Leño: "Corre, Corre".

Portada de Leño realizada con acuarela, aguada, tinta de todo tipo (pilot, rotulador, edding, tinta china negra y blanca), carboncillo, lapiceros blandos, duros y un toque especial de Paint.

Beachwood Sparks:

El primer álbum de esta extinta o no -nunca se sabe con esta banda angelina-. es todo un manifiesto de Música Americana: todas las composiciones respiran Country, Folk, Rock y unas cuantas gotitas de Psicodelia que son proyectadas hacia nuestros oídos, con toda honestidad y sin ningún tipo de miramientos desde ese lugar que se viene a llamar Indie.

Si estas primeras, vagas y aburridas líneas sobre etiquetas y demás estupideces no os han convencido, entonces es que moláis.

Por lo tanto y para hacer una entrada común -o más bien canónica, que queda mejor-, ahora iniciaré el siguiente y socorrido paso para vender un disco, que es el de la comparación con grandes grupos o artistas...
Para ello, soltaré unos cuantos anzuelos de los buenos para que piquéis y los escuchéis: entre las 14 pistas que conforman el disco, se nos aparecen destellos de los Byrds o los Flying Burrito Bros en canciones como “You Take The Gold” y “Sister Rose” gracias a esas guitarras tan cantarinas y a esos aires campestres y rústicos que tanto nos gustan a todos, así como reflejos de los siempre necesarios y ácidos Grateful Dead en "The Calming Seas", “Sun Surrounds Me” o en…
Bueno, en todas. Para qué seguir con las relaciones y comparaciones si ya vemos por dónde van los tiros ¿verdad?. Todas las creaciones de esta banda tienen ese sabor americano del bueno. Pero eso sí, siempre con el sello BS: delicadeza Pop, nervio y tensión cuando es necesario, y respeto y cariño a los clásicos de toda la vida, tal y como demuestran en esta “Something I Don´t Recognize”:


Como dije antes, un gran manifiesto.

Ahora me despido con "By Your Side", la logradísima y personal recreación que estos muchachos hicieron para su segundo disco Once We Were Trees de la conocida canción de Sade:


Esta gente es “asín”…

Sin saber que título poner a este dibujo:

He aquí un dibujo bastante raro y eso que lo hago yo -no sé lo que es, de qué sexo es, si lo tiene o si le importa a alguien-. Pero sí que es de color pelirrojo y que viste de forma desfasada, pues sus hombreras ochenteras hace tiempo que se descatalogaron...

Realizado con tintas de rotulador de punta fina, pluma y pincel, acuarelas, algún lapicero de color, ordenador y carboncillos.

Colour Haze - Gloria Bendita:

Otra de cal y otra de arena...
Si las dos últimas entradas de este blog se caracterizaron por sus suaves tonos pastel y por representar el lado más clasicote y luminoso de la vida, la de hoy va -más o menos- por otros derroteros.
Y digo más o menos porque hace mucho tiempo que no veo y escucho a una banda que sepa manejar el ritmo, la tensión y los ambientes tan bien como lo hace Colour Haze.
Estos muniqueses son todos unos maestros en el arte de los requiebros musicales, unos maestros virando y retorciéndose sin ningún problema por los escenarios más sutiles, elegantes y Jazzies -recordándonos en varios momentos al volátil temazo "Planet Caravan" de Tony Iommi-, para al final caer en los terrenos más sombríos, turbios y arenosos propios del Stoner Rock.

Colour Haze es una banda con bastante reputación en el circuito independiente europeo que actualmente pertenece a la maravillosa escudería Elektrohasch Records y que a día de hoy está formada por el guitarrista y cantante Stefan Koglek, el baterista Manfred Merwald y el bajista Philipp Rasthofer. A mediados de los 90 iniciaron juntos el camino y poco a poco han logrado hacerse un nombre y tener un puesto de honor en el mundo del Stoner Rock gracias a su distintivo sonido junto a bandas como Hypnos 69, Causa Sui o Motorpsycho. Sin olvidarnos de los siempre citados referentes básicos de este género: Black Sabbath, Blue Cheer, Cream, The Jimi Hendrix Experience,...


A lo largo de discos como Chopping Machine de 1995 y el último del que tengo noticias All de 2008, Colour Haze ha logrado confeccionar una más que interesante discografía con la que acuñar un sonido realmente único dentro de esta escena tendente a caer en clichés, en el que la guitarra de Stefan se desenvuelve con una soltura impropia y poco común. Una guitarra rica en matices que bascula sin ningún problema de los tonos graves y pesados a un dinamismo brillante y pleno de colorido.

Pero no sólo de Stephan y su guitarra vive Colour Haze, pues Manfred y Philipp, baterista y bajista respectivamente son una parte vital de CH, formando el dúo responsable de concebir y proyectar -para nuestra felicidad- un mundo plástico, ardiente y palpitante. Son la sección rítmica que todo el mundo querría para sí, el corazón y el motor del Rock.

