Peores Portadas XI (Especial Música Negra):

Volvemos con una de las secciones de este blog que más me gusta a hacer por aquello de tener que obligarme a sumergir en Internet para buscar información, datos e imágenes dantescas. Hoy, como bien indica el título de la entrada, tenemos una pequeña recopilación de barbaridades gráficas procedentes de la Música Negra:

He aquí una de las portadas más vergonzosas y escandalosamente feas que han pasado por esta sección. Mr. Bones creo que era uno de esos artistas músico-humorísticos que se supone que hacían gracia. Quizá en su tiempo sí, pero hoy día...

Philly Joe Jones fue uno de los mejores y más reputados bateristas de Jazz de su época. Tocó con grandes como Miles Davis, John Coltrane y Bill Evans, así que ya os podéis hacer una idea que precisamente este tipo manco, lo que se dice mano, no era. 

La portada en sí puede dar la sensación errónea de que el interior del álbum debe sonar  igual que lo de fuera, a coña... Pero no es así. Que el propio Philly se disfrazara de Drácula y que un murciélago de peluche (quiero creer) colgara de una de sus baquetas no impidió que este trabajo publicado en 1958 por Riverside, la prestigiosa compañía especializada en Jazz, sonara como los ángeles de bien. Podría poner una pieza de este disco, pero mejor me reservo el audio para otro artista que saldrá al final y que también se las trae.

Yellowman es una leyenda viva (aunque con muchos achaques) del Reggae. Bueno, mejor dicho del Raggamuffin y demás subgéneros más actuales. Lo petaba sobre los escenarios, con una energía descomunal y una fuerza y personalidad increíble. Como habréis notado, Yellowman es albino. Una condición que en muchos países africanos, y en nuestro caso en Jamaica, se ve como una enfermedad e incluso como una maldición. En fin, que de chico Yellowman, conocido por entonces como Christian Winston Foster lo pasó realmente mal: se crió en una escuela-orfanato de Kingston llamada Alpha Boys School y se las vio y deseó para salir de ahí hecho todo un hombre. Poco a poco y ganándose el respeto con sus shows, pasó de ser un ser prácticamente repudiado por las calles a ser un ídolo de masas en su Jamaica natal. Y todo eso está muy bien y nos alegramos por él, pero una cosa no quita la otra y las cosas como son... ¡Vaya mierdolo de portadaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!

Blowfly es otro de esos elementos comunes dentro de la parodia musical afroamericana con contenido sexual bastante cargadito... Por lo que he buscado por ahí, la persona que se esconde tras la máscara y el disfraz raro se llama Clarence Reid, un tipo que aunque así a primera vista no lo parezca resulta que en los 60 y 70 fue compositor de bandas y artistas como Betty Wright y KC and the Sunshine Band con los que tuvo algún que otro éxito. Vamos, que hasta aquí parecía un tipo respetable... Hasta el momento en que le dio por ponerse esa máscara y hacer el cafre.

Y finalmente me quedo con esta portada para cerrar el Especial dedicado a la Música Negra. Aparentemente y así a primera vista no tiene nada de especial, es una fotografía muy común: un señor (el excelente trompetista Donald Byrd) disfrutando de unas patatuelas fritas y un batido en una cafetería o algo parecido... Lo dicho, nada especial... ¡Pues precisamente por eso lo traigo aquí! ¡Por común! ¡Por vulgar! ¡Y por feo! ¡Porque no se puede hacer una portada así cuando el contenido musical del disco es tan bueno y cuando por título le pones algo tan sugerente como 'Parisian Thoroughfare'! ¡Hay que ser chabacano!

Evidentemente, esta portada original fue con el tiempo sustituida en reediciones posteriores por otra más lógica y entendible en la que se ve una calle o una avenida parisina así en blanco y negro, muy elegante ella.

 En fin, que ahí os dejo con una de las canciones pertenecientes a este pedazo de álbum grabado en directo el Olympia de París el 22 de octubre de 1958:

 Próximamente más, mejor y de otro estilo.

The Zeros (ahora ya tocando) en Alcalá de Henares:

Una ilustre pieza en el complejo y amplísimo rompecabezas del Rock… Así es como nos atrevemos a describir a la banda que tuvimos el placer de presenciar el martes 25 de septiembre en Alcalá de Henares: The Zeros.

La presencia de una banda de esta categoría y nivel en nuestra ciudad se puede considerar prácticamente un hito. Quien bien me conoce sabe que desde siempre he deseado que en nuestra ciudad se apostara por la música en directo, que hubiera salas especializadas y dedicadas a ello, que hubiera una vida más allá de los típicos bares de copas, porque nos lo merecíamos... Por tanto, todo esto que se está cumpliendo y haciendo realidad tiene para mí un valor tan inmenso, que ha provocado que sea de las pocas veces que me haya quedado sin palabras a la hora de contar mis impresiones y sentimientos aquí en el blog.

Por suerte, David Ruiz (nuestro amigo y compañero del espectacular y aquí recomendado en más de una ocasión programa de la RUAH ‘No Es Nuestra Primera Vez’) estuvo también presente en el show de The Zeros y me ha permitido compartir sus impresiones… Espero que os guste tanto como a mí, porque además suscribo sus palabras una a una:

THE ZEROS A CIEN EN MENOS DE UN SEGUNDO

"Llamadme sentimental, pero si hay un estilo de música que esta sociedad ninguneada por los mercados, los banqueros y los políticos debería recuperar con urgencia, ese es el Punk. El martes 25 pasaron por la Sala EgoLive The Zeros para dar una clase magistral de Punk-Rock de la Old School.

Javier Escovedo, Robert López (conocido por muchos como El Vez), Héctor Penalosa y Baba Chenelle se subieron al escenario una vez más (y ya van unas cuantas desde que la banda se formara en 1976 en Chula Vista-California) para soltarlo todo, divertirse y divertir a la gente que acudió a verles. The Zeros tocaron temas de sus tres álbumes de estudio y alguna que otra versión. Desde el primer segundo arrancaron de sus guitarras esas notas distorsionadas del Rock que algo deben tener para encender a tanta gente, aceleraron a golpe de batería hasta ponerse a cien y no bajaron el ritmo hasta que, una vez finalizado el concierto y tras dos bises, se acodaron en la barra del bar. No hubo baladas.

