El Dedo...

Dibujillo de un pulgar -suelo hacer bastantes de estas cosas raras cuando me aburro, en los márgenes de los cuadernos-. Le he dado algún retoque con filtros y esas cosas. La verdad es que me ha quedado un resultado muy a lo Sam Y Twitch -los seguidores de Spawn y toooodas sus series paralelas sabrán de qué hablo-.

Citay: es una banda...

... americana de la zona de San Francisco formada en el año 2004 y liderada por Ezra Feinberg que se dedica a darle a la psicodelia -si se piensa bien, la verdad es que no podía ser de otra forma viendo de donde provienen-.


Tienen ya tres discos de estudio: Citay -2006-, Little Kingdom -2007-, y Dream Get Toghether -2010- todos ellos con interesantes piezas como "Moonbum" o esta versión en directo de su "Little Kingdom".


Son unos 6 ó 7 músicos que sobre el abarrotado escenario -como puede verse en los vídeos que de ellos hay en Youtube- suelen mostrar unas claras maneras sesenteras, un rock ácido pero también con mucho sentimiento acústico, así como una riqueza y variedad rítmica y un gusto por la melodía que hacen de Citay una opción muy interesante para escuchar tumbados en la cama, tirados sobre el césped de un jardín, o... Donde quieran ustedes.


Ahí os dejamos con otro tema de Citay,"Careful With That Hat":

David Bowie - Thursday´s Child:

Un emotivo e interesante videoclip de múltiples interpretaciones, en el que Bowie trata la añoranza de tiempos y de amores pasados, de la juventud. Enseña que hay vivir y aprovechar el momento... Y es lo que nos gustaría hacer, pero casi siempre acabamos de brazos cruzados, mirando al suelo, incapaces de vencer el temor o la timidez y sin ver lo que nos perdemos. Una pena. "Thursday´s Child" es un precioso tema incluído en Hours, disco del 99 que de forma incomprensible no tuvo muy buenas ventas pese a contar con interesantes temas como "Something In The Air" "Survive" e "If I´m Dreaming My Life".

Ahí suena:

Amigos Imaginarios en El Sol 16 Abril de 2010:

De forma indirecta e inesperada me crucé con ellos. Hace ya unos cuantos años escuché un par de grupos que me causaron una muy grata sorpresa: Nominees y The Shannons, pero les perdí la pista...

Hasta que hace bien poco me enteré que de la unión de varios "elementos" -siempre en el buen sentido- de ambas bandas surgió una banda bajo el nombre de Santi Campos y Amigos Imaginarios, que poco más tarde pasaría a llamarse Amigos Imaginarios, una de las propuestas españolas más interesantes de los últimos tiempos.

A partir de entonces voy de cabeza con ellos, y más de un amigo ya me ha dado un toque de atención por lo "pesao" que me he vuelto con ellos... ¡pero es que son muy buenos!

El viernes 16 de abril Amigos Imaginarios presentaban en la sala El Sol su nuevo disco: Muñecas Rusas -Indiana Rock 2010-, y la RUAH no podía perder la oportunidad de dar a conocer este trabajo a la comunidad universitaria, así que con interés y mucho gusto para allá que acudimos.

Entramos de los primeros, y como curioso que es uno, me acerqué al escenario a echar una ojeada a los instrumentos y vi que la guitarra solitaria -que más tarde se colgaría Santi Campos- estaba desgastada: una buena señal.

A grandes rasgos se marcaron el disco entero, que consta de 9 temas -desde aquí digo que si a alguien se le hace corto no quiero excusas, se le da al play cuantas veces sea necesario, que no pasa nada- e intercalaron piezas pertenecientes a sus trabajos anteriores, como el caso de la intensa e imaginativa "Lobos e Insectos" y de "Disco del Mes", una de las más solicitadas por los seguidores, las dos de su álbum de 2007 El Maestro de Houdini.