Como resultado, en mitad de la confrontación de estos dos universos, esta tensión lo que suele generar es un poderoso e imaginativo torbellino eléctrico en el que las jams e improvisaciones están a la orden del día...

Aquí tenemos a Colour Haze en pleno recital durante el DunaJam -un festival que debe ser una experiencia única-.

Como ya he escrito un poco, vamos a escuchar una pieza perteneciente a su noveno disco de estudio All. Este fue el primero que llegó a mis oídos, y no se marchó jamás de allí. En "Moon" tras el repiqueteo inicial destaca por el tratamiento que Stephan da a su voz, que puede modular de más grave -sin caer en lo gutural o desagradable- a un nivel más agudo en falsete que entronca directamente con la garganta del maravilloso Jack Bruce, todo ello acompañado de unos Manfred y Philipp. siempre vibrantes y atronadores:


Y para despedir por todo lo alto a Colour Haze, voy a poner una joya de esas que te hacen dar gracias al Señor por haberte dado dos orejas con sus correspondientes oídos. "Love" es una sublime e hipnótica pieza incluída en el homónimo y séptimo album que editó la banda en 2004. Rodeada de mastodónticas piezas como “Tao Nº43” o “Peace Brothers and Sisters!”, "Love" descolla por encima de todas por la maestría de su composición, que parece diseñada para atraerte ya en los primeros compases con la dulzura de la guitarra y la sinuosa elegancia de la línea de bajos, para poco a poco engatusarte, dejar que caigas en su red sin a penas darte cuenta, y cuando ya no te puedas echar para atrás y huir, atraparte con fuerza e introducirte en su potentísimo, onírico y fascinante mundo.
Sensibilidad y dureza. Un puño de terciopelo...
Aquí les tenemos en directo:


Gloria Bendita.

Mirada de diva:

Esa mirada que te dice algo así como "no eres nada, no significas nada para mí"...

Un islote perdido del R´n´R americano: Jimmy Soul

A petición de una amiga, hoy tenemos el placer de hablar un ratillo de un Sr. llamado Jimmy Soul. la verdad sea dicha, si mi amiga me hubiera pedido hablar de talentos musicales como Chayanne, Carlos Baute o cualquier otra luminaria musical de esa calaña lo más probable es que hubiera dicho que nanai, pero como me sorprendió gratamente con eso de que si podía tratar la figura de este artista -aunque se deba gracias a un anuncio de televisión- y además creo que no he tocado mucho el mundo oldie, pues acepté la propuesta.
Así que la entrada de hoy va sobre Jimmy Soul: todo un islote perdido del R´n´R americano.

Nacido con el nombre real de James McCleese en el estado de Carolina del Norte, Jimmy, como muchos otros niños negros, se inició en el mundo de la música a través de los cancioneros espirituales y religiosos, participando en distintos grupos locales de Gospel en los que actuaba bajo un nombre artístico que ya daba a entender lo espectacular de su voz y de su presencia en escena: Wonder Boy.
Tras estos primeros pasos de juventud del Chico Maravilla, el destino quiso que durante su camino se encontrara con Frank Guida, un avispadísimo productor musical de origen italiano que se convertiría en un apoyo decisivo a la hora de impulsar la carrera de Jimmy, y además sería el responsable entre otras cosas de crear un sonido personal y muy accesible –gracias a una sabia y exuberante mezcla de Pop, Du Duá, Twist y la algarabía del Rock- que se convertiría poco tiempo después en una gran influencia para otro genio de la producción, esta vez más conocido: el loco de Phil Spector.

Como curiosidad para los amantes de la Historia y de las anécdotas musicales, entre las compañías musicales que dirigió Frank Guida, hubo una discográfica subsidiaria que recibió el nombre de SPQR... Ahí lo dejo:)

Retomando de nuevo la figura de Jimmy Soul, éste -siempre junto a Guida dirigiendo sus pasos artísticos- publicó un par de singles. El primer sencillo de debut salió a las tiendas en 1962 y alcanzó un puesto considerable en las listas de ventas de R´n´ B. El tema en cuestión recibió el título de "Twistin´ Matilda":


Al año siguiente fue lanzado "If You Wanna Be Happy":


Una canción basada en un Calipso caribeño le otorgó su primer y mayor éxito, su primer número 1... Pero también el último triunfo que vería en su carrera. El hecho es que este tema superó con creces las expectativas creadas en torno a Jimmy Soul dentro de su compañía y de los circuitos musicales del momento, algo que a la larga acabaría siendo nefasto para nuestro protagonista. Tras poner el listón tan arriba, Jimmy intentó de nuevo repetir la fórmula del éxito con canciones como "Treat Em Tough" o "When Matilda Comes Back" pero la gallina de los huevos de oro desapareció para siempre, y con ella la carrera artística de Jimmy… :


Otro "One Hit Wonder" que debe ser recordado.

