primera de ellas es que tras el anodino nombre de Mr. Smith se esconde, como no podía ser de otra forma, un tipo verdaderamente común y vulgar. Un tipo de andar por casa. Vamos, de esas personas que llevan gafas de pasta y patillas que te encuentras por las calles a diario y que no destacan por nada especial o no te sugieren que sean unos musicazos. Y es que lo dicho: ni va rodeado de gorilas, ni lleva mechas o gomina en el pelo (básicamente porque no puede), ni es una víctima de la moda o un ser superior... Nada. Así que simplemente por el esfuerzo que hoy día supone ser una persona normal en el mundillo de la música ya me cae bien.

El segundo dato que hizo que se apuntara otro tanto positivo es que según tengo entendido y no me equivoco, Matthew Smith es un melómano, consumado coleccionista de música y amante del sonido sesentero... ¡Y qué queréis que os diga! Ahí ya es que con esto me ganó para su causa.

Pero este tío no se quedó simplemente ahí. Además resulta que tenía buen sentido musical y una notable capacidad para tocar (“multi-talented genius” dicen por ahí los angloparlantes), por lo que un buen día decidió que lo de poner y escuchar los discos de sus ídolos o escribir sobre la música que a él le gustaba no era suficiente, que necesitaba algo más, algo como componer su propio mundo sonoro y tocar sobre un escenario...

Mr. Smith empezó a reclutar amigos y músicos a mediados de los 90 para crear y liderar un proyecto musical personal y empezaron a grabar hasta hoy día, cuando llevan unos 10 discos aproximadamente a sus espaldas.
De primeras se nota que la propuesta musical de La Cereza Escandalosa está profundamente enraizada en el Pop y Rock de mediados de la década de los 60, y que la impronta o carácter de su ciudad, Detroit, ruge por todos lados.
En ellos nada es blanco o negro, todo está lleno de matices; nada es plano, todo es poliédrico… Nombres, todos los que se os ocurran y más. En un principio destaca la alargada sombra de la Velvet Underground en esa sección rítmica tan sintética que emplean a menudo, la crudeza garajera acuñada por primitivos estupendos como The Troggs en composiciones como “Pretty Girls Go Insane”, las rabiosas descargas eléctricas y los viajes psicodélicos a lo The Amboy Dukes y esa sensibilidad Pop para crear estribillos pegadizos provenientes de los Beatles y gente de similar calibre en pequeñas dosis de apenas dos minutos como ocurre con “Why Don´t We Talk About Something Else”. Por lo tanto, la variedad y el entretenimiento están más que asegurados.

Como he dicho, entre su discografía se haya el álbum “Our Love Will Change The World”, que es como las cosas que de verdad merecen la pena en esta vida: esas a las que poquito a poco se le va sacando todo el jugo, toda la gracia. Si no me creéis, la canción que da título al disco servirá para corroborar todo lo anterior:

Vamos, que quien diga que ya no se hace nada de música como la de antes, que se lo piense un poco más, que relativice, matice las cosas, se ponga los trabajos de Matthew Smith y luego nos cuente cómo le ha ido la experiencia.
Por ahora, me parece que no hay mejor idea que acabar con otro de los grandes temas incluídos en este disco, un tema cargado a partes iguales de languidez y tensión titulado “You´ve Been Unkind” :

El mágico Bill Evans...

2011-07-29T22:59:00.003+02:00

...Dibujo antiguo retocado con ruido (es curioso lo que me gusta el ruido) y un poco de color.

Una Joyita: Love y "Forever Changes":

2011-07-25T20:14:00.007+02:00

Hace unos tres años que publiqué una entrada en la que contaba la historia de la banda y de uno de los discos que más hizo por cambiar mis sentimientos y formas de escuchar y entender la música, así que he pensado "¡Hey Víctor, hazlo de nuevo!" y como casi siempre me suelo hacer casi a mí mismo, pues aquí está: La reseña de Love, el grupo angelino liderado por ese excéntrico genio Arthur Lee y por Johnny Echols, a pachas también.

Como todo el mundo sabe, al principio de los años 60, California era un hervidero de grupos en contínuo estado de ebullición. Muchos de ellos nacían para editar como mucho un par de singles y desaparecer para siempre, algunos pocos tuvieron una línea ascendente prolongada y bien sólida, y la gran mayoría sufrió un camino irregular y lleno de vaivenes hasta lograr cierta estabilidad...
En este último apartado podríamos situar a nuestra gente de Love, que originalmente se paseó por los locales de moda y por las casas discográficas con el nombre de The Grass Roots. Bajo este nombre ya estaban integrados gran parte de los miembros que acabarían formando Love: Ahí tocaban el baterista Don Conka, el bajo John Fleck y poco después Brian MacLean como guitarrista, compositor y vocalista.
The Grass Roots practicaba una música que entrelazaba Folk, Blues y Rock fuertemente influída por los primeros Rolling Stones y los Byrds. Con esta fórmula es con la que en poco tiempo se convirtieron en uno de los grupos más seguidos y admirados dentro del circuíto musical californiano, atrayendo ya en el 65 la atención de aficionados y de unas cuantas compañías discográficas, siempre atentas ante todo lo que oliera a éxito y dólares frescos en la cartera.

En este primer período es cuando durante un concierto que estaban dando en el mítico local angelino Brave New World, los todavía conocidos como The Grass Roots decidieron que el público eligiera entre varias propuestas un nuevo nombre para el grupo (pues pensaban que con él podría venir un cambio de ciclo y una progresión positiva en la banda). Se propusieron nombres tan rimbombantes y prototípicos de la época hippiesca com The Asylum Choir o The Summer´s Children, pero el público pasó de tanto barroquismo para acabar eligiendo (suponemos que democráticamente y a mano alzada) un nombre mucho más simple y a la vez directo: Love.
¿No es bonita la anécdota? ¡Que hagan un biopic ya!

Puede parecer que eso de querer cambiar de nombre con la intención de que también se cambiaría de tendencia era en realidad una tremenda tontería, pero no lo fue. En absoluto. Con éste flamante nombre, la banda de Lee inició sorprendentemente una nueva y prometedora andadura, dándose como no puede ser de otra manera, los típicos cambios en el grupo: Ken Forssi se convirtió en el nuevo bajista y Alban "Snoopy" Pfinster cogió las baquetas para reemplazar a Don Conka debido a los grandes y graves problemas que este último tenía con las drogas. Un caso muy prematuro de las terribles consecuencias que el uso y abuso de sustancias nocivas empezaba a tener dentro del mundo del Rock, y que recientemente ha vuelto a golpear...

Jac Holzman, fundador de la discográfica independiente Elektra y un tipo al parecer con una visión musical excepcional, se fijó en la progresión de Love, en la aceptación que tenían entre el público y decidió contratarlos en el 66 para confeccionar lo que iba a ser el primer disco de la banda.
Para esta todavía joven compañía discográfica, Love y Arthur Lee eran una apuesta importante, ya que apostaron por ellos para que se convirtieran en el buque insignia de la compañía. Pero este estatus duró bien poco, ya que la arrolladora y contundente aparición de los Doors y Jim Morrison (que reconocía una sincera admiración por la figura de Arthur Lee) hizo que la Elektra centrara lógicamente sus atención y esfuerzos en el siempre impactante Rey Lagarto, quedando entonces Love en un discreto segundo plano. Es lo que hay...

Para el repertorio de su primer disco, Arthur Lee tiró de sus vivencias y experiencias… Así fue como compuso por ejemplo esa grisácea canción dedicada a su amigo Don Conka, desaparecido en combate. Se titula "Sign D.C", y la vamos a escuchar tranquilamente:

Pasó sólo un año y el sonido de Love, lejos de estancarse, se hizo sensiblemente más complejo y rico en matices.
¿Era "Da Capo" una vuelta a los orígenes? ¿Un paso atrás? Yo creo que no.
La portada era muy similar al disco de debut: con Lee, Echols y el resto de la banda en las ruinas de la comuna conocida por los lugareños como El Castillo, todo parecía indicar que era un regreso al principio, pero el contenido del álbum tenía algo más, algo nuevo...
Gracias a la ampliación de la plantilla con Tjay Cantrelli y Michael Stuart como nuevos miembros más cercanos musicalmente a los sonidos provenientes del Jazz, el mundo de Love se liberó del corsé del Rock más o menos tradicional para evolucionar hacia algo distinto, más experimental y libre donde el Free-Jazz jugaba con la Psicodelia y el Rock. Lo cierto, es que a parte de expandir y enriquecer la música de la banda y de prepararlos aún mejor como músicos, lo que también consiguieron fue aumentar el número de seguidores de esta banda. Un ejemplo de esta mezcolanza es esta alocada “Stephanie Knows Why”:

Siguiendo el ritmo de trabajo por año, en 1967 tocó el turno nuevamente y editaron su tercer álbum, "Forever Changes", que es en mi opinión el punto más álgido en la discografía de Love. Ahora, por primera vez el ingenioso Arthur Lee toma los mandos de la producción, eso sí, con la inestimable participación de Bruce Botnick.
A la sonoridad ya característica de la banda, había que sumar además el empleo de orquestaciones y de unos de los arreglos más inteligentes que se habían escuchado hasta entonces (cortesía de un tal David Angel). El gran cuidado instrumental y esas pequeñísimas gotas de genialidad en forma de detalles, efectos y trucos que hay en cada tema son lo que hacen que este álbum sea de verdad único... Otro aspecto que mejoró fue el lírico. La composición de las letras ganó más peso gracias a la cada vez más importante aportación de Brian MacLean. Sus letras más abiertas y emotivas eran el contrapunto perfecto para las de Arthur, siempre más idas, surrealistas y crípticas.