El Punk-Rock no sólo es música, también es terapia de grupo, es movimiento de masas. Es el 'cualquiera puede', el 'háztelo tú mismo' y el 'que le den por culo a todo y a todos'. Y como dijo la banda en la entrevista previa al concierto: "Sabemos lo que quiere el público. Para qué joder la fórmula".

Los que tengáis la oportunidad de ver a The Zeros este sábado 29 en Madrid no la dejen pasar, subíos a esos hombros, que han soportado más de treinta años de conciertos Punk, y permitid que os lleven (al menos por un momento) tan lejos de vosotros mismos como sea posible.

Por otro lado hay que mencionar que EgoLive ha dado el paso que algún local de Alcalá de Henares debía de dar en algún momento. Porque no es lo mismo permitir que grupos de música toquen en tu local que hacer una apuesta fuerte por la música y traer grupos como The Zeros a tu sala. 

Con el Auditorio Paco de Lucía funcionando como Papá Noel una vez al año, la Plaza de Toros más dedicada a festividades cerveceras germanas que a conciertos y el resto de locales anclados en el conformismo de tratar la música en directo como alfo que se les tiene que ofertar en lugar de un aliciente para su clientela, esta sala ha dado un paso que era necesaria en una ciudad de casi 250.000 habitantes, amante de la música en pequeño formato y de la cultura que la rodea.

Buena suerte. Os seguiremos de cerca".

Una Joyita: Los Imposibles / Hoo-Ha!!, lo revival y el movimiento mod.

El asunto de la música revival es algo que tiene su miga y que sirve para pasar un buen rato charlando (o discutiendo, según las ganas de marcha que tenga uno) con los colegas en el parque cuando se está mano sobre mano y no se tiene otra cosa mejor que hacer. 

Para algunas personas esto del revival es un término muy vago e impreciso (donde cabe desde el reposado Folk hasta el Hard-Rock setentero más macarra) y que no trae nada bueno. Casi un concepto peyorativo. Para estas personas, los grupos revival son como unas simples copias de sonidos pretéritos pero que evidentemente carecen de ese encanto, magia y creatividad que solían captar y tener todos los grupos histórico. Vamos, una muestra de esterilidad musical. 

Pero al otro lado de la balanza también hay un sector que opina todo lo contrario: que el revival es prácticamente la única forma que existe a día de hoy para poder disfrutar de la buena música que se ha ido perdiendo a lo largo de las décadas. Lo cierto es que coexisten las dos teorías y que encontrar esa línea que se encarga de dividir las dos situaciones es a veces bastante difícil pero bueno, para eso cada uno tiene su propio criterio, sus gustos y sus preferencias personales… 

Concretando un poco más y en cuanto al aspecto meramente musical, la de los mods es una cultura que abarca diversos estilos de raíz negra como el Rythm´n´Blues, el Soul y el Ska, aunque comúnmente esté asociada al Pop de los sesenta y al sonido Beat. Pero que eso no nos engañe, ya que aunque siempre existirán grupetes especializados únicamente en hacer versiones de temas clásicos de los Beatles, los Who, de Small Faces y punto, con todos estos datos y con lo poco que conozco de sus bandas a nivel nacional, puedo decir que el movimiento mod entra dentro del fenómeno revival, pero más cerca de esa segunda opinión más positiva.

Así es como podemos disfrutar de la música de Los Imposibles, una banda madrileña que lleva subiéndose a los escenarios desde finales de 1988 y que se ha convertido, disco a disco en toda una referencia obligatoria para aquellos amantes del sonido sixtie, de las pequeñas vespas y de los mocasines impecables. 

En casa tengo esta pedazo de joyita títulada ‘Hoo-Ha!!’: el primer disco que Los Imposibles publicaron en 1992 y que la discográfica Bittersweet Recordings se encargó de reeditar en 2005 con tanta atención y cuidado en el detalle (el diseño simula a los L.P´s clásicos con esas breves reseñas de las canciones en la contraportada, incluye un buen puñado de temas extras,…) Así da gusto. 

El álbum contenía 14 cortes originales, compuestos en su gran mayoría por el guitarrista y cantante Paco Poza. Canciones que conservaban lo mejor de antaño, pero eso sí, sin dejar de mirar siempre hacia adelante, sin entorpecer el crecimiento artístico y creativo de los músicos. 

Buena prueba de ello es la presencia de canciones de grandísima calidad y que al escucharlas se vuelven inolvidables, como por ejemplo esta pieza que abría el LP y que parecía sacada directamente desde Liverpool (por decir una ciudad al azar), “Tú, tú”:

Los Imposibles tenían y tiene recursos para todo, así que además de Pop también pueden descargar energéticos Rythm´n´Blues como esta “Shaking” propulsada por Gonzalo Lagarto a la batería, Javier Palomo al bajo eléctrico y potenciada con una sección de viento y todo:

Pero dejemos para el final la que es para mi la mejor canción de este discazo. Una muestra de Pop perfecto, redondo, con esas magníficas guitarras Rickenbaker (o de otro tipo, tampoco nos pongamos tiquismiquis) de J.M. Rodríguez y con esos juegos de voces que tan guapamente nos retrotrae en el tiempo… 

“Vas A Llorar”:

En fin, que esta disertación sobre lo revival, el movimiento mod y demás sólo ha sido una simple excusa para ponerme de nuevo en casa este magnífico disco… ¡Qué maravilla!

Kevin K. Simply Rock And Roll:

"Simply Rock And Roll..."

Esas fueron las sabias palabras que me dijo Mr. Kevin K. al oído cuando me acerqué a él para felicitarle por el pedazo de concierto que se acababa de marcar junto a su banda The Kool Kats en la sala EgoLive.