Sonidos Otoñales: Final Fantasy - Owen Pallett:

Supongo que a muchos de vosotros os pasará lo mismo, que hay ciertos discos o canciones que se os quedan en la mente y en el corazón, marcados con fuerza junto a la época y momento concreto en que lo escuchásteis...

Discos que traen recuerdos cálidos, entrañables y de actividad festiva incesante cuando lo oímos en esos días de verano que ya se nos están escapando entre los dedos de las manos; o discos que nos evocan todo lo contrario, sensaciones de frío y oscuridad invernal.

Pero es en el punto intermedio donde mejor me encuentro, en esos días de transición otoñal en los que el insoportable calor va dando paso a un apacible frescor hasta que este último se impone por norma y no tenemos más que hacer que escuchar discos y más discos, arropados con una buena manta y a cobijo de los cielos encapotados mientras la lluvia golpea los ventanales... Ese es mi momento favorito.

Hay varios álbumes que me han dejado en el ánimo esa reconfortante huella: Reveal de REM, After The Gold Rush de Neil Young, Kind Of Blue de Miles Davis o The Year Of The Cat de Al Stewart entre otros muchos.

El último de ellos es Has A Good Home de Final Fantasy: el personalísimo proyecto musical que el violinista, compositor, cantante, multiinstrumentista y chico para todo Owen Pallet realizó en 2005 para goce y disfrute de todo el mundo.
No tenía referencias de este canadiense, pero resulta que es un tipo bastante importante o solicitado por parte de otras bandas y artistas. Por ejemplo, es más conocido por ser colaborador de los exitosos Arcade Fire -encargándose de los arreglos de cuerda de varios de sus trabajos como Funeral- y por realizar la misma tarea para el dúo británico The Last Shadow Puppets.
Pues bien, bajo el nombre de Final Fantasy, Pallet desarrolla un sonido atípico para lo que últimamente se estaban acostumbrando mis orejas, un sonido caracterizado por el dominio absoluto de instrumentos acústicos -violín, viola, violonchelo, piano, presencia testimonial de percusión...- ejecutados con un tratamiento sobrio pero trabajado y elegante.
En cuanto al asunto de qué tipo de música hace... Pues la verdad es que no sé qué decir... Si recopilo todos los elementos importantes o destacados de este trabajo me saldría algo así como "Música Independiente Experimental Con Toques Exquisitos De Pop Barroco Y Sofisticada Imaginería Fantástica". ¿? Todo esto suena raro, lo sé, así que será mejor que lo escuchéis un poco:

"CN Tower Belongs to the Dead" es el primer tema con el que me introduje en el mundo Final Fantasy. Fue en Youtube donde encontré este vídeo en el que Owen Pallett hace maravillas con el violín y con los efectos de pedal. Él solo se sirve y se basta para desarrollar esta épica y estremecedora composición:


"This is the Dream Of Win and Regine" es la segunda pista que más me atrae del álbum. En esta ocasión lo traemos en estudio y en videoclip. Más Pop y accesible a los oídos, me parece que resume a la perfección el sonido dulce, mágico y tenue de este artista:


Ya tengo una banda sonora ideal para mi otoño.

The Man-Thing:

The Man Thing o El Hombre Cosa de Marvel, que competía y compite con The Swamp Thing o Cosa del Pantano de la DC, es uno de mis personajes favoritos en esto del mundo del cómic.

Man-Thing forma parte del baúl de esos personajes "distintos y raros" de Marvel, figuras que se caracterizan por carecer de los atributos clásicos que todo superhéroe suele lucir siempre - el típico guaperas misterioso y atrayente...- Por contra, esta retahíla de seres suele destacar por su marginalidad y oscuridad, relegados a un plano muy secundario respecto a las estrellas del papel y tinta que todos conocemos, pero hay veces en que se da la vuelta a la tortilla y coincidiendo con la unión en perfecto matrimonio del cine y el cómic, personajes de este tipo como el Motorista Fantasma, el Hombre Cosa y sobre todo Blade dieron bastante dinero a la compañía y reputación a esta clase inferior de personajes. Con mayor o menor éxito, eso sí, que hay cada castaña por ahí suelta...

La historieta que hay entre estas dos creaciones no me la sé del todo, pero creo que estos personajes -Man y Swamp Thing- fueron creados por dos dibujantes que eran amigos, vivían en la misma casa... y, por decirlo de alguna forma elegante, se "influenciaron" el uno al otro. El parecido es más que evidente ¿no?



El argumento va de un científico que perseguido por unos matones que quieren la fórmula de un experimento suyo, se inyecta el suero y acaba muriendo estrellado en un pantano, resurgiendo convertido en un extraño ser en estado vegetativo que carece de conciencia, de sentimientos, de todo... pero que tenía el "poder" de proyectar las peores pesadillas, temores y traumas a las personas que tocaba, ardiendo por ello si sentían miedo u horror por los actos cometidos, pecados o sentimientos negativos que tuvieran...
Man Thing se convertía en algo así como un Juez involuntario.