Si os soy sincero, ninguno de los temas de este disco tiene desperdicio. Se abre de forma melancólica y cálida con "Alone Again Or", adornada de guitarras acústicas y aires latinos casi mariachis. Es estremecedor. Abrir un álbum con una canción así de grande tiene el problema de mantener el nivel, pero Love lo hicieron con "A House Is Not A Motel", donde la personalidad, carácter y raza de Lee sale a relucir. Y de la instrumentación no diremos que se queda atrás porque sería mentir: Otra de las cosas que más me gusta de Forever Changes es esa habilidad para transformar lo dulce en ácido, para fluir de la suavidad de la orquestación a la agresividad de las guitarras con una naturalidad que resulta sorprendente. Más dinámicas y contraposiciones de este tipo se pueden encontrar a lo largo de todo el trabajo e igualmente conseguidas en canciones como "Live And Let Live".

El segundo tema más conocido del disco es "Andmoreagain", dotado de una sencillez y cuidado en sus arreglos de cuerda que abruma al poner el oído. Como se ha visto en otras ocasiones, no es necesario ser wagneriano para dejar noqueado al público. Y la parte de la letra en la que dice "...And You Don´t Know How Much I Love You..." es para enmarcar. Como ésta es mi canción favorita, ahí que va:

Cada corte que trascurre nos muestra una pequeña obra maestra: "Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale", "The Red Telephone" y "The Good Humor Man He Sees Everything Like This" son buena prueba de ello.

El tema elegido por la banda para cerrar este disco fue el exquisito, elegante y a la vez grandilocuente "You Set The Scene". Y es que no se les ocurrió mejor forma de demostrar la enorme capacidad creativa y la originalidad que gastaba esta banda:

En el momento de su publicación (y como suele pasar) el disco no obtuvo las ventas que se esperaban, Love siguió sacando discos y actuando, pero no con la proyección que se les supuso en si día. Se acabaron convirtiendo en lo que la gente llama una banda de culto (las interpretaciones, condiciones o puntos a cumplir para ser una banda de este tipo son múltiples y muy personales, así que no vamos a ahondar), pero actualmente Forever Changes y Love se han ido revalorizando debido básicamente a la labor de rescate llevada a cabo por parte de la prensa especializada y de la gente que sabe de Música. Desde esos focos se ha destacado la aportación y el papel de Love como uno de los grandes grupos de la Historia y recordado a "Forever Changes" como una auténtica obra maestra.

Cuando compré y escuché este disco estaba en una etapa muy positiva en mi vida y eso puede hacer que mi corazón influya más que mi cerebro a la hora de juzgarlo, pero si tenemos en cuenta que en estos momentos no está la situación personal para tirar cohetes y sigo opinando lo mismo, quizás es porque "Forever Changes" es bueno sí o sí.

Ya sólo queda que quien quiera o pueda se lo escuche y me cuente en otro momento qué tal le fue...

Por mi parte, una última cosa que ya he repetido en varias ocasiones comentando en los Blogs de otros compañeros cuando venía al caso: en mi opinión, se debería hacer un pack triple en el que aparecieran juntos éste disco, el "Pet Sounds" de los Beach Boys y el "Odessey And Oracle" de los Zombies como ejemplo de perfección musical. Hay más posibilidades de hacer combinaciones musicales, pero esta es la que propongo hoy.

Saludos y Love para todos.

Los Toros:

2011-07-21T14:59:00.000+02:00

Aquí les enseño el resultado del experimento...

La acuarela no es lo mío y las corridas de toros pues casi que tampoco, pero lo que no puedo negar es que al margen de la crudeza que supone matar a un animal de esa forma (con todas las excusas, justificaciones o cuestiones que se quieran poner) son estos unos “festejos” que tienen en torno suyo un ceremonial, una estética y un cromatismo bastantes sugerentes a la hora de querer reflejar ese mundo en un papel o un lienzo.

Eric Bell:

2011-07-18T08:12:00.002+02:00

Revisando el estado de mis otros blogs y viendo que los primeros pasitos del Grandes Guitarristas pasaron más o menos desapercibidos, he decidido trastocar y traer aquí de nuevo lo que en su día hicimos Dani y servidor sobre uno de mis guitarristas favoritos: Eric Bell.

Eric Robin Bell, como todo el mundo sabe o debería saber, fue el flamante primer guitarrista y miembro fundador de Thin Lizzy: Una legendaria formación irlandesa liderada por el añorado y carismático cantante-bajista-compositor Phill Lynott.

Eric forma parte de ese maldito grupo de guitarristas dotados de un grandísimo nivel (criado en la Belfast de los sesenta formó parte de bandas como Them, Shades of Blue y The Dreams) pero que han quedado relegados a una segunda fila en cuanto a popularidad o reconocimiento. Casos como este hay muchos, pero para eso estamos nosotros.
Lo que tengo más claro que claro es que simplemente por la aportación de su sonido en los primeros trabajos de Thin Lizzy me merece todo el respeto del mundo (sin desmerecer nada a Gary Moore, Brian Robertson o Scott Gorham).

Thin Lizzy, pese a ser una banda encuadrada dentro del Hard Rock de principios de los 70 y convertirse en un referente de los futuros grupos "jevis", tenían la suerte o personalidad suficiente para no estar encorsetados ni musical ni estilísticamente.
Una de las características más bonitas y que hicieron a Thin Lizzy un grupo realmente único fue eso: Ser una de las pocas bandas que no estuvieron dominadas por la moda y las corrientes prefijadas que imponían los gallos más grandes del corral musical de la época.
Gozaban de unas miras musicales muy amplias y trascendían más allá de los géneros. Así, en la primera etapa de Thin Lizzy y por mediación directa de Eric, se asomaban a través de sus canciones trazos muy finos de la música tradicional irlandesa y esos delicados gustos por lo acústico que jugueteaban y se entremezclaban con esa habilidad innata de Phil para los medios tiempos y para el sentir poético tan ligado a su tierra...

En el año 71 grabaron en menos de cuatro días lo que iba a ser su primer disco grande, que consiguieron editar en la Deran (una buena compañía subsidiaria de la Decca). Titulado con el nombre de la banda, serviría simplemente para darles a conocer pues los triunfos tardarían en llegar un poco más, aunque ya daban muestras del descomunal talento que poseían al incluir interesantes temas como este "Things Ain´t Working Out Down At The Farm", donde aparecían un Eric Bell a la guitarra y un Brian Downey a la batería mostrando un gran estado de forma:

Todos esos rasgos diferenciales hicieron de Thin Lizzy una banda muy grande, pero en esta época el hecho de tener un par de discos en una discográfica seria como la Deram (no nos olvidamos de su segundo disco del 72 'Shades Of A Blue Orphanage', que lucía bellos cortes como "Sarah" o "Brought Down") no te garantizaba nada... Y de algo había que comer. Por ello, Bell junto a Phil y Downey decidieron unirse varios miembros de otro grupo local dublinés para iniciar un nuevo proyecto paralelo conocido como Funky Junction: Una banda paralela tributo con la que lanzaron en 1973 un sorprendente disco titulado 'Funky Junction Play A Tribute To Deep Purple'... Y digo sorprendente porque creo que es el disco-tributo que más rápido se ha hecho en la Historia de la Música a una banda todavía tan jóven, los Deep Purple del 73, que por entonces había sacado con la formación clásica únicamente tres discos ¡Per qué discos amigos!: 'In Rock', 'Machine Head' y 'Fireball' ¡Casi nada!

Como curiosidad vamos a dar una serie de datos: Al parecer Eric y compañía cobraron mil libras por grabar este disco, sus nombres no aparecieron en los créditos finales del disco, y en la portada apareció la foto de una banda distinta...
¡Y es que a veces el mundo del Rock es muy desagradecido!