Y es que resulta que para pasar un rato agradable, mover el culo y tal no se necesita mucho más que eso, que simplemente un poquito de Rock and Roll del de toda la vida. Ese Rock contagioso, pegadizo y arrastrado que tanto nos gusta del tipo Johnny Thunders and The Heartbreakers, New York Dolls, Ramones y toda esa escena focalizada en la ciudad de Nueva York a mediados y finales de los 70.

Esas esencias se notaban claramente en el ambiente. En cada nota. El descaro, la alegría y la potencia del Rock and Roll concentrados en una hora y media que nos supo a Gloria, y más en una ciudad como Alcalá de Henares, tan necesitada en los últimos años por no decir décadas de buena música en directo.

Que conste en acta que antes de empezar el concierto no conocía mucho de Kevin K. y su tropa. Un par de días antes, por la Red, pude leer que era una figura del Rock and Roll underground neoyorquino a lo largo de su ya dilatada carrera discográfica había llegado a publicar más de 25 álbumes, muchos de ellos supongo que difíciles de encontrar a día de hoy por el hecho de estar únicamente editados en cinta de cassette (como las que todavía se podían ver y comprar en el tenderete que tenían montado junto al escenario). Poco más...

Y no hizo falta saber muchas más cosas, porque a los pocos segundos de empezar a tocar, la banda formada por una imparable batería, Ricky Rat a la guitarra (procedente de Detroit, esa gran ciudad que tanto ha dado a la música en general), el francés Ritchie Buzz al precioso bajo eléctrico Gibson Firebird y el propio Kevin K. a la guitarra y las voces se encargaron de despejarnos todas las dudas. Para muestra, un botón procedente de un concierto que esta gente tuvo en Francia a penas una semana antes de pasarse por aquí:

Como podéis ver, el bis con las canciones "Ramblin´ Rose" y "I Wanna Be Your Dog" obras de un par de leyendas del Rock como MC5 y The Stooges, deja bien a las claras el estilo y el gusto por el Rock and Roll directo a la mandíbula que practican Kevin K y sus Kool Kats cuando se suben al escenario. Ni que decir tiene que estos dos temas fueron de lo más coreado en la noche, y es que los clásicos inmortales tienen esas cosas.

Ahí os dejo con otra canción que interpretaron en directo, "Jennifer Love Song", una oda dedicada a la preciosa, voluptuosa (y más atributos que no puedo decir porque estamos en horario infantil) Jennifer Love Hewitt... Mal gusto no tiene el amigo:

Eso es precisamente lo que me gusta de la música en directo: que hay que ir muchas veces a ciegas, sin prejuicios para casi siempre al final, acabar contento. Como así me pasó. Tanto, que acabé comprando un par de discos y pidiendo al tatuadísimo, enjuto y no muy agraciado de Kevin K. que me lo firmara...

¡Groupie que es uno a veces, oye!

The Zeros en Alcalá de Henares:

¡Alcalá está de enhorabuena! ¡Una nueva sala de conciertos! ¡Y buenos!

EgoLive nace con la intención de traer a nuestra ciudad un poco más de cultura, un poco más de diversión, de vida... Un poco más de música. ¡Nos gusta la idea! Sabemos que la apuesta es arriesgada: la situación económica actual no es muy boyante, la gente se ha acomodado a bajar y no asistir a las salas,... Pero como dicen por ahí, quien no arriesga no gana. Y lo cierto es que viendo el cartel que tienen programado simplemente para este mes de diciembre ya se puede decir que tienen muchísimo terreno ganado.

Uno de los grupos que tiene previsto planeado pisar este escenario el martes 25 es The Zeros, unos pioneros en toda regla que se encargaron, allá en 1976, de desparramar el sonido Punk-Rock en la soleada, dorada e inocente California... Unas leyendas vivas del género que poco antes de iniciar su gira de septiembre por nuestro país con la formación original han tenido el gran detalle de pasarse por la ciudad complutense para realizar una simpática rueda de prensa (tras degustar unos pinchos de tortilla española, jamón y esas cosas tan ricas). Así que, después de trascribir como buenamente he podido lo que salía de la grabadora, ahí va un extracto del encuentro que hemos tenido algunos enviados de prensa y radio con Javier Escovedo, Hector Penalosa y compañía:

-P: ¿Qué tiene The Zeros que no tienen otros grupos?

-R: Lo primero, que los cuatro miembros somos los originales (algo que en una banda de Punk-Rock no es muy común debido a lo 'ajetreado' de sus vidas). Yo te puedo decir que es un grupo de familia ¿no? porque El Vez y Baba son primos y la esposa de Javier es la hermana de El Vez (...) Así que esto ya empezó en la highschool, you know (...) desde que teníamos como 15 o 16 años, y ya van 35 años tocando.

A veces se junta el grupo y a veces no se junta y... Depende de lo que se necesite hacer. A veces nos piden que hagamos giras y nos juntamos, y a veces nos cansamos de estar el uno con el otro como cualquier familia y ¡vámonos!

-P: Os tomáis un respiro...

-R: Sí, pero nos ayuda mucho porque luego nos volvemos a juntar otra vez. Pase lo que pase nos queremos mucho y nos tenemos mucho respeto.

-P: El Punk-Rock surgió como una reacción ante un contexto social y político bastante complicado, convulso y tenso. ¿Creéis que esta situación actual de crisis en que vivimos puede ser un caldo de cultivo perfecto para que la gente joven retome de nuevo con fuerza y se enganche a este sonido? ¿O está todo perdido?

-R: No, sí se puede, sí se pueden enganchar de nuevo... Porque digo, esta rabia es universal ¿no?,  no importa que sea hoy, o hace 20 o 50 años. Siempre la gente va a querer algo con lo que desahogarse.

-P: Una vía de escape, porque esa rabia y descontento lo estamos empezando a vivir ¿verdad?

-R: Sí. Cada generación que surge tiene sus propias frustraciones y se identifica con el Punk-Rock, porque el Punk-Rock trata sobre las frustraciones de la juventud del momento (...)

-P: En los 60 con The Sonics ya hubo Proto-Punk, Garaje,... ¿Por qué no de nuevo en el 2012?

-R: Toma en cuenta que en los 50 por eso existió el Rock and Roll.

-P: Mucha rabia tenían los negros...