Con todo esto, progresivamente la historia fue alcanzando tintes "más profundos": tratando temas y cuestines casi filosóficas como el Nexo de Todas las Realidades, los conceptos del bien y del mal, sentido de culpabilidad, trascendencia... alcanzando ya un tono más sobrenatural y extraño si cabe en la etapa que tenía a J.M. de Matteis al cargo de los guiones y a Liam Sharp -uno de mis dibujantes favoritos, especial- en la mesa de dibujo. Sobra decir que este tándem creativo duró muy pocos números, cerrando la serie pese a la calidad del trabajo realizado.

Man Thing ha tenido hasta película propia, bastante malota por cierto, en la que nuestro protagonista -el único atractivo que tiene el film- sale muy poco debido a que su presencia requería efectos especiales de nivel y el presupuesto no daba para mucho, la verdad. A los que le guste el cómic sí les hará un poco de gracia la peli por el hecho de ver al bicho en movimiento y con vida, pero a los que no, que ni se molesten. Avisados quedan...

Eso sí, quien lo lea en papel, se lo pasará de lujo.

Una Joyita: Imán, Califato Independiente.

Tras su curiosa portada de estilo puntillista, esta obra de Imán publicada en el 78 esconde algo más de lo que se conoce como el "típico Rock Andaluz". Es este un trabajo de verdadero Rock Sinfónico, peculiar, profundo y totalmente alejado de ciertos clichés y lugares comunes en los que solía caer de forma recurrente esta corriente musical.

Fue grabado en los prestigiosos estudios Kirios bajo la producción de Teddy Bautista -cuando era un gran y respetabilísimo artista-. Esta formación era de total confianza por la calidad de sus miembros, pues constaba de gente como el bajista Iñaki Egaña -reputado músico natural de Portugalete que colaboró con los legendarios Barrabás-, el baterista Kiko Guerrero, Marcos Mantero a los diversos teclados y sintetizadores -Arp 2600, piano acústico, Farfisa Syntorchestra, Mini Moog, Mellotron y todo lo que os imaginéis- y el ex Gong Manuel Rodríguez a las guitarras.

Para nuetro interés, la estructura de este disco fue la siguiente:
Mientras la primera cara del plástico está ocupada por el "Taranto Del Califato Independiente". más de 20 minutos de creatividad instrumental e interpretativa dividida en una serie de movimientos como "Paseo Por La Plaza" y "Cuarto Menguante"; la segunda se inicia con "Darshan", un ejercicio en el que el juego entre el teclado de Marcos Mantero y la guitarra eléctrica de Manuel Rodríguez nos recuerda a las encarnizadas luchas que mantenían Duane y Dickey Betts, los dos titanes guitarreros de la Allman Brothers Band:


El vinilo se cerraba con "Cerro Alegre" y "Canción de la Oruga". Última y única composición que cuenta con la presencia de letra. Eso sí, impregnada de un bello y críptico carácter onírico, mágico:


En fin, un álbum a escuchar por todo aquél que quiera profundizar más en lo que se hacía por estos lares en los 70...

Phil Lynott:

Un dibujo y un baladón del ARTISTA:

Burning - Madrid:

Esta banda y su disco del 78 son una de las cumbres del Rock en español, castellano o como ustedes quieran.
Tomando como referencia a los Rolling adoptaron ese sonido, esa actitud y forma de ver la vida tan propia de Keith, Mick y compañía y lo trasplantaron con éxito en nuestro país, mezclándolo como se aprecia en la escucha con el deje castizo tan guapete...
Pero a lo que vamos, Madrid es un clásico donde el Rock todavía de reminiscencias progresivas -como en la canción "Sin Tiempo Para Vivir"- va a dejar paso a un sonido más descarnado, granuja o Stones en temas como "Miéntelas", la que da título al disco, o "Rock And Roll Mama" en cuyo estribillo aparece esto:

"...Cuando Dios hizo la noche / Sabía bien lo que se hacía / Estaba escuchando un Rock´n´Roll..."

Nos despedimos con dos cosas de Burning. La primera es una actuación en directo en Barcelona de "Madrid", tema que nos muestra una visión crítica, ácida y a la vez entrañable de esta ciudad. Los Madriles tiene el poder de generar en las personas estos dos sentimientos tan contrapuestos...

La segunda es "Sin Tiempo Para Vivir", corte de largo y trabajado desarrollo con el que cerraron este trabajo y que es de un dramatismo y lirismo superior:

Aquí estoy...

...con el pie en alto, esperando en la estación de Lugo a que llegue el autobús que me ha de devolver a mi querida Alcalá de Henares.