Tras este curioso escarceo, iniciaron el tercer asalto con el grabación de 'Vagabonds Of The Western World'. La historia dice que antes de que el plástico saliera a las tiendas, la discográfica decidió sacar por su cuenta un single de adelanto con la intención de captar nuevo público, hecho que disgustó a la banda debido a que creían que el tema elegido era interesante pero que no iba muy en la línea musical que querían desarrollar. Lo que no sabía es que ese single, una canción tradicional irlandesa en clave de rock llamada "Whiskey In The Jar", se convertiría en un clásico instantáneo:

Este sería el útimo tabajo de Eric con el grupo.Ya sin él, el sonido de Thin Lizzy se hizo más duro y el vacío de su puesto sería ocupado por dos guitarristas... Pero antes de marcharse, Eric pudo dejar impresa su guitarra en grandes canciones como The Rocker o con la que nos despedimos por hoy, la nebulosa Little Girl In Bloom (mi canción favorita de entre todas de la banda) aquí en directo y con una capa más acentuada de misterio y esa contraposición tensión-suavidad que tanto me gusta...

Tras sus trabajos con Thin Lizzy, Eric continuó dándole a la guitarra pero de una forma un tanto deslabazada, irregular en cuanto a apariciones y de difícil seguimiento, ya fuera con su propio grupo, participando en la Noel Redding Band o apareciendo en conciertos tributo a la memoria de TL...
Aún así, siempre merecerá la pena prestar atención a las cuerdas de este tipo.

Se recomienda la escucha de la versión de estudio, que es lo que voy a hacer pero ahora mismo.

Por las pintas tan chungas con la que he salido...

2011-07-15T14:44:00.002+02:00

Sería primo de Quagmire fijo:)

Vinilos: ZZ Top - Tush.

2011-07-13T13:45:00.005+02:00

Coincidiendo con el paso del trío por estas tierras y que me he encontrado con más singles por los cajones del salón, ahí os muestro el escaneo de la portada, contraportada y un vídeo curiosote que se montó alguien en Youtube del temazo en cuestión: "Tush".

Para aquellos incautos que no conozcan a estos tíos, tal y como pone en la curiosa redacción de la contraportada: "ZZ Top son un grupo en la línea de la mejor tradición tejana, y, según propia definición, son un cruce entre The Allman Brothers y 'Anned' Heat..." :)

El Castillo de Alcalá La Vieja y un poco más:

2011-07-10T17:53:00.006+02:00

Pues vamos ya a finiquitar esta segunda parte con la culminación de la ruta del Parque de Los Cerros que lleva al antiguo Castillo de Alcalá La Vieja.

Pues bien, continuando el camino del río, veremos como a mano derecha sale a nuestro paso para saludarnos la única torre que aún queda en pie (reconozco que esta expresión está desfasada, pero me hacía ilusión decirla así que ahí está). El resto de las ocho torres albarranas que llegaron a conformar el sistema defensivo se encuentran a día de hoy o desaparecidas o en un estado de conservación ruinoso, como bien se aprecia en esta fotografía:

El origen de este Castillo se remonta a una pequeña atalaya levantada por los musulmanes en torno al siglo IX con una intención claramente defensiva y estratégica: El control y dominio del territorio que comprende el curso del Henares por su paso por Alcalá dentro de un entramado de vigilancia que tenía como fin último proteger y mantener bajo su poder la zona del Tajo y la ruta que enlazaba Toledo (símbolo del centro peninsular) con Zaragoza, en un período en el que los avances y retrocesos entre los musulmanes del sur y los cristianos del norte estaban a la orden del día en la Marca Media.
Como era lógico, el asentamiento debía situarse en un enclave geográfico que fuera lo más invulnerable posible, todo lo contrario al antiguo núcleo urbano romano de Complutum, levantado en el llano y más difícil de defender. Para ello, se eligió la zona más abrupta de la orilla sur del Henares, donde la presencia del río, de las elevaciones de los cerros, barrancos, cárcavas y quebradas servían de una defensa natural perfecta. Hay puntos a los que es imposible acceder y donde el fostíón en caso de pisar en falso está asegurado:

Progresivamente y atendiendo a la evolución político-militar que acabó derivando en el control musulmán de prácticamente toda la Península, esta pequeña fortificación experimentó un notable desarrollo interno que se reflejó también en el aspecto externo. Se reforzaron y ampliaron tanto muros como torres-vigía y se hizo más compleja la articulación interna con la disposición de aljibes para el depósito del agua potable y de silos para el almacén de los alimentos. Además, hay restos que demuestran que a extramuros surgió un núcleo urbano hispano-musulmán a modo de arrabal que sirvió para concentrar a la numerosa población que acudió a la fortaleza en busca de la protección que no hallaba en el llano.
Este crecimiento, no sólo en tamaño sino también en importancia, se aprecia en las distintas nomenclaturas que recibió el castillo a lo largo del tiempo. Mientras en unos primeros documentos datados en el 920 se refieren a este emplazamiento simplemente como Al-Qul'aya (que viene a significar algo así como El Castillejo), más adelante en el siglo XI llega a aparecer documentado como Qal’at’Abd al-Salam (interpretado de múltiples y sonoras formas como por ejemplo El Castillo de Abd al-Salam o del Príncipe De La Paz). Con este nombre será conocido definitivamente por todas las gentes del lugar.

Al acercarnos a ella, la única torre superviviente ofrece con su planta cuadrada actualmente restaurada una imagen sobria y respetable, y eso que hay que tener en cuenta que su parte superior se destruyó y aparenta más pequeña de lo que en su día fue.

A los pies del promontorio sobre el que se alza el Castillo podemos ver que se han llevado a cabo algunos trabajos arqueológicos. Por lo que he estado leyendo puede que se trate de pequeñas pruebas y catas para comprobar el estado de los arrabales de los que hablamos antes. En las fotos que hice de estas excavaciones podemos ver claramente una pavimentación en ladrillo, restos de derrumbe con esas tejas y partes de un acceso a lo que pudiera ser el interior de una de las casas del complejo.
Si existieran unos paneles informativos o unas visitas guiadas os podría haber dado más datos, pero como la ciudad ha vivido durante muuuuchos años de espalda al río, poco más puedo hacer. El año pasado, en una de mis caminatas habituales me encontré con un grupo de arqueólogos que estaba trabajando allí, pero no les pregunté nada porque todavía hoy me acuerdo de la cara de sospecha que poníamos cuando excavaba, venía a acercarse alguien de fuera y nos hacía preguntas.

Una de los momentos más curiosos de mi visita al Castillo vino cuando echando un vistazo al yacimiento me topé con algo raro. Así de golpe pensé que se trataba de un balón de fútbol, pero rápidamente deseché esa idea ya que estábamos en medio de la nada más absoluta y el polideportivo quedaba un pelín bastante lejos. Me acerqué para ver de qué se trataba y fue entonces cuando me ví que no, que no era una pelotita... Era una esfera de piedra tallada.

Sí, sí, reconozco que no estamos hablando de una esfera tallada con una perfección acongojante hecha por los mayas ni nada de eso, pero me sorprendió. Desconozco la función que pudo tener (posiblemente se trata de un remate superior de algo, aunque no tuviera un hueco donde ensamblarla) o incluso si este objeto pertenece de verdad al yacimiento... Si alguien lo sabe, que lo diga.
De todas formas podéis ver por la fotografía que no se puede decir que la esfera sea pequeña. Intenté voltearla para observarla por todos lados y me costó bastante, así que teniendo en cuenta que el acceso a motor a Los Cerros está prohibido, dudo que venga algún valiente a llevarse esta bola a cuestas hasta su casa.

Ya dentro de lo que fuera el recinto principal, podemos ver como se ha ido trabajando y excavando en distintos niveles. Todavía queda mucha faena por realizar, pero no sé si con este parón que ha sufrido la arqueología con la crisis se va a poder hacer algo. Lo que está claro es que esta zona, aunque haya sufrido algún que otro expolio o metedura de pico y pala sin mucho criterio, siempre merecerá la pena intentarlo y conocer cosas nuevas.
Viendo estas imágenes a mi lo que me entra es una sensación de tristeza bastante grande por ver cómo hemos ido dejando que la apatía, la desgana y el desinterés destrozaran e hicieran añicos nuestra Historia y Patrimonio...

Pero no todo acabó en el siglo X. El devenir de los acontecimientos también hizo mella en el Castillo y sus años de esplendor iban a empezar a empañarse muy pronto. 1085 se convirtió en una fecha clave ya que la reconquista de Toledo por parte de Alfonso VI supuso a grandes rasgos el principio del fin del dominio musulmán y un punto de inflexión para la Reconquista y el avance cristiano en la Península Ibérica.
Esta dinámica política y militar tuvo su reflejo en estas tierras un poco más tarde, el 3 de mayo de 1118, fecha en la que el Arzobispo de Toledo Don Bernardo de Sedirac tomó la plaza de Qal’at’Abd al-Salam inspirado popularmente por la aparición milagrosa de la Vera-Cruz.