-R: Y los blancos, tenían mucha opresión con la religión y todo eso... Cuando mover las caderas era algo como pecaminoso.

-P: A California siempre se la ha considerado la cuna de la música moderna desde hace muchos años. ¿Cómo se vive la música ahí con respecto al resto del mundo?

-R: Creo que es igual en todo el mundo, en todos los lugares. Lo más importante son los fans, los seguidores de música. Por mi experiencia, aquí en España la gente le echa más pasión, más ganas. Se meten al 100% con el grupo y la música, y se desenvuelven mucho. En California sí, a la gente le gusta mucho la música pero están un poquito más 'conservativos' osea, no se desenvuelven y no se enloquecen tanto, supongo quizá porque están tan acostumbrados y tienen tanto donde escoger y ver (...)

-P: ¿En USA y California se respeta a las bandas pioneras y clásicas? ¿O pasa como aquí en España? que tengo la sensación que a las bandas nacionales las tomamos un poco por el pito del sereno, que nos avergonzamos de ellas...

-R: Sí se respetan. Depende de las bandas claro, pero sí me he dado cuenta que hay muchísimos fans jóvenes a los que les gustan 'Los Zeros' y siempre hacen un comentario positivo o nos hacen saber que somos su grupo favorito, que nos aceptan.

-P: ¿Creéis que el público Punk-Rock es más leal que el resto del público?

-R: No creo que sea así. Creo que el seguidor de Heavy-Metal es el más fiel. Y el de música Country.

-P: ¿Cómo os sentís al venir a una ciudad pequeña, en otro país?

-R: Para mi es como una Rock and Roll Vacation, es como irse de vacaciones pero tocando música.

-P: Es un buen punto de vista ¿eh?, poco estrés.

-R: (Se ríe) Exactamente. (Y se sigue riendo).

(...) Visitar ciudades como esta, conocer gente nueva y tocar nuestras canciones... Me siento afortunado y bendecido porque algo que empezó en el instituto haya llegado a ser lo que es hoy día (...).

La música es una cosa muy mágica ¿no? porque nos ha abierto muchas puertas, nos ha dado la oportunidad para viajar, conocer a gente como ustedes también, tener amistades muy viejísimas por medio de la música... Así que tengo mucho respeto a la música. Sea la que sea. Supongo que os gusta el Punk-Rock ¿no?, pero me encanta otras cosas: la Música Clásica, el Rock de los 60, de los 70,... Por eso estamos aquí.

-P: Hablando de esa música que nos cuesta confesar, esos guilty pleasures ¿nos podéis confesar alguno?

-R: Podría hacer una lista muy grande. A mi el grupo que me dio inspiración fueron Los Beatles, como a medio mundo supongo, y por cierto tengo un grupo con el que hacemos versiones y me la paso muy ocupado con eso porque casi todos los fines de semana tocamos en una fiesta, una boda, un divorcio (risas) lo que sea, allá estamos...

-P: Siguen llamando mucho la atención Los Beatles.

-R: Y pagan muy bien así que...

"Sabemos lo que quiere el público ¿Para qué joder la fórmula?"

Hielo En Varsovia - 15 Septiembre 2012 - La Faena II:

Después de un achicharrante verano, ya tocaba por fin el momento de desintoxicarse de la música chiringuitera y de refrescarse los oídos con cosas nuevas de cara al otoño, esa estación del año que tanto me gusta…

Os cuento que hace un par de semanas, huyendo de las manidas canciones del verano me encontré en Bandcamp con una agradable sorpresa llamada HIELO EN VARSOVIA: una banda originada en Madrid allá por el 2010 que está integrada por Buddy a la batería y voz; Ki al teclado, voz e ilustraciones; y por Beatriz Vaca Campayo (ya conocida anteriormente por su proyecto personal Narcoléptica) a las guitarras, loops, pedales y demás cacharros que tan bien maneja.

De primeras, me llamó mucho la atención el hecho de que entre la formación en trío no se contara con la presencia de un bajo eléctrico, pero tras buscar material sonoro suyo caí en la cuenta que la idea funcionaba bastante bien cuando se llevaba a la práctica.

No os miento si digo que no han parado de sonar en mi equipo de música desde que me topé con ellos, y mira por dónde qué suerte, tocaban ayer en La Faena II, un sitio auténtico y especial que más que un bar o una simple sala de conciertos es "...un refugio creado para que músicos, promotores y oyentes podamos disfrutar de la música en directo..." Suena prometedor, y así es.

Hielo En Varsovia.

¿Y que todavía no os he dicho cuáles son las referencias musicales de esta banda? Pues por algo será, porque la verdad que me parecen tan amplias y especiales que no sabría por dónde empezar. Tras escuchar tranquilamente su primer álbum hay rastros de Post-Rock (aquí ya discutimos en su día el dichoso término), de rollete Gótico (por los ambientes sombríos que recrean sus canciones) e incluso un poquito de Punk (aunque sólo sea por esa forma que tienen de cantar tan rabiosa e ininteligible, repleta de ecos y efectos, que hacen que las voces se confundan y mezclen con el resto de los instrumentos).

Para que os hagáis una idea, la gente de Hielo en Varsovia puede sonar como a Bauhaus, Joy Division, Sonic Youth, The Horrors (no me preguntéis que de cuál disco) o como una banda nacional que ya pasó por aquí en su día, los zaragozanos Kyoto.

Esa mezcla de lo frágil con lo agresivo (ayer mis tímpanos dieron fe de ello) genera una especie de tensión sonora tan sugerente y atractiva que hace que al final la escucha del disco se nos pase volando, en un santiamén:

“…Si me deseas, vas a sufrir.

Muerdo la mano que se acerca a mi.

Bajo mi ternura, sangra la locura.

Soy un animal herido, huye de mi…”

En fin, todo un batiburrillo generado a base de muros de acordes, distorsiones, ritmos maquinales y oscuros teclados que da como resultado una especie de maravillosa Psicodelia moderna que gracias a canciones como la instrumental "Los Jueces de Israel", nos lleva de viaje por extraños paisajes en el que todo es cristal de cuarzo, melancolía y frío, mucho frío. Paisajes sonoros idóneos para ser escuchados durante esas grises tardes de otoño e invierno, acurrucados en la cama y con la manta echada hasta la cabeza, como debe ser.