La verdad es que aunque el Camino haya quedado inconcluso -una marrrrdita tendinitis ha sido la responsable de ello- y por tanto con una fina pátina de dolor y pena, en general esta historia ha resultado realmente gratificante por varios motivos -si conocéis alguno más me lo decís va? que es que estoy un poco noqueado-:

El primero de ellos es que esto de tener en tu mochila lo básico te hace aprender a vivir sin tantos adornos y objetos en el fondo inútiles y totalmente prescindibles. Tras esto, mi habitación va a sufrir una limpieza de trastos inservibles de los que hace una semana consideraba necesarios.
El segundo es que sirve para descubrir, afirmar o reafirmar la autonomía de la persona: si haces el Camino del Santi, puedes hacer lo que te propongas, en serio.
Y el tercero y sobretodo más importante es el de aprender a comportarse en sociedad, a convivir en grupo y a respetar a todo el mundo. La verdad es que el Camino muestra las miserias y las glorias de todos y cada uno de nosotros, para bien y para mal. Es algo así como un test infalible para conocer a las personas...

Y ahí es donde quiero llegar a parar. Por umbrías sendas, veredas frondosas e incontables cuestas hacia arriba y abajo, he tenido la real suerte de encontrarme con gente maravillosa. Gente distinta del todo a mí. Diametralmente opuesta, sí, pero que a la vez me ha parecido ser perfecta, complementaria y necesaria en la vida. No voy a dar nombres porque ellos ya saben quiénes son...
En fin, que a mi parecer lo más bonito y significativo del Camino del Santi es el mismo camino. Por lo menos es lo que a mi siempre más me ha marcado y llegado al corazón.

Arranca el motor del bus.

Nudo en la garganta...

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Peeero como esto no puede quedar así de tristón, vamos allá con un poquito de música de un grupo que me dio a conocer una amiga:

Puede ser algo así como un dragón rosa estornudando sangre mientras toma el fresco en la superficie lunar...

... lo que he hecho de forma inconsciente con tintas, acuarelas y un ordenador.

Y ahora me despido momentáneamente de vosotros con un gran saludo a todos los que se han pasado por este blog.

Jabu Khanyile:

Quien más y quien menos, con esto del Mundial de fútbol ha escuchado algo de música africana -concretamente surafricana- y la verdad es que a nuestro país estos sonidos llegan bastante difusos y tamizados por "lo folclórico" en el mal sentido de la palabra, tal y como ocurre con otros países incluído España. Por ejemplo, si a un guiri le preguntas por la música popular de aquí, lo más fácil es que te responda alegremente con un ¡olé! mientra da palmas sin ritmo y espera a que te arranques con un zapateao... Y como eso molesta, pues vamos a hablar un poco de uno de los artistas que más me gustan de Suráfrica, el desaparecido Jabu Khanyile.

A este señor me lo encontré en una de las tiendas de discos más míticas de mi ciudad, Discos Pinocha. Un establecimiento que en su día según cuenta mi padre y sus amigos, fue lugar de reunión de los amantes de la buena música. La verdad es que yo ya no me lo encontré en su momento cumbre: se había empezado a recortar la venta de discos nuevos y tiraba más de la segunda mano, y aunque la sección de vinilos viejos molaba un huevo, la mitad de la tienda se había convertido en un espacio de venta de artesanía tribal, de abalorios, de incienso y de productos de comercio justo... Sobra decir que esta tienda ya no existe.

Por aquél tiempo, nada más salir del instituto me dio por escuchar entre otros programas de radio uno llamado Diálogos Tres, dirigido por un tipo peculiar pero que sabía un poco de estas músicas. Un programa maravilloso -con sus cosas a mejorar como casi todos- que te trasladaba en un santiamén de las estepas de Mongolia a los Balcanes, pasando por cualquier otro sitio del Globo que nos podamos imaginar... Con él aprendí y conocí a artistas como la griega Elefteria Arvanitaki, a la tropa de armenios liderada por Arto Tunçboyaciyan, Ara Dinkjan o Haig Yazdjian y a africanos como Jabu Khanyile.
Gracias por ello.

Nacido en la humilde Soweto, Jabu encarna a la perfección la música de ese país, formada por el cruce entre sonidos provenientes de los distintos rincones del mundo: su formación musical como multiinstrumentista, su interés por el afro-beat, el jazz, el reggae, los matices pop de occidente y cómo no, por la música tradicional y popular de África.
Poco a poco fue adquiriendo cierto reconocimiento internacional, aunque siempre un poco a la sombra de otras superestrellas africanas como Youssou N´Dour o Angelique Kidjo.