Ya plantados sobre el escenario, Amigos Imaginarios iniciaron el espectáculo -o Show como dicen algunos por ahí- con la solemne canción que abre el disco "Cleopatra, La Reina de África" de forma titubeante y extraña al cantar sin micrófono las primeras líneas, creando así un curioso efecto de naturalidad, desnudez y cercanía. Una sensación que iba a ser una constante, a estar muy presente durante el resto de la noche. Digo canción solemne en cuanto al equilibrio compositivo, a la economía de notas, a los matices serenos, con cada detalle en su sitio,... Un ejemplo a seguir en este mundo musical que nos ha tocado vivir en el que tristemente abundan los excesos artificiosos y vacíos:

Seguidamente se lanzaron con "El Hombre Menguante", un éxito en potencia y una de las canciones más accesibles del disco gracias, entre otras, cosas al gancho de su guitarra. A partir de entonces, con las miradas cómplices y las sonrisas que se dieron entre ellos, la soltura y seguridad de sentirse en su terreno, el pedirnos que nos acercáramos más al escenario -seguimos siendo demasiado respetuosos para algunas cosas ¿verdad?- y las conversaciones y bromas entre canciones con algunos asistentes, los Amigos Imaginarios lograron conectar y comunicarse con el público -el feedback que dicen algunos otros también por ahí- y transmitir toda una extensa gama de sensaciones que pasan de la cercanía a la calidez y que nos hicieron disfrutar a todos con la impresión de estar en casa.

Antes hablé por ahí arriba de las guitarras desgastadas ¿verdad? Sí, desde siempre me ha dado un buen presentimiento ver que los instrumentos musicales de los artistas que tengo enfrente tienen solera, están sobados, desgastados y echos polvo. Esto se debe, aunque parezca simplista, a algo evidente: si están así es porque se utilizan con asiduidad y fuerza, porque se les da tralla.

Así que acerté, sorprendentemente, porque pese a que conocía que el sonido de esta banda en estudio es cuidado, delicado, suave,... no sabía que en directo Amigos Imaginarios tenían esos momentos en los que distintos elementos como la intensidad y agresividad eléctrica, los juegos guitarreros plagados de distorsión y de aristas, y la capacidad de interconexión e interacción de todos los miembros de la banda para desarrollar un tema de forma más orgánica, libre y más expansiva -una característica en peligro de extinción en esto de la música lo de ver en concierto algo distinto a lo que aparece en el álbum- se daban la mano para acabar desembocando sin desfallecer y de forma natural en "Un Poco Más Feliz", una sólida composición de abocetados aires psicodélicos en la que la banda entera, con la sección rítmica tan potente e inagotable de Sebastián Giudice, el dinámico y plástico bajo de Jesús Montero, la soberbia y clásica presencia de los teclados de Charli Bautista, el brillante color aportado en las segundas voces de Ester Rodríguez, así como las tremendas letras de Santi, actuó como un mismo ser con la única finalidad de crear esta maravilla de canción:

Hasta ahora mismo no habíamos hecho hincapié en el apartado lírico de Amigos Imaginarios. Un aspecto muy importante en esta banda que tiene como responsable a Santi Campos, creador de unas letras introspectivas, reflexivas, originales y personales -pero inteligibles y claras- que hacen que el que las escuche se pueda sentir tanto identificado como interesado o atraído por ellas. Son letras como las de "Cabos Sueltos" las que hacen que los periodistas ya tengan una pregunta para sus entrevistas, la típica ¿qué hay de autobiográfico en ellas? Y la verdad, personalmente me daría miedo que la gente creyera que me conoce... Quizá sea una mala persona y tenga algo oscuro que ocultar. Quién sabe.

En varios momentos durante el concierto, Santi Campos habló del silencio, del respeto que había en la sala, al gusto que le daba la atención prestada por parte del público -que hay que decir que se portó de lujo-...

La verdad es que no sé si lo decía en broma o no, pero lo cierto es que el silencio es un elemento básico e imprescindible para la música, últimamente menospreciado. Es el inicio, de él surge todo y por ello se debe respetar. De ahí que en los recitales de música clásica -que suelen mantener esos conocimientos y tradiciones- no se inicia la obra hasta que no haya un silencio absoluto y no se aplaude en el final hasta que no se haya extiguido el último acorde.

Pues con ese respeto y esa calma irrumpió, tras un falso arranque, de forma conmovedora la canción con la que se despidieron hasta la próxima los Amigos Imaginarios, "Canción del Frío", una muestra más de la increíble capacidad de crear atmósferas y ambientes, de evocar paisajes y mundos que tiene esta banda. Una fría belleza repleta de contrastes entre lo sutil y etéreo de los teclados y juegos de voz y lo majestuoso de los tensos requiebros de las guitarras.