Casi inmediatamente, este cambio de tornas se hizo patente en la vida de la zona. Las autoridades cristianas iniciaron entonces una labor de unificación, de creación y refuerzo de la propia identidad. Suele ser esta una reacción común en todo el mundo y aquí no iba a ser diferente. De este modo surgieron historias, leyendas y tradiciones populares que contribuyeron a fortalecer la identidad cristiana del lugar. Por ejemplo, la visión en 1118 de la Vera-Cruz, o el hallazgo de la Virgen del Val en 1184 (Virgen que se convirtió en la Patrona y Alcaldesa de la ciudad y que tiene una ermita levantada en su honor justo enfrente del Castillo en la orilla contraria, representando y simbolizando perfectamente esa contraposición) son buenas muestras de cómo un poder relegó a otro.

Otra acción o consecuencia de la nueva situación fue el trasvase de la población hispano-musulmana que habitaba los arrabales de Alcalá La Vieja hacia al llano. Allí, en la rica y fértil Vega del Henares se levantó y articuló un núcleo urbano principalmente cristiano en torno a la capilla que acogía desde el siglo V los restos de los Santos Niños Justo y Pastor. Santos que según la tradición fueron martirizados en el siglo IV en Complutum y que se convirtieron en una especie de Rómulo y Remo alcalaínos.

El Castillo de Alcalá La Vieja siguió en pleno funcionamiento durante los siglos XIV y XV como soporte para el proceso de repoblación que vivió el centro peninsular, pero esta suerte iba a durar poco ya que el golpe que supuso el traslado de población antes mencionado acabaría siendo mortal debido a que el núcleo urbano cristiano conocido como el Burgo de Santiuste se convertiría definitivamente, con la Iglesia-Magistral-Catedral como centro neurálgico, en el germen y origen de lo que actualmente es la ciudad de Alcalá de Henares. Así, alejado y apartado del centro poblacional y económico que ahora era el Burgo de Santiuste, nuestro Castillo aguantaría el paso del tiempo convertido en una antigualla que no interesaba a nadie, en una cantera (somos así de listos) y en el protagonista de la entrada para un Blog…

Una de viñetas:

2011-07-05T13:36:00.002+02:00

Esta es una que hice ayer sobre el tema que tanto nos está interesando a los seguidores y amantes de la música, en B/N y en esos colores morados y raros que tanto me gustan:

Y este es otro dibujo que realicé hace ya unas semanas tratando el asunto de las manifestaciones, de los indignados y los diputados vapuleados:

¡Próximamente más y mejor!

El Parque De Los Cerros - Ruta hacia el Castillo de Alcalá La Vieja 1ª Parte:

2011-07-03T21:42:00.006+02:00

Como con el verano ya llegó para quedarse y hay más tiempo libre disponible, hoy he preferido dejar momentáneamente a un lado los temas que vienen siendo habituales en el blog, es decir, los dibujos y la música, para centrarme en algo distinto y de lo que me apetece muchísimo hablar: Los Cerros de Alcalá de Henares y las distintas opciones de paseos y rutas que nos ofrece.

Todo el mundo que se haya pasado por este Blog sabrá de otras veces en las que he escrito sobre Alcalá que esta es una ciudad Patrimonio de la Humanidad y que como suele ser habitual en todo buen ciudadano, la relación amor-odio que tenemos sigue plenamente vigente. Entre los atributos que la hicieron ciudad merecedora de este título está el contar la Universidad Cisneriana, con uno de los ciclos de teatro clásico (no confundir con romano) más importantes de España, con una de las dos únicas Iglesias-Magistrales del mundo, con un pasado y un bagaje histórico-arquitectónico-artístico a sus espaldas espectacular (aunque castigado por los avatares del destino), acoger el premio de literatura en lengua hispánica más célebre, ser un importante centro de fomento y enseñanza del español… Y todo eso está muy bien, pero lo verdaderamente positivo de todo es que el potencial de esta ciudad sigue siendo considerable. Por contrapartida, hay mucha gente que no confía o cree en la ciudad, que no se da cuenta de ello o que directamente prefieren mantenerla inmóvil en el tiempo, sin potenciarla al máximo. Lo cierto es que si se busca e indaga, se ve que tiene algo más que un simple ciclo de teatro clásico, abundantes bares de tapas o cigüeñas…

Antes de todo, como no soy un experto en geografía ni biología, voy a hacer mía la descripción que de Los Cerros hace el grupo de Ecologistas en Acción, gente con la que yo no tengo nada que ver, pero que sabe del asunto bastante más que yo. Así os hacéis una idea general del lugar.
Pues bien, para empezar diremos que "el Parque de los Cerros se sitúa en la margen izquierda del río Henares, al sur de la ciudad. Este terreno natural acotado se estableció en la década de los 80 tras la compra de terrenos a propietarios privados por parte del Ayuntamiento que permitió la consolidación de un espacio protegido de titularidad pública. Sin embargo, en la actualidad este espacio natural tan solo tiene la básica catalogación de Monte de Utilidad Pública", quedando todavía exento de una mayor protección, a merced de la amenazante proximidad de los polígonos industriales...
Pero "pese a las agresiones sufridas a través de los siglos (explotaciones agrícolas, extracción de arcillas, vertedero...) el Parque conserva aún en su interior una importante riqueza histórica, arqueológica y una enorme variedad en flora y fauna. Combina los entornos de ribera fluvial, cerros, cárcavas y páramos. Márgenes del río enriquecidas con el aporte de limos y sedimentos arrastrados por las aguas, que abundan en álamos, chopos y alisos, además de una presencia notable de especies arbustivas y herbáceas; cerros áridos de arcillas, margas y yesos, donde la vida adopta otras formas inmensamente variadas: tarayal, atochar, coscojar, encinar, el sempiterno pinar..."
Por todo ello, "el Parque de los Cerros es un verdadero tesoro que necesitamos conocer y apreciar. Un lugar para visitar con respeto y afán de aprender. Porque el Parque no es solo lo que ahora vemos (una sombra de su pasado lejano), sino también una esperanza de futuro.
Un bien de todos y para todos."

La primera ruta de la que vamos a hablar en este “Especial Zapatillas, Mochila, Bocata y Cantimplora” es la que lleva directamente al antiguo Castillo Árabe.
Al igual que todos los caminos del Parque de Los Cerros, éste tiene su punto de partida en el aparcamiento público gratuito. Siguiendo las indicaciones de los paneles y señalizaciones de los postes de color azul que aparecen a lo largo del trayecto es imposible perderse. Es un camino de ida y vuelta, con unos 8 kilómetros de distancia en el que hay senderos alternativos, atajos y otros vericuetos que siempre están bien para diversificar las alternativas y amenizar el camino si se repite. Aún así, es bastante accesible y se puede completar sin ningún tipo de problemas en unas 2 ó 3 horas (con sus respectivas paradas en los paneles de información y para beber agua o echar algunas fotos).
Por otra parte, advierto que si se va a dar el paseo en verano es recomendable acudir por la mañana o ya bien entrada la tarde para evitar los calores, porque aunque parte de la ruta se desarrolla junto a la ribera del Henares (con su característico fresquillo), también hay unas cuantas zonas en las que se pasa por secarrales al raso, con el Sol pegando en todo lo alto y sin nubes o arboledas que sirvan de protección que pueden convertir la caminata en una experiencia brutal.
Y quien avisa no es traidor...

A lo largo de toda la ruta se aprecia la tremenda labor de recuperación del espacio natural que ha experimentado el lugar tal y como demuestra la reforestación de un pinar joven y la presencia de otros árboles de más arraigo en la zona que están íntimamente relacionados con la huerta y con la comarca como lo es el almendro. Este desarrollo de la masa forestal ha propiciado que especialmente las liebres hayan encontrado alimento con el que sostenerse y así poder crecer en número, ya recuperadas de la mixomatosis y otras enfermedades que décadas atrás diezmaron a este animal.
Con mayor vegetación, más presencia de liebres y a su vez de otras especies más delicadas en su conservación en el caso de las rapaces (cernícalos, aguiluchos y algunas en peligro de extinción como el Águila Imperial Ibérica)... Si es que todo va enlazado.
Tuve la suerte de pasearme durante los meses de primavera y sacar unas cuantas fotos con mi vejete Nokia de los almendros en flor. Lo intenté con las liebres, pero son bastante más rápidas.

Tras dejar atrás el tramo de La Albega, que es un recto y suave repecho en el que en las horas centrales del día te puede dar un soponcio de cuidado, ahora nos acercamos al Pico de Malvecino. Es entonces cuando descendemos y empezamos a acercarnos de nuevo al río, donde los árboles de ribera nos ofrecen un poco más de cobijo, sombra y fresco. Caminaremos frente a la presilla del Cayo (donde muchos chavales van a refrescarse), la ciudad deportiva, el campo de la RSD Alcalá, la Ermita de la Virgen del Val (cuyo origen se remonta al siglo XII), y la ahora destruida Casa del Barquero (del XIX). La situación en concreto de este edificio me da una pena enorme ya que podría restaurarse y convertirse en un centro de interpretación del Parque de Los Cerros o en un área recreativa de la ribera del Henares que conectara con la orilla de la ciudad, ¡pero qué se le va a hacer! en Alcalá no es el primer caso en el que un edificio histórico ha acabado abandonado, derruido o destrozado. Es una de nuestras cruces...