Ahora me los voy a poner un ratito más, a vuestra salud.

Canciones que emocionan, estremecen y..."Memories".

¡Qué decir de los grandísimos Soft Machine! ¡Qué decir de esta preciosa y mágica canción! 

Pues nada, señores, nada...

Una Joyita: 'The Black Circus Part II: Disclosure'.

Este verano, en lugar de echarme el tradicional siestorro, he preferido ponerme a curiosear y profundizar un poco más entre las numerosas bandas que pueblan el llamado Metal Progresivo, debido a que es un subgénero que entronca directamente con el Progresivo de la década de los 70 y por lo tanto más cercano y afín a mis gustos, no muy metaleros por otra parte.

La verdad es que ya de antes me gustaba mucho Dream Theater (uno de los referentes más grandes a la hora de hablar de este tipo de sonidos), pero ahora tras las últimas pesquisas realizadas, me encuentro disfrutando en casa de nuevas referencias como los serbios Alogia (de los que hablaré en otro momento porque me parecen un pasote), los holandeses Anubis Gate o como los protagonistas de la entrada de hoy: Manticora.

Aprovecho para hacer un breve inciso y comentar que el mundo de las etiquetas me sigue fascinando y asombrando a día de hoy, porque mira que una persona o un crítico musical puede ser retorcido, rebuscado y especialito, pero de ahí a decir que una banda hace 'Progressive Power Speed Epic Heavy Metal'... Llamadme tiquismiquis si queréis, pero me parece que eso ya es pasarse ¿no?

No es coña. Esta etiqueta, que es la más larga que he visto en toda mi vida, aparece por ahí en Internet para definir la propuesta musical de Manticora. Acojonante señores.

 El sexto trabajo de esta banda danesa es 'The Black Circus Part II: Disclosure', un álbum publicado en 2007 por Locomotive Records y que como su nombre indica, es la segunda parte de un proyecto conceptual que se basa en la adapatación de un relato de H.P. Lovecraft sobre un circo itinerante en la oscura Nueva Inglaterra del siglo XIX. Todo muy terrorífico, tenebroso y de miedito, al gusto del señor Lovecraft.

¿Y qué es lo que nos ofrece a grandes rasgos este álbum de Manticora? Estructuras complejas y trabajadas, himnos épicos y majestuosos, riqueza instrumental, intensidad, una increíble ambientación, magia, fantasía, creatividad,... Cosas muy necesarias en estos tiempos a veces tan estériles y vacíos que parece habernos tocado vivir.

Como una pequeña muestra de todo lo que pueden dar de sí estos tipos, os dejo con dos piezas que he extraído de 'The Black Circus Part II: Disclosure'. La primera de ellas es la breve instrumental titulada “Haita Di Lupi” (que cuenta con la colaboración del teclista danés Finn Zierler), y la segunda es la unión del interludio “Intuneric VI” y de la contundente composición “All That Remain”:

 Que os guste.

Un par de dibujillos entrañables...

... de los que me dieron los peques del campamento de verano en el que estuve este agosto pasado:

Los tengo ahí bien guardados a modo de recuerdo dentro de mi archivador gigantesco en el que voy recopilando los dibujos que he ido haciendo a lo largo del tiempo, los de mis primos cuando era pequeños,... En fin, bonitos recuerdos. Algunos de los chavales que estuvieron en el campamento demostraron tener bastante talento a la hora de dibujar, cuando hicimos un taller de cómic, así que espero que ojalá salga de allí un nuevo Jack Kirby, un Gene Colan..:)

Vinilos - George Baker Selection sencillo "Little Green Bag":

Mi tío Jesús tiene un gusto musical más que interesante. Siempre le gustó Pink Floyd, Mike Oldfield, Yes, Supertramp,... así que no me sorprende nada que rebuscando entre los sencillos que tengo ahora guardados en casa de cuando él era un chaval me encuentre con cosas tan guapas como esta de aquí:

Ni las caras de los tipos que posaban así de macarrillas con sus chupas de cuero, ni el nombre de la banda y de las canciones que aparecían rotuladas en la portada me sonaba en absoluto... ¿"Bolsita Verde"? ¿"Linda Y Pequeña Soñadora"? Pues no, vaya, no... Con esos datos no me salía nada.

La duda ya me rondaba la cabeza y necesitaba saber qué es lo que contenían esos surcos tan olvidados. Una duda que tenía fácil solución: poner el disco en el tocadiscos, darle al 'play' y subir el volumen al máximo:

Los padres no mentían y el "Black Is Black" lo petó en el mundo entero:

Siempre que salían tocando Los Bravos en cualquiera de esos programas de televisión que todos conocemos (las galas de Navidad, el siempre brillante Noche de Fiesta y tal) ahí estaban preparados nuestros padres, tíos y abuelos para recordarnos que su "Black Is Black" no sólo fue un éxito rotundo en España sino que también lo petó en el mundo entero...

Y qué queréis que os diga, yo siempre he creído a mi familia.


Aunque se grabara en Gran Bretaña allá por 1966 con la participación al parecer de la leyenda del Rock Jimmy Page a las guitarras y el cantante fuera en realidad un alemán que se hacía llamar artísticamente Mike Kennedy, lo que nadie puede negar es que el "Black Is Black" de Los Bravos es una de las mejores canciones que ha dado jamás nuestro país.

 El impacto de esta canción fue de tal calibre que se convirtió en el objetivo perfecto a la hora de ser versionada por distintos grupos y solistas, hecho que ocurrió con la estrella francesa Johnny Halliday y su personal interpretación de la canción bajo el título "Noir C´est Noir"... Pero sinceramente, lo que no me imaginaba es que este temazo de Los Bravos pudiera cruzar mares y océanos hasta desembocar en Sri-Lanka para que ya en 1969 fuera de nuevo recreada por un grupo local de Pop que recibía el nombre de... ¡The Jet Liners!