Pues bien, entre las novedades que traía esta tienda había mucho material de las llamadas "Músicas del Mundo" y de la discográfica especializada Resistencia, algo muy arriesgado pero que tenía su público. Ahí me topé con Jabu y la colorista portada del que era su sexto trabajo: Umbele. Tras pagar por él dosmilypicopelascasiparatres -era un tiempo de bonanza económica y yo un joven inconsciente-, me lo puse en casa y descubrí un nuevo paisaje sonoro donde predominaba una música vitalista, profunda y sincera.
Umbele se editó aquí en el 2001 y entre sus 9 composiciones destacan varios cortes:

El primero es el que da nombre al disco, "Umbele", donde por decirlo de alguna forma, es de los más tribales o "folclóricos" del álbum. El apoyo vocal femenino de Khululiwe Sithole y Deborah Frazer y la utilizacion del saxofón de Lemi Special Mabaso le da un color único a esta canción:

"Undoso (nombre de varón africano)" es uno de esos temas que son el ejemplo perfecto de la música surafricana por aquello de la unión de varios mundos: se abre de forma tradicional con el sonido de una kora -un instrumento africano que cuando alguien lo toca bien pone la piel de gallina-, pero de forma súbita rompe con un ritmo entre bailable y Café del Mar cortesía de Isaac Mtshali a la batería y Jabu S´Bumbe al bajo eléctrico. La voz de Jabu Khanyile cantando en inglés y en zulú es así, no es de las más virtuosas y tampoco es una voz negra típica y tópica -áspera o cavernosa-, pero sí es de las más suaves y expresivas que he escuchado:


La guitarra de Johnny Chonko suena al inicio de "Amagoduka (Emigrantes)" y nos muestra la cara más reflexiva, melancólica y serena de la música africana, aunque siempre sea rítmica y percusiva. Los arreglos de Mthandeni Mvelase en los teclados y en el conjunto del tema sirven a la perfección para manifestar esta sensibilidad. No entiendo nada de la lengua zulú, pero creo que la temática tiene relación con la personalidad de Jabu Khanyile, reconocido por su concepción panafricanista -con la intención de erradicar los conflictos entre los pueblos africanos-, así como por su lucha -con la música y el arte siempre- por el reconocimiento de los derechos de los negros. Tengamos en cuenta el peculiar y triste contexto sociopolítico surafricano en el que se crió y formó Jabu...:


"Amanazareth (Iglesia)" es la penúltima pista del disco, que luce unos ritmos programados y unos teclados realizados por Thapelo Khomo -productor de todo el trabajo y además compositor junto a Jabu de gran parte de los temas-. En este, la base rítmica se une perfectamente a las melodías trazadas por el saxofón y a la riqueza y exuberancia que aporta el coro a cinco voces, rememorando la tradicional música "mbube" de canciones vocales a capella entonadas con fuerza en alta voz:


Buscando por ahí he encontrado que mbube significa León…

... Una palabra que encaja a la perfección y da sentido a la obra de este artista.

Electric Wizard:

Si en la última entrada hablamos de Nick Drake, uno de los máximos representantes en eso de la música mansa y etérea, hoy damos un giro de 180º y no tenemos ningún reparo en acercarnos a Electric Wizard, dignos herederos de los lúgubres e insanos sonidos que con tanto gusto nos brindaron Black Sabbath.

Por tanto, este grupo inglés, Electric Wizard, practica lo que los críticos vienen a llamar Doom metal o Stoner Rock. Unos géneros que no me voy a detener a explicar porque no lo haría del todo bien, no es el momento y tampoco tengo muchas ganas, para eso está Wikipedia.

Lo cierto es que estos sonidos, siempre y cuando mantengan esa natural conexión con el Hard Rock setentero –de donde en realidad proceden-, me interesan y mucho.
En estos últimos meses he estado escuchando varios grupos de estas corrientes, y evitando nombrar algunos por sus temáticas supuestamente satánicas y excesivamente negativas –es una cuestión personal-, o por lo soporífero y cargante de algunos de ellos –mantener una nota o un acorde media hora es aburrido lo mires por donde lo mires-, creo que merece la pena destacar a unos cuantos, por si la gente se interesa:
A la cabeza estaría Saint Vitus, que se supone que son los pioneros en el nuevo estilo ya en los ochenta y la verdad es que los dos primeros álbumes suenan de lujo.
También sobresale Earth, banda que practica un Stoner lento y repetitivo que los entendidos llaman drone, pero cuya escucha atenta de los temas nos muestra en global una música de gran experimentación, complejidad y calidad, creadora mundos insólitos.
Un disco recomendado de éstos es “The Bees Made Honey In The Lion Skull”.

Hay muchas otras que merecen ser escuchadas como Colour Haze o Witchcraft, pero los más conocidos son Sleep, Kyuss, Fu Manchu y QOTSA –aunque estos han diversificado su campo de sonido más hacia lo comercial, aunque sigue siendo muy bueno-.