Continuando el paseo, junto al río Henares nos daremos cuenta que el terreno de la ribera es bastante arcilloso y que en determinadas zonas emite reflejos y brilla a nuestros ojos. Eso se debe a que la concentración de yesos que hubo entre los estratos de arcillas y margas se fueron cristalizando en forma de grandes placas que hoy día afloran a la superficie y que todos los que tenemos colecciones de minerales sabemos apreciar.

Y ahora ya no queda nada para llegar al final del camino y subir al Castillo... ¡Pero eso será la semana que viene!

Breve Historia del Rap-Metal y SX10:

2011-06-30T16:20:00.007+02:00

A principios de los 90, la escena musical de las grandes urbes experimentó la invasión de un nuevo género que revolucionaría el mercado. En concreto ese sonido bastardo fue resultado del cruce del Metal y Rock Alternativo con el por entonces ya consolidado Hip-Hop…

Y caló hondo entre la juventud.

Ahora, si echamos la vista hacia atrás y nos paramos un momento a analizar la evolución de este sonido, veremos que son muchos los caminos que finalmente fueron a parar a lo que hoy llamamos Rap-Metal: En este árbol genealógico, una parte importante del ramaje partió encabezada por numerosas bandas de Metal y Rock como fue la colaboración de Anthrax en el 87 con el grupo de rap U.T.F.O en la canción "Lethal" o con Public Enemy en el 91 con el más célebre "Bring The Noise". Un título seminal que sirvió para prender la mecha de algo grande, porque de ahí en adelante hubo un auténtico boom de cientos y cientos de agrupaciones que empezaron a tocar Rapmetal. Un subgénero que luego fue renombrado de múltiples formas: Rapcore, Rap-Rock, Crossover o Nu-Metal y que contó con bandas como Biohazard, Korn o Rage Against The Machine entre sus filas.

Pero si nos centramos con atención en la cronología, veremos que los primeros intentos de verdad vinieron por parte de grupos y artistas procedentes del Rap. Entre ellos por ejemplo los tres genios alquimistas Beastie Boys, o los pioneros del asunto Run DMC con la canción "Rock Box" del 84 y la conocidísima recreación del "Walk This Way" de los Aerosmith, que contó con la participación de sus mismos autores unos dos años después -de la que por cierto ahora reniegan y huyen como si fuera la peste, aunque en su día se llevarán sus pelas...-
¡No ha llovido desde entonces!

Unos de estos maestros a la hora de conjugar la instrumentación del Rock con la actitud, ritmos y letras propias del Rap, son sin lugar a dudas los californianos Cypress Hill: una banda mítica que lleva activa sobre las tablas ni más ni menos que desde 1986, soltando concierto tras concierto y disco tras disco esa personalísima mezcla que sólo ellos saben hacer de oscuro Gangsta Rap de la costa oeste, rollo latino-hipnótico-místico-fumeta y esos intratables guitarrazos más propios de los rockeros.
Estamos hablando de una de las bandas de Hip-Hop más únicas, consecuentes -que no inmovilistas o estáticas- y a la vez comerciales que he visto nunca. Se movieron desde bien pronto por el filo musical que dividía al Rap y al Rock, ya que los Cypress Hill entraron en contacto con estos dos mundos, aparentemente tan dispares y alejados, ya en su mismo barrio. Ellos así lo explican en alguna que otra entrevista. No tengo las palabras textuales, pero dicen algo así como que es difícil que una banda formada por latinos, negros y blancos en una de las áreas culturales más cosmopolitas del mundo emplee todos sus esfuerzos a una única dirección sonora... Y creo que tienen razón. Desde el principio se dedicaron al Rap, pero siempre con unas miras musicales amplias, siempre prestando atención a otras corrientes más rockeras. La amistad con Tom Morello y la gente de Rage Against The Machine, de Fear Factory y visitar festivales no muy hip-hoperos por aquél entonces como el Lollapalooza bien lo demuestran

A lo largo de la dilatada carrera musical de CH ha sido normal la aparición de momentos buenos y malos, así que no conocéis mucho la discografía de esta gente, aquí os vamos a ayudar un poco con la recomendación de la compra y escucha de sus 3 primeros discos más centrados en el Rap: "Cypress Hill" del 91, "Black Sunday" del 93, "Temples Of Boom" del 95 (todos ellos álbumes millonarios, multiplatinos y básicos clásicos del género), y también de su doble álbum del 2000 "Skull and Bones", un experimento que contaba con un primer disco repleto únicamente de Hip-Hop, y un segundo que mostraba esa mezcla de Rap y Metal que tantos halagos y críticas -por qué no decirlo-, ha recibido por parte de todos lados y sectores...

Por cierto, una de las canciones que están presentes en "Skull and Bones" es esto, "Valley of Chrome" :

Tras repasar brevemente el origen de esta banda tan representativa del Hip-Hop y del Rap-Metal, ahora nos vamos a detener un poco más en la figura de Senén Reyes, más conocido por el público por su sobrenombre; Sen Dog.
Este tipo, MC y miembro fundador de los exitosos Cypress Hill, decidió en 1994 formar la banda SX-10 con la intención de convertirla en un proyecto paralelo donde poder desarrollar una música distinta a la que venía haciendo con los Cypress en la que la dureza del sonido Metálico y Punk estuviera aún más presente y amplificado.
Para ello se rodeó de amigos de la californiana escena Rock Alternativa -maravillosa etiqueta que sirve para meter todo lo que a uno se le ocurra- como Andy Zambrano y Jeremy Fleener a las guitarras, Frank Mercurio al bajo eléctrico y Glen Sobel a la batería.
Con esta formación dieron conciertos allá donde fueron llamados, se fueron consolidando despacito, como una banda, no como un proyecto ideado como mera aglutinación de músicos en torno a un líder y ya en 1998 publicaron un primer EP titulado "Get Wood" con el que fueron ampliando sus bases y seguidores.

Lo cierto es que el 2000 fue un año muy productivo para Sen Dog, ya que a parte del doble "Skull And Bones" del que ya hemos hablado, también vio la luz el primer álbum grande de SX-10: "Mad Dod American". Un trabajo que en Europa apareció reeditado 4 años después con un rediseño de portada más simple, alejado de la estética underground y lo que es más importante, bajo un nuevo título: "Rhymes In The Chamber".

Para su grabación, Sen Dog y compañía mantuvieron esa tradición tan propia de la cultura Hip-Hop a la hora de hacer un álbum que consiste en la habitual presencia y colaboración de numerosos amigos como Everlast y Kottonmouth Kings a las rimas, de sus compañeros en Cypress Eric Bobo a las percusiones, de DJ Muggs a los platos, y de su hermano Mellow Man Ace (una leyenda del Rap latino) en el tema que da nombre al disco o en este otro:

Con todos estos alicientes que hemos ido contando es fácil adivinar que lo que nos ofrecen Sen Dog y Co. no es otra cosa que 12 potentísimos y compactos temas que seguro que sabrán degustar y apreciar los amantes de estos sonidos híbridos.

Ahora os dejamos con un poquito de... "Tequila" :

Siempre que esté aburrido y no sepa qué hacer...

2011-06-28T21:10:00.004+02:00

¡Dibuje un oso rabioso!

Expresiones horteras, desfasadas o clásicas que no deberíamos dejar morir. El retorno:

2011-06-26T22:30:00.002+02:00

En nuestro afán por recuperar esas manifestaciones orales tan extrañas, añejas y más cosas, pero tan nuestras, ahí van otras cuantas:

Una serie de preguntas:
- ¿Nos ala-vamos?
- ¿Cuala? la de la tía Pascuala
- ¿Dónde? A la casa del conde.
- ¿Imbécil la hora por favor?
- ¿Tienes frío? pues métete en los calzones / las bragas de tu tío.

- Busque, compadre y si encuentra algo mejor...

- Como pollo sin cabeza

- Mover el esqueleto.

- Me la refanfinfla: me da igual.

- ¡Pero qué ful!: expresión de disgusto.

- Dabuti, debuti, dabuten: expresión de aceptación, gusto.

- ¡Jarrrl! Si va acompañado de un ¡Por la Gloria de Mi Madrerrrl! ya lo bordas.

- Un, Dos, Tres responda otra vez.

- Eres mas tonto que un bocao en el pijo

- Conmigo o sinmigo.

- ¡Ay Jacobo, cuanto más grande más bobo!

- ¡Toma del frasco carrasco!

- ¡Naranjas de la china!

- ¡Te cagas en las bragas!

- Te pego un toque.