 ¡Eso sí que no me lo imaginaba!



La verdad es que no tengo mucha más información sobre esta banda de chicos y chicas formada en Colombo (esa preciosa ciudad de la que tan poco sabemos) salvo que el disco del que estamos hablando tiene el peculiar título de 'The Jet Liners At The Taj Mahal Bombay', que la portada tiene lo suyo (con esa especie de estética que va entre el colorido pre-bollywood y el toque sesentero a lo 'Cuéntame' surasiático) y que eran unos auténticos expertos a la hora de hacer versiones de temas clásicos como el "Respect" de Otis Redding o el pedazo y cientos de veces recreado "Walk On By" de Burt Bacharach entre muchos otros.

Es decir, que estamos ante una de esas pequeñas joyas de coleccionismo vinilístico...

Y ya para finalizar, os dejamos con estos muchachos interpretando una de las canciones más exóticas que aparecen en el álbum: "O Mere Sona", que os guste:

Una Joyita: Aquila y el Jazz-Fusión de Chile.

El Jazz, esa maravillosa música que une a tantas y tantas personas alrededor del mundo...

Porque miren, entre nosotros ya pueden surgir diferencias políticas, sociales e incluso futboleras si me apuran, que siempre nos quedará un nexo de unión que evitará el desastre: en este caso la música, el Jazz.

Y es que aunque las distancias sean colosales y aparentemente imposibles de superar, ahí tenemos sorprendentes ejemplos de afinidad musical como por ejemplo la que se dio en su día entre Pedro Ruy-Blas/Dolores y los chilenos Aquila.

Aquila fue un quinteto de Jazz-Fusión que nació en 1973 de la mano de Guillermo Rifo, un joven vibrafonista y compositor santiaguino de sólida formación académica, que seguidor de las grandes leyendas norteamericanas del vibráfono como Milton Jackson y Lionel Hampton, decidió embarcarse junto a una serie de músicos procedentes de distintas corrientes (Rock, Jazz, Funk,...) en uno de los mayores desafíos a los que puede enfrentarse el ser humano: grabar un disco.



Y digo bien un disco porque sólo tuvieron tiempo de dejar registrado un único álbum antes de que Rifo disolviera la banda apenas un año después, en 1974, para regresar de nuevo y centrarse ya casi definitivamente en su carrera musical más clásica.

Pero no debemos entristecernos, porque Guillermo y compañía nos obsequiaron finalmente con un trabajo que está considerado por la prensa especializada y por los amantes-entendidos del Jazz como una obra maestra de la Fusión Latinoamericana.

Sonidos densos, oscuros, elegantes y con muchísima clase siempre... Todo eso es lo que ofrece el primer y único LP de Aquila.

Así pues, no queda más por decir. Simplemente disfruten de esta "Samba Costanera":

Una Whitesnake en Alcalá de Henares:

Hace ya unas semanas, dando uno de mis habituales paseos por el Parque De Los Cerros, siendo más  concreto por la zona de las bancadas (unos terrenos de cultivo que antiguamente se allanaban en forma de terrazas y que ahora llevan unas cuantas décadas abandonados) me encontré la muda entera de una serpiente que en mi humilde y temerosa opinión era bastante grande para estas tierras... 

Y digo bastante grande porque lo normal es encontrarse con chiquitejas culebrillas de río que no miden nada, pero es que esta que debe rondar por la zona debe sobrepasar el metro y medio fácil, y eso para mi (que como comprenderán ni soy Frank de la jungla ni vivo en el Amazonas ni en ninguna zona así tropical) ya es un pasote de grande.

Ahí arriba se ve la foto que hice con la intención de comparar la longitud de la serpiente con mi mochila -chapa de Grateful Dead incluída claro está-, para que se vea que no es broma.

Pero bueno, como soy por naturaleza una persona bastante curiosa, perdí un poco el temor a que la bicha estuviera todavía por ahí y me acerqué a ver cómo era eso de la muda de una serpiente... Y como poco, os puedo decir que es llamativo:

Luego, como tenía la intención de saber de qué tipo de serpiente podían ser estos restos, pregunté a gente que sabe del tema de la fauna local y me contaron que lo más probable es que se trate de una 'Rhinechis Scalaris' o como se la conoce más fácilmente: culebra de escalera. Una criaturita del señor que puede superar el metro y medio de longitud pero que pese a lo chungo de su aspecto resulta que es totalmente inofensiva ya que su mordedura no es venenosa, aunque eso sí, dicen que duele un rato.

Así es en realidad una culebra de escalera. Foto cortesía de www.sekano.es

Y como lo mejor de estas cosas es acabar con buen sabor de boca, qué mejor que hacerlo con la serpiente más conocida del Rock: ¡WHITESNAKE!

Vinilos: The Boppers sencillo "Tick-Tock" / "Angela":

Desde que empezó a llamarme esto de la música ya de pequeñajo, siempre pensé que este disco que llevaba rondando por mi casa desde hace ni se sabe de unos tipos raros llamados The Boppers tenía que ser una castaña pilonga, un churro, una ful de Estambul,... Una auténtica patraña vamos. De esos discos que dan vergüenza ajena por su sonido y que tardas en quitarlo del equipo de música un nanosegundo y medio. Pero mira por donde resulta que, una vez más, volví a equivocarme...

Porque hace unas semanas me dio por ponerlo en el tocadiscos y flipé pero de qué manera con estos suecos adictos al Doo-Wop y con esta canción titulada "Angela":

 

¡Sorpresas que te da la vida!

ADOLF:

Este verano, en lugar de ponerme de nuevo con algunos libros que tengo por la librería y que nunca termino de leer, al final he decidido recuperar unos cuantos tomos de historietas (que es la palabra favorita que empleo para definir a los tebeos, cómics, mangas, novelas gráficas y demás) que tenía metidos en cajas para protegerlos tanto del polvo, del paso del tiempo y de las zarpas de mi querido gato y así poder repasarlos otra vez, porque de verdad que muchos de ellos merecen la pena y se me estaban olvidando lo buenos que son.