Bien, estábamos con Electric Wizard… Creo que este es de los grupos de Doom-Stoner que todavía siguen manteniendo esas reminiscencias y ese vínculo con lo clásico que los hace auténticos de veras, aunque sin convertirse en meras copias de lo ya hecho con anterioridad.
Formados a inicios de los 90 en la nublada, oscura y tristona Inglaterra, su primer disco como tal fue publicado en 1995 y ya nos dejaba ver una serie de rasgos que les harían reconocibles: esa voz tratada pero no gutural y los riffs contundentes, pero todavía los desarrollos de sus canciones eran cortos –la más duradera alcanzaba “sólo” los 9 minutos-. Como buenos amantes de la ciencia ficción, de la literatura de misterio y del cine de terror de serie B, una de las curiosidades en los discos de estos chicos es la introducción de breves fragmentos de diálogos de estas películas en sus canciones, consiguiendo un efecto bastante guapo. De este debut, mi favorita sería la onírica y humeante instrumental “Mountains Of Mars”, estupenda:


Come Here My Fanatics sería su segundo trabajo, que se caracterizaría por mostrar otra de las marcas de identidad de esta gran banda: la potencia de su sección rítmica, el gran trabajo realizado en cuanto a las implacables y mortales líneas de bajo, y el intimidador maremagno de guitarras. Como ejemplo: “Son Of Nothingness”:


En 2000 salió a las tiendas su tercer y para muchos mejor álbum: Dopethrone. La verdad es que es una de sus obras más equilibradas y “más limpias” en cuanto al sonido, con temazos como el que da nombre al disco, “Funeralopolis”, o este “Barbarian”:


Con sus siguientes obras, Let Us Prey -2002-, We Live -2004- y Witchcult Today -2007- abandonaron en cierta medida la rigidez o los cánones establecidos hasta entonces para introducir experimentaciones con la electrónica, nuevos matices e incluso aumentar la velocidad de las canciones… Algo que parece un sacrilegio en esto del Doom y el Stoner, tal y como demuestran en este “The Living Dead At Manchester Morgue”:


Espero que este resumen de Doom-Stoner ejemplificado en Electric Wizard sirva para que alguien se interese en estas músicas, aunque sin abusar:)

Nick Drake: dibujo y canción:

"Things Behind The Sun", de su tercer y último álbum en vida Pink Moon, 1972:


"Please beware of them that stare
They'll only smile to see you while
Your time away
And once you've seen what they have been
To win the earth just won't seem worth
Your night or your day
Who'll hear what I say.
Look around you find the ground
Is not so far from where you are
Don´t too wise
For down below they never grow
They're always tired and charms are hired
From out of their eyes
Never surprise.

Take your time and you'll be fine
And say a prayer for people there
Who live on the floor
And if you see what's meant to be
Don't name the day or try to say
It happened before.

Don't be shy you learn to fly
And see the sun when day is done
If only you see
Just what you are beneath a star
That came to stay one rainy day
In autumn for free
Yes, be what you'll be.
Please beware of them that stare
They'll only smile to see you while
Your time away
And once you've seen what they have been
To win the earth just won't seem worth
Your night or your day
Who'll hear what I say.

Open up the broken cup
Let goodly sin and sunshine in
Yes that's today.
And open wide the hymns you hide
You find reknown while people frown
At things that you say
But say what you'll say
About the farmers and the fun
And the things behind the sun
And the people round your head
Who say everything's been said
And the movement in your brain
Sends you out into the rain".

Motorpsycho:

Inventivos e inclasificables noruegos, los músicos que se esconden bajo el proyecto Motorpsycho llevan desde inicios de los 90 dando a luz discos de una enorme profundidad que se manifiesta en una variada mezcla de sonido y actitud Rock, Grunge, Indie y Experimental con toques de música más pesada tipo Stoner o similares, Progresivo y Psicodelia.

Pero con el álbum Let Them Eat Cake del año 2000, dejaron fuera su faceta más Hard Rock para dar paso a sonidos más ligeros, ricos, diversos y dispersos pero eso sí, siempre hundiendo sus raíces en la música de finales de los sesenta y principios de los setenta.
Ahora voy a destacar unas cuantas canciones del álbum:

La brillante "Big Surprise", una composición que parece provenir directamente de las mágicas sesiones del Pet Sounds por esos juegos vocales y esa música tan dulce.

"Whip That Ghost", que es por su patrón rítmico y guitarras en cascada, todo un verdadero y muy merecido homenaje a los Allman Brothers y su canción Whipping Post.


Para finalizar tenemos aquí a "My Best Friend", un tema que nos devuelve ecos de las voces del Tin Man de America.

Otras canciones propias que me llaman la atención de Let Them Eat Cake son la acústica y ensoñadora "Stained Glass", y mi favorita y la que abre el álbum, una pieza que gasta originalísimos y majestuosos arreglos orquestales titulada "The Other Fool":


En fin, un gran grupo a tener en cuenta para todos aquellos que gustan de la música de siempre, de toda la vida, pero en la actualidad.