- Del año catapun chin chín. (Se puede alargar hasta catapún chin-chin gori gori poróm pon pón) Ahí es nada...
- Del año de la pera.

- ¡Por amor de dos! (Martes y Trece siempre aportando).

Una de cuando jugábamos en el recreo:
- El mundo al revés, el que lo dice lo es.
- El que tiene boca se equivoca.
- Los que se pelean se desean.
- ¡La pochas!
- ¡Tonto pelao que te pican los mosquitos, dile a tu mamá que te compre un
sombrerito!

- Éramos tres y con Harrison Four...

- Y con los Jackson, Five.

- Ni fú ni fá: expresión de desinterés.

- Pichí pichá: más o menos.

- Mola mogollón / mazo.

- Me piro, vampiro.

- Hastaluego, cocodrilo.

- Tal, cual y pascual.

- Disimula, caramula.

- Tu mismo con tu metabolismo / con tu mecanismo.

- Au Revoire que dijo Voltaire.

Una Joyita: 'Freedom Wind' de The Explorers Club

2011-06-22T21:04:00.005+02:00

Hay determinados artistas y bandas cuya música suele estar íntimamente ligada a cierto período del año. Esto no sé a qué se debe, pero lo que está claro es que el resultado de escucharlos en el ambiente propicio resulta como más placentero, completo o perfecto. Es algo difícil de explicar...
Voy a poner un ejemplo: En mi caso R.E.M es de esas bandas que aunque son habituales, sí es cierto que suelo poner de forma más reiterativa a finales de verano, justo cuando las fiestas de Alcalá se acaban y se nota en la piel y en el aroma del aire como los vientos frescos regresan de nuevo, anunciándonos con pereza que debemos volver a cambiar las camisas de tirantes por las cazadoras, las chancletas por los zapatos y los gazpachos fresquitos por esos cocidazos madrileños que es verlos y entrar el sueño más profundo...

Pero por ahora no tenemos por qué preocuparse: Como todos sabrán, los primeros días de verano ya están aquí, y han venido para quedarse un rato largo.

Últimamente por lo que he visto y leído, para mucha gente esta calurosa época es propicia para desempolvar unos cuantos discos de The Beach Boys, ponerlos a todo volumen y disfrutar de la playa, de las olas del mar y de los amores de verano... Podrá ser así, pero lo cierto es que de ser así me parece un desaprovechamiento musical: Los Chicos De La Playa suenan en mi habitación a lo largo de los 365 días que tiene el año, desde sus primeros discos hasta el fenomenal y nunca suficientemente alabado Pet Sounds... Apetecen siempre.

Pues bien, hace más un par de meses cuando todavía estábamos con el tiempo revuelto de fríos y de lluvias me topé con un grupito formado por chavales de veinteañeros que aunque provenientes de Carolina del Sur, parecen por sus trazas y gustos haber salido directamente de la mismísima California -siempre California- ya que el sonido que realizan, eminentemente marcado por Brian Wilson y compañía, así lo demuestra.
Esta banda, un sexteto bautizado con el curioso y sesentero nombre The Explorers Club podría haberse ganado la vida recorriendo los Estados Unidos de costa a costa como banda tributo de The Beach Boys repasando temazos como “Good Vibrations”, “Surfin´ Safari” o tantos y tantos otros. Hay mucha gente por ahí suelta que hace lo propio con figuras como Elvis, Frank Sinatra o los Beatles. Pero eso sería calcar, copiar, imitar o cualquier otro sinónimo que se os ocurra... Y la Historia no quiso deparar a The Explorers Club un futuro así.

Son muchas las bandas que reconocen abiertamente la impronta que dejó la familia Wilson, que afirman que gracias a ellos empezaron a tocar o que su música les debe mucho... Las formas para decir que son una gran influencia son incontables, pero lo cierto es que muy muy muy pocas bandas -por no decir ninguna- se han atrevido a emplear plenamente el lenguaje sonoro que dejaron estos californianos para la posteridad o a cantar con la belleza y el dominio que ellos tenían. Para ello hay que tener mucho talento y no es tarea fácil. Además, parte de estas bandas que nos venden desde los medios como “con raíces clásicas” y que intentan arropar ese clasicismo con moderneces o aditivos actuales, lo único que consiguen realmente es
desvirtuar el resultado final y tratar de disimular o encubrir su carencia de conocimientos y concepto.

Por poner un ejemplo en otro género que no sea el Pop: ¿Cuántas bandas intentan hacer algo similar en el terreno de Hard Rock teniendo a Black Sabbath como referente básico y no se acercan a ellos ni de refilón? La respuesta es que demasiadas ¿verdad?...

Pero The Explorers Club van de cara, dicen alto y claro que les gusta el sonido de esa época y en concreto de The Beach Boys, con esos juegos y coros vocales, con esas armonías y melodías. Y así, como si se tratara de un estilo o género musical más, lo han desarrollado y ampliado con nuevas composiciones propias, fenomenalmente trabajadas y tan pegadizas como las de Brian.
Ahí está el verdadero mérito del trabajo de esta gente.
Es entonces cuando se ve que The Explorers Club sí ha dado ese paso adelante. Se atreven a recoger el testigo y emplear legítimamente ese lenguaje sonoro propio de los playeros para hacer nuevas canciones, aunque todas basadas en lo que hoy día debería mover al mundo: El amor.
Y lo cierto es que esto no es nada criticable, en absoluto. No se les puede tachar de simples "recreadores de un sonido o una época" porque realizan temas originales y de nuevo cuño, y tampoco se les puede calificar de banda "revival" ya que en mi opinión este tipo de bandas no proponen nada nuevo, son estériles, repiten y repiten sin parar canciones ya escritas sin proponer nada distinto. Serían como las bandas tributo de las que hablé antes.

Y es que ese es uno de los puntos fuertes de The Explorers Club, porque decidme… ¿Cuántas bandas jóvenes de línea clásica que conocéis pierden fuelle y no poseen el atractivo y el hechizo si las comparamos con los grandes clásicos? Pues tengo que contar que en este punto nuestros amigos se salvan de la quema y puede que lo que diga a continuación sea una exageración, pero como exagerar no es un delito, ahí va: Si las canciones pertenecientes a su primer, titulado 'Freedom Wind' y publicado en 2008, hubieran sido incluídas a modo de Bonus Tracks como canciones inéditas en los discos legendarios de The Beach Boys, no chocarían lo más mínimo.
Así de buenos son.
Tal y como dice la compañía discográfica de The Explorers Club, este álbum está compuesto por "canciones nacidas para ser single". Con ello no sólo se refieren a que las canciones a duras penas llegan a los tres minutos, sino a que son composiciones que están construídas con talento, buscando siempre la elegancia, el cuidado en sus arreglos y que tienen un gancho Pop realmente encantador.

Como muestra de lo dicho ahí tenemos este "petsoundiano" tema, "If You Go" :

En directo estos tipos se desenvuelven bastante bien y suenan más potentes y eléctricos -en Youtube hay una versión del Johnny B Goode que tela-, pero ahora vamos a ver al Club de Exploradores desnudos. Es decir, en acústico:

Y como aquí siempre vamos al revés del resto del mundo, no nos despediremos con la canción que cierra el disco ¡qué va!, sino con la que lo abre. Es un tema perfecto para introducirnos en el mundo de la banda, de los más playeros y clásicos que hay en su repertorio y se titula "Forever" :

Definitivamente, estos exploradores van a sonar mucho en mi equipo de música durante este verano… ¿Qué sonará en vuestra casa?

Magritte y la Música II y final:

2011-06-20T21:08:00.006+02:00

Volvemos esta semana para finalizar y dar carpetazo al Especial Magritte y La Música. Si la semana pasada nos detuvimos en ver la evidente conexión e influencia de la pintura de Magritte ya no sólo en las portadas de grupos y artistas, sino más bien en la cultura popular -como bien apuntaron amigos nuestros como Raúl-, hoy vamos a finiquitar el asunto con una segunda parte en la que veremos estos encontronazos de pinceles y guitarras, aunque en algunos casos ya no tan claros o evidentes.

Este primer ejemplo que he seleccionado es el único del día de hoy en el que sí que se aprecia el calco y copia de la idea. La obra de Magritte se titula 'Los Misterios Del Horizonte' de 1955. En él aparecen los siempre llamativos señores de negro con unas lunas sobre sus cabezas, aunque también puede que sea el mismo señor y la evolución o camino de la luna en el horizonte en distintas escenas superpuestas dentro de un mismo plano... Porque con Magritte no te puedes fiar:

Por lo que vemos, esta imagen debió gustar a la compañía cómica americana The Firesign Theatre. No tengo el placer de conocerlos:

Otro de los objetos o iconos de Magritte a parte del hombre de bombín que ya hemos visto y de otros de los que ya hablamos, están también estas esferas flotando en el aire, blancas y con una incisión a modo de ecuador que aparecen en lienzos como 'La Voz Del Aire' de 1931.