Ahora mismo estoy empezando por 'Adolf', una multipremiada obra creada por el maestro japonés del Manga Osamu Tezuka, que es más conocido entre el público por otros trabajos suyos como 'Black Jack', ‘Buda’ y sobre todo por 'Astroboy'.

Editada en España por Planeta DeAgostini dentro de la Colección Trazado a finales de los 90 y con varias reediciones a lo largo de los años (todavía se pueden conseguir sin mucho problema), 'Adolf' es una historieta recopilada en 5 volúmenes que por su trama se puede situar dentro del género bélico, del drama y del suspense. Con la II Guerra Mundial como marco principal que se va fragmentando en distintos escenarios tales como el Berlín de los Juegos Olímpicos del 36, Israel y el Japón totalitario, el argumento de la historieta se basa en la aparición de unos documentos secretos que probarían el origen judío de Adolf Hitler y que harían tambalear el régimen Nazi...

A modo de un manga coral, todas las intrigas que se van a ir generando a partir de este hallazgo girarán en torno a numerosos personajes. Tres de ellos se llaman Adolf: Adolf Kamil (un joven de origen judío alemán nacido en Japón), Adolf Kaufmann (de madre japonesa y padre alemán perteneciente al partido Nazi) y el mismísimo Adolf Hitler. Entre el resto de personajes aparecerán el periodista japonés Sohei Toge, su hermano el estudiante Isao, el Coronel Honda, un feúcho y desagradable miembro de la Gestapo llamado Lampe… Vamos, que hay de todo, como en botica.

Puede que a muchos lectores el estilo de Osamu Tezuka les resulte un tanto infantiloide y alejado de la estética manga actual, pero si os quitáis el miedo, dáis un paso adelante y leéis las primeras páginas, seguro que no pararéis de exprimir todas y cada una de ellas hasta el final, porque el nivel del guión es excepcional y la documentación-recreación es simplemente apabullante.

Dentro de un tiempo vendré con otra de mis historietas favoritas. 

¡Hasta luego!

El origen de Du-Dum-Dum:

Pues resulta que mañana mismo nos vamos a un pueblo de Segovia para realizar las prácticas de monitor de ocio y tiempo libre que inicié este año, y como estas cosas me las suelo tomar muy en serio, he decidido que voy a prescindir durante un par de la música (increíble pero cierto), de Internet y de este Blog que tanto quiero... Eso quiere decir que hasta entonces no habrá más movimientos por esta casa.
Además, que este parón veraniego me ha hecho pensar que cuando empecé la andadura blogueril nunca me paré a explicar el porqué del nombre de este blog, de Du-Dum-Dum...

Esos muchachotes de arriba con sus barbas, bigotes y melenas son los responsables de que este sitio se llame así.

Lo cierto es que no recuerdo muy bien la fecha en que inicié y me puse a configurar el blog (nunca se me ha dado especialmente bien eso de los días especiales y los aniversarios) pero lo que sí tengo bien claro es que estaba sonando de fondo en mi habitación y por primera vez 'Demons And Wizards', el espectacular discazo que la gente de Uriah Heep se sacó de la manga allá en 1972.
Como hay gente que conoce y cuenta mejor las historias de esta banda, lo único que diré es que cuando las canciones "Paradise" y "The Spell" dieron paso a los bonus tracks y empezó a retumbar el poderoso bajo de Gary Thain (o de Mark Clarke, no se sabe del todo) en el tema "Why", supe de forma instintiva que ese glorioso sonido que me hacía hervir la sangre, esa imparable, interminable y colosal onomatopeya en forma de 'DU-DUM-DUM-DU-DUMMMMM' debía ser el nombre del Blog:

 

¡Ojalá que las vibraciones de ese bajo os llegue de la misma forma!

Mundo Ameboide:

Hace unos días, estando en una de las habituales visitas a Facebook, me encontré con la reseña del disco 'Enclosed In The Dimension Of Sonic Happiness'. Un álbum perteneciente a Ameba: un proyecto musical liderado por Raquel Ruiz Mendes, artistaza y persona simpatiquísima donde las haya a la cual tuvimos el placer de tener la temporada pasada en nuestro programa de radio Los Sultanes del Swing.

Pues bien, resulta que leyendo esa reseña y comentando en la página personal de Raquel/Ameba, caí en la cuenta que en su día ni hablé aquí de Ameba de forma larga y tendida, ni puse a este disco suyo en la galería de 'Maravillas A Escuchar'... ¡Algo imperdonable por mi parte! 

 Así que, sin pretender hacer una crónica ni nada parecido (porque ya no tendría mucho sentido), vamos a desfazer entuertos de una vez por todas y rendir tributo como se merece a Ameba:

 

 Lo que más me llamó la atención de Raquel/Ameba cuando la vi en escena por primera vez era esa capacidad de llenar el escenario con tan solo un teclado, una preciosa guitarra Saturn 63 y la compañía de Rebeca al violín y los coros. Por tanto, no es raro que por ahí se pueda leer o escuchar de Raquel que es una mujer-orquesta, una lideresa o una frontwoman... Aunque también se les puede ver con banda de acompañamiento, ya que es un auténtico proyecto abierto en el que van, vienen y participan numerosos músicos amigos. Una dinámica o forma de llevar un grupo que favorece la aportación de nuevas ideas, multiplicando así las distintas facetas y la riqueza sonora de sus trabajos:

 

 Como la moda últimamente es identificar, encasillar, etiquetar a las bandas y eso no nos gusta nada, preferimos que fuera la propia Raquel la que autodefiniera el 'Sonido Ameba'. Y lo hizo, inclinándose claramente hacia el Pop. Eso sí, un Pop muy vinculado a los dulces años 60 e incluso al sentimiento y concepto Rock and Roll clásico tipo Chuck Berry o Little Richards en cuanto a ese gusto por el ritmo tan disfrutable que tiene muchas de sus canciones. Pero ahí no queda la cosa, ya que debido a la diversidad de registros de Ameba, también hay lugar para la dulce distorsión de las guitarras que recuerdan a lo que hacía Lou Reed en la época del ‘Transformer’, y para los ritmos básicos y secos que nos traen ecos de la Velvet Underground. Grandes influencias que continuando la entrevista se fueron ampliando a nombres como David Bowie, el Punk de los 70 y la escena musical de Nueva York,...