Una canción que igual que vino, se nos fue apagando...:

Tras aplaudir y gritar unos cuantos ¡bravos! -no los grititos de indios que se están poniendo de moda por aquí- vi al salir que se habían puesto un mostrador con sus discos, así que sin dudar ni un segundo me hice con Muñecas Rusas, pues pese habérmelo bajado desde la página del grupo, las cosas hay que hacerlas bien.

Esperamos que esta personal visión sobre los Amigos Imaginarios y la presentación de su disco Muñecas Rusas cale entre la gente que nos lee y escucha. Así que ya saben, aunque encasillar a este grupo es complicado, si son amantes de los sonidos americanos de clásicos como Neil Young o The Band, de referentes internacionales más actuales al estilo Wilco o The Jayhawks, o nacionales como Quique González, ¡este es vuestro grupo!.

Desenlace de Hard Rain III:

The Kinks Are The Village Green Preservation Society:

Tras pasarme una larga, largísima etapa escuchando los dos primeros discos de los Kinks y enganchado por los sonidos básicos que hacían estos chicos con los riffs de Dave en "All Day And All Of The Night" que todo el mundo conoce, el espídico "Too Much Monkey Bussiness" y otras maravillas garajeras; decidí entonces que ya era hora de dar el gran salto adelante (de la mano siempre de Ray Davies) y así fue que me hice con "The Kinks Are The Village Green Preservation Society".

Éste es el sexto disco de estudio de los Kinks y aquí si que no hay rollos del porqué pese a la calidad que atesoraban estos londinenses, no llegaron a ser tan contemplados a nivel mundial y no pudieron acceder a los grandes escenarios. Las causas son muy claras: la primera es que de vez en cuando se volvían unos bandarras, llegando a ser vetada su presencia en los Estados Unidos (hecho que les restó al principio de su carrera un gran mercado). La segunda es todavía más sangrante, y se debe a los constantes obstáculos que sufrían por parte de la compañía que les grababa, la PYE. Simple y llanamente todo esto se debió al escaso apoyo y promoción que recibieron, y a la muy limitada capacidad creativa de sus miembros ejecutivos, que tras el tremendo y repentino exito obtenido con "You Really Got Me" sólo los veían como una máquina imparable de sacar sencillos del mismo corte, vendibles claro (con la consiguiente frustración de Ray, que se veía con un margen de mejora en cuanto a tareas de composición sin límite).

Por todo esto, los Kinks quedaron junto a los Small Faces de Steve Marriott y Ronnie Lane en una segunda fila de artistas por detrás de gigantes como los Beatles, Rolling Stones y los Who. ¡Pero qué segunda fila señores!
Pese a todos estos inconvenientes en Inglaterra y Europa sí que brillaron. Además, importantes grupos de Britpop o de Pop a secas han reconocido la influencia que esta banda ha ejercido sobre ellos.

Para este disco del 68, los Kinks estaban integrados por Ray Davies a las guitarras, teclados, composiciones y voz; Dave Davies a la guitarra eléctrica y voces; Pete Quaife en la que sería su última aportación como bajista; y Mick Avory a la batería. A parte, colaboraron en la construcción del disco la novia de Ray, Rasa y el siempre solicitado Nicky Hopkins a los teclados.

Habían dejado ya de lado su entonces seña de identidad: el sonido crudo y directo con tintes R´n´B y del primitivo R´n´R, que aparecía de forma impetuosa en temas de sus primeros discos como el himno "You Really Goy Me", "Beautiful Delilah", y "Wonder Where My Baby Is Tonight" entre otros tantos trallazos garajeros.
Este cambio en el terreno musical vino favorecido por el potencial y capacidad de progresión que en el fondo tenían todos los miembros de la banda, algo que poca gente en la compañía parecía ver. Mucho tuvo que ver en este aspecto que el "productor-lapa" Shel Talmy iba perdiendo cada vez más su capacidad de influencia y de tomar decisiones dentro del grupo hasta llegar a desaparecer de la vida de los Kinks (como anécdota, tenía el muy cuco la costumbre de incluir en los álbumes un tema escrito por él para llevarse los royalties).
Ahora sin tantas ataduras, Ray y compañía evolucionaron hacia un sonido que se caracterizaría en este período por abandonar los clichés que ellos mismos habían creado, centrarse en el cuidado prestado a los arreglos, acercarse a posturas más cálidas y más Pop, y también experimentar con otros elementos como el Folk y con la Psicodelia, aunque sin llegar a momentos tan delirantes o estrafalarios como otros coetáneos).