La gente de Dream Theater siempre se ha caracterizado por cuidar la imagen de sus discos. Para ello no han dudado en recurrir ocasionalmente a grandes artistas gráficos como el fotógrafo americano Jerry N. Uelsmann, que también le daba al tema del surrealismo. En este caso en concreto no se tratan de esas bolas misteriosas, sino de ese cachivache que sale siempre en las salas de los psicólogos de las películas que sirven únicamente para decorar y que si al paciente le da por tocarlo el psicólogo se acaba cabreando... Pues eso, pero es que el ambiente generado en esa portada se acerca mucho a lo que René realizó. Por eso está aquí.

Ese gusto de Magritte por las contradicciones, por los juegos ópticos y por representar esos cielos azules con claras nubes blancas lo volvemos a ver en su obra 'Valores Personales' del 51. En ella además intenta convertir algo que es inabarcable y etéreo en algo sólido, en algo material... En este caso en las paredes de una pequeña habitación:

Los siempre magníficos Capaldi, Winwood y compañía parece ser que decidieron reaprovechar estas ideas para la ilustración exterior del álbum del 71 'The Low Spark Of High Heeled Boys':

Esta última muestra del especial es un variado en el que hay dos cuadros de Magritte que tipologicamente son muy similares -en ellos la aparición del mar y de figuras más o menos imaginarias flotando en el aire son lo central- y que en mi opinión pudieron generar o inspirar varioas portadas: La primera de estas pinturas se titula 'El Tiempo Amenazador' de 1928 y tiene alguna conexión con el diseño gráfico del discazo 'Tubular Bells' de Mike Oldfield en cuanto a la aparición y disposición central de un instrumento volandero...

... Pero también con esa orilla del mar tan encrespado que nos aparece en el cuadro 'El Castillo De Los Pirineos' del 59, si mis apuntes no fallan. Un cuadro que a su vez tiene vínculos con otro par de carpetas. En este caso con la del segundo disco de Wolfmother titulado 'Cosmic Egg' -por su forma ovalada-, y con la de un grupo que me encontré por Bandcamp llamado Dresden -que tiene una portada que combina la forma ovalada, el mar rugiente, lo extraño y lo críptico y casi paranormal del Tubular Bells y de Magritte-.

¡Se acabó lo que se daba!

Canciones magnéticas I - MU: The Band From The Lost Continent.

2011-06-14T15:51:00.005+02:00

Hace ya tiempo, creo que fue durante la temporada pasada, hablando con mis amigos de Los Sultanes del Swing sobre los gustos ocultistas de Jimi Page salió a la luz el nombre de una mítica civilización desaparecida: Mu.
La cosa se pudo quedar ahí, pero como este asunto siempre me llamó la atención -ahí tenemos ejemplos de ciudades y civilizaciones perdidas bajo las arenas y las aguas pero recuperadas para la Historia gracias a la Arqueología como la troyana o la minóica- y me considero un ser curioso por naturaleza, me puse a buscar información sobre esta supuesta civilización. Evidentemente me encontré muchos "frikis", con datos poco o nada fiables y con chorradas y tonterías como un templo de grandes que aquí no voy a reproducir, pero lo bueno de todo esto es que también me topé con algo inesperado...
Algo musical que ahora recupero porque me viene de lujo para iniciar una nueva sección en la que hablaré de esas canciones que tienen ese "algo" especial que no se puede describir con otra palabra que no sea la de "magnetismo".

Los protagonistas de hoy son Mu: La Banda Del Continente Perdido.

Mu fue uno de tantos grupos nacidos en el área de Los Ángeles, con unos miembros -muy "jipis" ellos- que estaban totalmente inmersos en el mundo esotérico, místico y sobre todo, altamente interesados en el conocimiento de las religiones del mundo y en el estudio de las antiguas culturas.
En otros casos esta parafernalia étnica y mísitica de la que se rodeaban muchos era simplemente una excusa de las buenas para probar drogas a tutiplén y meter mano a todas las mozas californianas que se dejaran y pusieran por medio en las comunas, pero en el caso que nos atañe, el estudio de estos temas no era un asunto baladí y marcó profundamente el desarrollo de la música de esta banda.

Además, detrás de MU hay una historia previa que indíca que no eran del todo unos desconocidos... En el maravilloso año de 1967, Merrel Fankhauser -un tipo peculiar, cantante, compositor, de todo un poco y cabecilla del invento- y Jeff Cotton -guitarrista que más tarde tocaría en la Captain Beefheart´s Magic Band- ya formaron una banda rara pero querida por los amantes de la psicodelia llamada Fapardokly. Ahora es un disco querido, pero en su día no tuvo mucho éxito, así que tres años después tuvieron que reinventarse bajo otro proyecto esta vez ya nombrado MU. En el 71 editaron un disco homónimo que contenía piezas de la categoría de "Nobody Wants To Shine", emitido con asiduidad en las radios angelinas y bien recibido por los oyentes, algo que siempre da vidilla a los artistas.

Dentro del delirio psicodélico colectivo que llevaban encima -hay que decir que estaban muy rayados- y con el pretexto de ahondar y continuar sus investigaciones sobre los paralelismos culturales que se apreciaban según ellos entre los pueblos nativos americanos y los de la Polinesia, decidieron en 1973 despedirse de la dorada California, echarse el hatillo al hombro y marchar hacia Hawái. ¡Tontos que eran los amigos! ¡Anda que decidieron ir a Teruel en pleno invierno para comprobar las posibles coincidencias entre los turolenses y los lapones!

Pero a parte de sus rollos pseudocientíficos por Maui, esta gente se dedicó a seguir preparando material nuevo, tocar y grabar.

Allá alejados de la metrópoli angelina, bajo un claro cielo azul y rodeados por un bravo océano Pacífico, por selva y por volcanes, este cúmulo de obsesiones tan variopintas y estrambóticas dio lugar al nacimiento en 1974 de un sonido muy ecléctico y muy vivo, contando para ello con la asistencia técnica de gente que trabajó para los Quicksilver Messenger Service. En canciones como la instrumental "Haleakala" o "I Saw Your Phopograph" se aunaron ingredientes tan dispares como el Folk, el Country y el Rock de raíz eminentemente americana, la libertad creativa del Jazz-Fusión y otras innumerables pinceladas más sutiles pero efectivas a más no poder como las reminiscencias orientales o esas exóticas trazas provenientes del folclore local y tradicional hawaiano...

Por todo ello, el resultado final es difícilmente comparable a otros artistas o bandas. Es cierto que se me ocurren un par de nombres pero no haría justicia, sería una aproximanción muy vaga -algo parecido a describir únicamente una pequeña parte del cuadro completo- y además es que si lo digo rompería la magia y el encanto.
Lo único de lo que no tengo dudas es que es una música con encanto, sugestiva y altamente recomendable.

De ellos hay un doble recopilatorio titulado "The Complete Maui Sessions" que contiene sus dos únicos trabajos más otras canciones de regalillo, ahí queda dicho.

Como lo mejor de todo esto es que lo escuchen y juzguen ustedes mismos, vamos a despedir ya a los chicos de MU como ellos se merecen, con una preciosa y cálida canción, inmersa en un evocador halo de misterio y que atrapa desde la primera escucha gracias a su magistral interpretación titulada "Blue Form":

Mi habitación: Entre lo fingido y lo real.

2011-06-12T23:47:00.005+02:00

Magritte y la Música:

2011-06-07T16:15:00.018+02:00

Hace un tiempo os conté que en mi extraña afición de rebuscar entre portadas feas y demás me encontré con el hecho de que había muchas otras -en este caso bonitas e interesantes- que tenían un vínculo muy fuerte con el sentido estético y las imagenes que creó y desarrolló el artista René Magritte y que un día, tarde o temprano, haría una pequeña recopilación de todo lo que me he ido encontrando en todos estos meses. Pues bien, hoy ha llegado el día y como lo prometido es deuda, ahí va este especial.
En esta primera mitad que nos ocupa hoy, iremos mostrando los cuadros que han servido como referencia básica para la creación de distintas portadas de discos, muchas veces reproducidas directamente sin apenas recreación o manipulación y ya en la segunda tanda -que pondré la semana que viene- mostraremos las portadas que tienen rasgos más sutiles e indirectos de las obras de Magritte.

Voy a empezar con la que es mi obra favorita de René: "La Reproducción Prohibida" de 1937. La primera vez que la vi me causó algo de terror y disgusto, ya que si nos ponemos a pensar, eso de mirarte al espejo y no poder observarte debe ser horrible y angustioso... Además, esta imagen me parece que es muy de cine japonés tipo The Ring y es que los juegos de espejos siempre han sido muy utilizados en esto del terror psicológico...
Este mismo año, en el 2011, Christopher Cross ha publicado un disco titulado 'Doctor Faith' en el que se sustituye al hombre del cuadro original por una rubia y así todo parece mucho más actualizado y ye-yé.