 

 En fin, que si os encontráis en un momento de vuestras vidas donde sólo queréis escuchar cosas interesantes, frescas y simpáticonas, ¡Ameba es vuestra elección!

El Hard-Rock ochentero, Vixen y tal...

Pues resulta que revisando los viejos vinilos me he encontrado con un disco que aunque es cierto que había visto ya de pasada, no ha sido hasta ahora mismo cuando me he fijado en él con algo de interés y detenimiento: el primer trabajo de VIXEN.

Aunque por las pintas que tienen en la contraportada ya me daban pistas, no sabía exactamente de qué iban en cuanto a sonido y música, así que me he puesto a investigar: Hard-Rock ochentero realizado por unas 'titis' (un término acorde a la década de la que estamos hablando, no se me lo tomen a mal las lectoras:) que tras escuchar el disco entero creo que no se lo montaban pero que mal. Y eso que esa década causó en mi opinión auténticos estragos dentro del Hard-Rock pero bueno, el resumen es que...

¡Me gustan!

Los Últimos Carpetanos:

Hacía tiempo que no traíamos al blog alguna de las exposiciones del Museo Arqueológico Regional, así que ahí vamos con una de las muestras temporales que más me ha gustado de las últimas que se han realizado en el museo: 'Los Últimos Carpetanos. El oppidum de El Llano de la Horca'.

Antes de todo, he de decir que al enterarme que iban a hacer esta exposición me alegré bastante, ya que en uno de mis años de estudiante universitario, tuve que realizar para la clase de Pueblos Antiguos de España un trabajo junto a unos amigos sobre este poblado carpetano de Santorcaz, un pueblo que se encuentra bien cerca de Alcalá. Ya saben: años universitarios, buenos años...

Esta muestra temporal tiene tres objetivos principales: El primero de ellos es hacer público el resultado de las investigaciones que el propio Museo ha estado llevando a cabo en Santorcaz desde el 2001; el segundo, dar a conocer con todo tipo de detalle a la población carpetana que habitó en el Llano de la Horca; y el tercero, invitar al visitante a realizar una incursión por la Hispania Prerromana y acercarle a la identificación de la Carpetania, que es una construcción/concepto de origen romano que sirvió para denominar a la región del centro de la Península Ibérica, constituida por la actual Madrid y Castilla-La Mancha, y formada por pueblos como Toletum, Segóbriga o Complutum (nuestra Alcalá de Henares) y que es de donde provenimos, nuestro pasado.

Así pues, a lo largo del recorrido la exposición nos mostrará importantes aspectos de la vida de la Segunda Edad del Hierro en el centro peninsular, en la Hispania prerromana que va de los siglos III a I a.C. mediante los recursos habituales: vídeos, paneles informativos, ilustraciones (muy detalladas, novedosas y bien realizadas eso sí por parte de Arturo Asensio) y algunas de las piezas más destacadas del yacimiento como el Vaso de los Caballos o la Placa del Ciervo.

Friso decorativo del Vaso de los Caballos.

Tras tener bien claro ya lo que fue la Carpetania, su situación, cronología y demás, se empieza de seguido a explicar lo que fue el pueblo de El Llano de la Horca, destacando como una de sus principales características que se trata de un oppidum, término también latino que se refiere a las poblaciones construidas en un lugar elevado (en este caso en lo alto de un cerro) que presentan defensas tanto naturales como reforzadas y que se establecían con una función estratégica bien clara: controlar el territorio y dominar los recursos naturales más cercanos y básicos, las tierras de cultivo y el agua.

Foto obtenida del blog divulgativo de arqueología y prehistoria de España La Bitácora de Jenri.

A través de los estudios sobre la estructura urbana del oppidum se ha logrado obtener datos sobre la vida cotidiana que nuestros vecinos tuvieron hace dos mil y pico años… Y es que en su trama urbana de casas, espacios habitados y calles empedradas, se aprecia cómo era la organización interna de estas estructuras para aprovechar el espacio, el calor, la luz, y cómo se realizaban las distintas tareas habituales domésticas y económicas necesarias para el mantenimiento del grupo social. Puede parecer una tontería, pero comprender esta organización de los espacio y las tareas nos lleva a entender que ya había divisiones laborales (es posible que cada miembro de la familia se dedicara a una tarea en concreto y en determinado espacio reservado para esa actividad), una diversificación de las actividades laborales, una complejidad y jerarquización-desigualdad social,… Esas cosas que con el tiempo han ido derivando y degenerando en el devastador sistema económico en el que vivimos hoy día...

También estas investigaciones en los espacios domésticos-de trabajo nos ha enseñado la economía que practicaban estos pobladores carpetanos. Una economía muy amplia e interesante que va más allá de la básica economía de subsistencia, porque los restos hallados han demostrado que llegaron a generar suficientes excedentes como para que la artesanía, el intercambio y el comercio se convirtieran en importantes actividades económicas del lugar, teniendo como base a la agricultura, a la ganadería y a la obtención de productos secundarios. Un sistema económico que además de facilitar su supervivencia, fue consolidando, fundamentando y fortaleciendo sus creencias e ideas como grupo.

Placa del Ciervo.

En fin, que si tienen un rato libre y están cerca de Alcalá de Henares, no duden visitar esta exposición del M.A.R, que está bien hecha, es interesante, gratuita y encima se aprende bastante sobre nuestro pasado y sobre cómo conjugarlo con el presente y el futuro. Además, la muestra finaliza con un mini-documental que nos cuenta cómo se encuentra la situación actual en El Llano de la Horca, que es hasta el momento el yacimiento carpetano mejor conservado y conocido. Por esa razón, a este espacio ha sido declarado por la Comunidad de Madrid como Bien de Interés Común y hay un proyecto para convertir ese yacimiento en un interesante y rentable Parque Arqueológico, que será de los más grandes de Madrid y de España, si la crisis no lo impide...

Y es que falta a la verdad quien diga que la arqueología y el pasado no sirven para nada.