En cuanto al ámbito compositivo y lírico, el responsable de esta parcela Ray Davies pasó en poco tiempo y en unos pocos discos de adaptar letras de R´n´B y Soul americano, a desarrollar una increíble habilidad para componer temas que hablaban con gran ironía de la cotidianeidad de los múltiples aspectos de la vida, de lo íntimo,... Un estilo de desbordante personalidad que chocaba evidentemente con las novedades alienantes que provenían del otro lado del Atlántico.

Portada del LP para los países escandinavos.


Ray, con la intención de cambiar la inercia de la banda (tenía la acertada sensación de que se estaban convirtiéndo en unos meros especialistas en crear singles) empezó a trabajar con la idea de crear un álbum conceptual, pero...
...En este momento es cuando se desencadena una lucha entre Ray y las compañías de las que dependía: PYE en Europa y Reprise en USA. Los Kinks no tenían libertad para colocar sus discos en el mercado en los plazos, frecuencia o forma que ellos quisieran debido a que todo debía contar previamente con la aprobación de las dos discográficas. Ante esta situación, el prolífico de Ray intentó zafarse de estas ataduras y concibió dos álbumes distintos: Four More Respected Gentleman (con 11 temas, para Reprise) y Village Green (con 12 temas, para PYE).
El resultado fue que las compañías no aceptaron su propuesta.

Inmediatamente Ray ideó el lanzamiento de un disco doble de 20 temas a precio de un único álbum... ¿y qué pasó?... Pues que este proyecto también se fué al limbo, ¡Qué raro!

Con este panorama, la única solución fue la de hacer una mezcolanza entre los dos proyectos, dándo como resultado un único disco de 15 temas... Nuestro "The Kinks Are The Village Green Preservation Society".

El maltrato que recibió este grupo por la discográfica se demuestra con el hecho de que el lanzamiento del disco en Gran Breaña el 22 de noviembre del 68 no contó ni siquiera con la promoción de un single adelanto. Debido a esta "inteligente" idea, el trabajo de los Kinks quedó relegado al ostracismo más absoluto en un período en el que estaba en pleno auge el autobombo de grupos que encarnaban la exhuberancia, excesos e innovación sonora psicodélica, y donde Estados Unidos se había convertido de nuevo en el centro de la cultura musical popular (de la Invasión Británica se pasó al peregrinaje de grupos de las islas a ciudades americanas como San Francisco, como un proceso de formación y aprendizaje).

A modo de contraposición y pasando de las modas imperantes, el genio compositor y poético de Ray creó un álbum de una estética alejada a millones de kilómetros de distancia de lo que se estaba realizando entonces, con canciones como la que da inicio y título al disco, que trataban temas como la idealización y visión nostálgica de tiempos pasados y de las tradiciones como se refleja en letras como estas "God save tudor houses, antique tables and billiards":

Otros temas a destacar son "Big Sky", "Startruck" o este "Do You Remember Walter", que con un sonido muy británico de piano percusivo en la entrada, va dejando a Ray el espacio necesario para meditar sobre las cuestiones las amistades perdidas, de tiempos pasados...:



La bucólica "Animal Farm" es sin lugar a dudas mi canción favorita del álbum, con esos arreglos de cuerda tan tenues que hacía de la música de los Kinks en esta época algo cercano y acogedor. Era algo muy inteligente y de agradecer el no presentar esos arreglos pomposos o recargados que podían llegar a aturdir o intimidar al oyente:



"Mr Songbird" es un tema que fue creado para formar parte de la idea inicial del álbum de 12 temas para Europa, pero como ya vimos, se quedó olvidado en la trastienda. Afortunadamente con esto de las reediciones aquí lo tenemos para escucharlo con atención y con lo que nos despedimos por hoy:



Con el paso del tiempo, el disco ha ocupado su puesto en la Historia de la Música como uno de los más importantes y logrados de los Kinks, llegando sorprendentemente a ser uno de los más vendidos de su discografía junto a los magníficos Something Else By The Kinks y Arthur Or The Decline And Fall Of The Brittish Empire, que no están mal del todo ¿no?