A continuación otra de mis favoritas de Magritte. En este caso se trata de una serie de cuadros que según tengo entendido realizó en la década de los 50 bajo el nombre de "El Imperio de las Luces". Unas escenas urbanas en las que el azul y blanco del cielo contrastaban con la rotunda oscuridad de los edificios, sólo rota y difuminada por la luz de las farolas y de los hogares.
Pues bien, esta idea fue utillizada por Jackson Browne para su disco del 74 'Late For the Sky', donde a este paisaje se le añade la aparición de un cochazo de esos americanos de los que ya no se hacen.

Del 53 es "Golconde", una de sus obras más reconocidas. Abajo está la reproducción del original, la versión que el grupo de Jazz-Rock Dreams hizo en 1970 para su primer disco donde los señores de negro con bombín típicos en Magritte eran sustituídos por los propios miembros de la banda, con sus greñas, afros y sus pintillas...
Después, haciendo memoria, vi cierta relación entre estos hombres levitando y la portada del disco de Muse 'Absolution', realizada por el veterano Storm Thorgerson -diseñador y miembro de Hipgnosis, grupo creativo que no se perdía ningún sarao y ninguna oportunidad para pintarrajear portadas y de los que hablaremos un poco más adelante también-.

Esta de aquí es una de las más claras incursiones de la pintura del belga en una carátula. Es una reproducción directa en la que únicamente cambia el rótulo del disco. Aunque todo el mundo la conoce como "La de la Manzana", en realidad esta obra original se titula "La Habitación de Escuchar" y es del 58. Apareció unos diez años después en el álbum de Jeff Beck 'Beck-Ola'. Un discazo por cierto.

Aquí tenemos la última muestra por hoy de un Magritte en el mundo de las portadas: La obra en cuestion es "Carta Blanca", del 65, e inspiró a la hora de realizar las ilustraciones de dos discos. El primero es 'Out Of The Woods' de una por mí hasta entonces desconocida banda de suave Jazz-Fusion llamada Oregón -podría relacionar esta portada con otras de René en la que aparecen instrumentos gigantes, pero creo que ya sería demasiado por hoy-. El segundo es de una banda más conocida, Styx, cuya portada del 'The Grand Illusion' es una reinvención llevada a cabo por uno de los equipos creativos más queridos y solicitados en la Historia del diseño gráfico: Hipgnosis, seguro que os suenan por sus trabajos con Led Zeppelin, Pink Floyd,...

Y eso es todo por hoy ¡Hasta la semana que viene!

Doctor ¿me estoy haciendo Jevi?

2011-06-06T13:28:00.001+02:00

Siempre me han dado reparo esas permanentes de señora, los pantalones de pitillo, los cuernos por aquí, los cinturones hechos con balas, los parches de calaveras o monstruos cutres, y esas feísimas guitarras tan picudas de colores fosforitos.

Siempre me han dado reparo los grupos que tienen nombres como “necronosequé” y que parecen haber recurrido a un libro de medicina y enfermedades contagiosas para ello, los cuernos por allá, las muñequeras de pinchos y las chupas de cuero con chapas o los rebordes de los mecheros por todos lados.

Y es que siempre me ha dado reparo el Heavy Metal como tal. Ese "Jevi ochentero" que me suena a Rock sintético, esa iconografía oscura y tenebrosa a veces un tanto chusca y esos falsetes o voces guturales sin sentido alguno.

La Abuela Ángeles, todo un símbolo.

Desde que tengo uso de razón me ha gustado la música que surgió en los 70. Y personalmente entiendo esta década como la opuesta a los 80 –más allá de lo musical, también hubo cambios sociales, culturales y tecnológicos que hicieron que la ruptura fuera clara y notoria en todos los ámbitos-.

Todo el mundo reconoce que el germen del Heavy tiene varios focos de expansión: entre ellos están ese cortante y desafiante riff de Dave Davies en el "You Really Got Me", el BRUTAL sonido de los hippies cavernícolas Blue Cheer y las impagables aportaciones de los reconocidísimos padres del Metal Black Sabbath y Deep Purple. Hay más antecedentes, claro que sí, pero lo que es innegable es que todos ellos nos dejaron una música que todavía bebía de la tradición del Rock and Roll clásico, del Blues-Rock y del Hard-Rock, era una evolución natural y pausada. No sé cómo describirlo, pero era otro rollo distinto a lo que vino una década después.
Así, aparecieron bandas como Budgie, U.F.O o los primerizos Judas Priest que suenan de lujo pero que tienen un sonido que poco a poco fue evolucionando hacia posturas más agresivas, ritmos más acelerados y masas confusas de guitarras que ya no van tanto conmigo… Es como si se hubiera perdido gran parte de esa sensibilidad y sentimiento original.

Lo que no sabía y he leído hace poco es que la razón de esta contundencia y aceleración creciente de lo que era el Hard-Rock para convertirse en Heavy se debe al Punk, ya que estos cambios fueron como una especie de reacción o contagio con este género que revolucionó el mundillo de la música…

A mediados y finales de década es evidente que siguieron apareciendo bandas geniales, pero veo que casi sin darme cuenta me voy acercando peligrosamente a los 80, a las mallas y las J´Hayber de cordones gordotes y es que me entra un nosequé por el cuerpecito que no lo puedo remediar.
No tengo nada contra los jevis, es más, tengo amigos a los que les gusta el tema y son geniales, pero hay algo dentro de mi que es que me puede...

Para que vean cómo está siendo esta temible progresión metalera que me atormenta, ahí van algunos datos:

El primer caso empezó cuando todavía estaba en la facultad de Historia con algo nacional: el 'Volumen Brutal' de Barón Rojo. Pese a las reticencias iniciales me lo pillé ante la recomendación de un buen amigo. Lo cierto es que antes me estuve informando, y al ver que para este disco los hermanos de Castro y compañía contaron con la colaboración del estudio de Ian Gillan, y de gente como Mel Collins y Colin Towns a los instrumentos entendí que eso no podía sonar mal. Y acerté de pleno. Disfrutable al 100%. Me encantó. ¡Mi rollo es el Rock! Como bien decían en sus letras.

El segundo paso que di fue con Judas Priest y su 'Sin After Sin' del 77. ¡Joder qué voz la de Rob! Y aunque musicalmente ya empezaban a desligarse de la vena Blues-Rock setentera para hacer algo más maquinal, más metálico y también empezaron a dejar de vestir normal para ponerse cueros brillantes de “rebelde motero” que me da bastante repelús, todavía conservaban ciertos rasgos que me flipan bastante. Lo que hicieran en adelante no me interesa mucho, ¿de momento…?

El tercer caso en el que me percaté que la cosa podía ser grave es cuando me desperté con unos cuantos discos de Motörhead en la habitación. Pero aquí creo que me salvo, ya que tengo entendido que Lemmy se considera Rockero de pura cepa y que si le vienes con el cuento de que es uno de los abanderados de Heavy es capaz de romper una botella de Bourbon -después de bebérsela, claro está- y a lo Saloon del Oeste empezar una trifulca y liarse a hostias contigo por tío lila.
Yo estoy con él. Cuando lo escucho veo a un tipo haciendo simple y llanamente R´n´R. Un poco más basto que los demás, pero R´n´R al fin de cuentas.

Y ya para finalizar el último caso de “Jeviosis Aguda” ha sido con Saxon. Un día probando por ahí leí que esta gente era la caña de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico clásico. A mi ese adjetivo de “clásico” me llamó la atención, así que a por ellos que lancé. Me pillé la reedición del 'Wheels of Steel' y lo mismo de antes. Vale, es Heavy, pero no veo rasgo ninguno de tooodos esos clichés y tópicos horripilantes que hacen que me eche para atrás. Muy al contrario: tienen un ritmo clasicote imparable, unas guitarras que cuando se tienen que convertir en un muro de acordes lo hacen a la perfección y cuando tiene que salir un solo heróico de los de antes -algo que ahora se hecha en falta- pues también. Y además de potencia tenían melodías geniales como la de “747 (Strangers In The Night)”. Perfectos.

Pero no os dejéis engañar, que aunque luego ya de los 90 en adelante la cosa cambia y cedo un poco ¡porque hay cosas de Megadeth y de Iommi con Dio que son la releche! la aversión, la fobia y el miedo a caer en las garras estéticas y sonoras del Heavy ochentero siguen ahí, latentes.

Siento tener que contar aquí en público mis debilidades e inquietudes vitales y musicales, pero es que los loqueros salen un poco caros… ¿Vosotros qué creéis? ¿Son cosas mías? ¿Son estas las reacciones o los síntomas de alguien que está entrando en fase “Jevi”? ¿Qué debo hacer: seguir fuerte o dejarme llevar?

Hay tantas preguntas y yo mientras dejándome crecer el pelo de nuevo…