Por lo visto en los últimos años creo que han vuelto por sus fueros más contundentes, como muestra esto, que pertenece al disco del 2006 Black Hole/Blank Canvas, y se llama "No Evil:"

Viva Iker y el fútbol -aunque soy más de baloncesto-, viva el amor y que le jodan a la prensa del corazón:

Y ahora... Rocanrrol!!!

Me estoy haciendo mayor...

Eso es lo que siento cuando me encuentro disfrutando de la música de un artista que hasta hace bien poco nunca entró en mis planes ni en mi esfera musical -le consideraba de otro palo muy distinto al mío-. Afortunadamente las cosas cambian.

El protagonista de esta revelación es un tal Billy Joel, el creador de un discazo como la copa de un pino titulado An Innocent Man, editado por CBS en 1983 -un año clave para servidor- y que no es ni más ni menos que un gran catálogo de la historia musical de Estados Unidos.
Así, de repente puede parecer un poco prepotente la idea, pero es lo que sugiere cuando se escucha y así lo indican diferentes notas de prensa y de seguidores en su página web de Internet: "es un homenaje a la música de su niñez, un álbum de vocalista en el que rinde tributo a los sonidos surgidos en los años 50 y 60, a artistas Soul y Rythm And Blues como Sam Cooke, Ben E. King y The Drifters, a maestros del Rock And Roll como Jerry Lee Lewis y a discográficas que crearon y definieron un sonido único e inconfundible a la manera de Stax".

En todas y cada una de las canciones de este disco se aprecian detalles y guiños a todos esos sonidos mencionados un párrafo arriba, pero lo mejor de todo es que se nota que se hizo con cariño y sobre todo con talento, aunque ahora no viene a cuento destacar el valor de Billy Joel para la música americana -todavía no soy un gran conocedor de su obra, pero con este trabajo me tiene ganado-, simplemente quería revalorizar desde aquí un disco que, como casi siempre me he encontrado abandonado en las tiendas de viejo... ¡¡¡Pero para eso está Víctor Hugo y su ONG encargada de apadrinar discos deshechados por gente sin criterio!!!

Casi todo el mundo más o menos ha escuchado la grandísima "Uptown Girl", con esas armonías vocales clásicas, el falsete que utiliza Billy a lo estrella del rocanrrol y pop clásico y sobre todo con ese ritmazo que te engancha por la pechera y te da la vida -por lo menos a mí me provoca eso-.



Pero en Innocent Man destacan además otras piezas como "Tell Her About It" y "Easy Money", esta última es la que abre el disco con una lección de Soul y Rock a lo Blues Brothers o Memphis Horns con una sección de vientos en la que participa un habitual en esto de los saxofones, David Samborn.



"Careless Talk" es otros de los temas que de lo bien que está construido e interpretado sabe a clásico de los buenos, a categoría. Poco más puedo decir, simplemente aquí la escuchamos:



Un sonido que a mi siempre me ha gustado y que ya está en desuso debido a lo complicado que debe ser hacerlo bien es de los grupos Du-Duá o Doo Woop, y aquí Billy tiene unos cuantos ejemplos: el primero de ellos es la romanticona "This Night" que es ideal para bailarla "amarrao" a la chica de tus sueños –la capitana de las animadoras por ejemplo- en la fiesta de fin de curso puesto de ponche hasta arriba...





Y la segunda y la que más me ha gustado de Innocent Man es sin lugar a dudas la brillante "The Longest Time". Estoy flipado con lo buena, lo bonita que es, el sentimiento oldie que transmite, así como con lo interesante de su composición y grabación, pues para realizar el acompañamiento vocal que aparece en la canción, el propio Billy se grabó así mismo en 14 pistas de sonido que luego fueron mezcladas para lograr ese resultado tan fantástico.
Otra cosa que me llamó la atención de "The Longest Time" fue en cierta manera lo arriesgado de la decisión de publicarla como single teniendo en cuenta lo ortodoxa que es y el contexto o situación musical que se estaba dando en los 80 -lo estaban petando The Police o Michael Jackson por poner unos ejemplos-.



Está claro que Billy y compañía tenían claro que esta canción y el disco en general encontraría su sitio y así fue: no tuvo malas ventas, hizo de "Uptown Girl" un clásico, se impuso la ilusión, la creatividad reivindicativa y la música de siempre volvió a brillar como siempre...

... Y por ello se lo agradezco.

Arte macroesquemático levantino:

Llevaba ya unos cuantos dibujos con mucho color -demasiado para mi cuerpo-, así que dejaremos los colores para otro momento.

Porque hoy regresamos de nuevo al riguroso blanco y negro: la representación de una figura orante -o vaya usted a saber- del arte macroesquemático levantino que está localizada en los abrigos de Pla de Petracos en Alicante y que es de mis imágenes favoritas de este mundillo de la arqueología y prehistoria.