Una de esas joyitas: Eduardo Bort

Hoy iba a hablar de algunas de las cosillas recientes que he pillado por ahí (todo de legal), pero al rebuscar un poco por mis estanterías finalmente me he decidido a comentar y hacer una entrada dedicada a un artista y a un disco de los que hacen afición.

Empecemos la historieta con un agradecimiento especial por haberme dado a conocer este disco a una cosa que se llama Youtube: entre otras mañas, una herramienta indispensable pues me permite lo que en baloncesto se llama hacer scouting: analizar y rastrear verdaderos clásicos de la música desconocida o extraña, en especial de los años en los que los chicos llevaban melena, las chicas no utilizaban sujetador y las palabras paz y amor resonaban por todos lados. Pues así es como me topé de frente con el músico valenciano Eduardo Bort y una composición suya titulada "Thoughts-Pensamientos".

Y así quedó este encuentro: anotado entre mis desordenados papeles, siempre repletos de nombres de grupos, artistas y dibujillos.

Entonces, pasado un tiempo y durante las vacaciones de verano, ocioso como siempre, decidí darme un paseillo por unas conocidas tiendas de electrodomésticos que se publicitaban con la imagen de una persona con sobredotación intelectual (si no sabéis cual, mejor para vosotros). Después de entrar y pasarme por la sección de Novedades Nacionales sin mucha novedad, me acerqué a la sección de Internacional a ver que nuevas me traían...y ¡¡¡Oh sorpresa!!! Detrás de un disco de los Jonas Brothers me encontré con el bueno de Eduardo, flotando por el cosmos con su guitarrita. El corazón se me aceleró y me lo pillé, por ¡¡¡5 Euros!!! Y yo que desconfiado creía que si alguna vez iba a tener entre mis manos este álbum sería en una tienda hiperespecializada de blablabla y tras pedir un préstamo. Pues nada de nada, en edición digipack y remasterizada... un lujo.

Ya en casita le puse el disco a mi padre y resulta que no lo conocía (¡já, otra victoria más que apuntar!) y nos sentamos en el sofá del salón a escucharlo, lo pusimos a todo trapo y ahora, después de la charleta que os he soltado, es cuando viene el análisis-comentario:

Lo primero que debemos decir es que este álbum se grabó en el año 74, con lo que ya es meritorio el grabar una obra de esta planta en esos tiempos que corrían. Además, por lo que he leído por ahí este trabajo es considerado por muchos (con gran acierto creo) como una de las culminaciones del Rock-Progresivo de España. Una afirmación u opinión realmente importante si tenemos en cuenta que estamos hablando de un territorio musical por el que se movían grupos encuadrados dentro del llamado Rock Andaluz como Triana, Alameda, Storm u otros como Los Módulos en Madrid o Iceberg en Cataluña. Es decir, no estamos hablando de tonterías.

Es este LP de debut una obra maestra ejecutada por Eduardo Bort, músico valenciano dotado de un gran talento en cuanto a las tareas de producción (se recorrió y trabajó en los mejores estudios de Europa) y en cuanto a la interpretación, pues es un maestro de las guitarras.

En resumen, este trabajo es un verdadero compendio musical de lo que se hacía por entonces, ya que (ahora los amantes de las etiquetas van a disfrutar) entre las canciones de este plástico surge la perfecta unión de estilos como una Psicodelia española ya tardía, Space-Rock, Rock Progresivo y Sinfónico (con toda la parafernalia de mellotrones, sintetizadores, mini-moog, pianos eléctricos y no, órganos y teclados de todo tipo, como debe ser), golpes de Rock Duro, pasajes Folk y breves pinceladas de Jazz-Rock,... Sólo le faltaba unas gotitas de Pasodoble y Vals al asunto.

"Thoughts-Pensamientos Pt 1 y 2" son las dos primeras pistas del álbum y aparecen engarzadas formando una única composición de unos 8 minutos de duración aproximadamente que se abre con una guitarra acústica que parece el inicio de un tema folkie donde hacen acto de presencia unas campanas tubulares realmente curiosas, pero que luego se entremezcla con un juego sintetizadores increíble que acaba dando paso a la segunda parte, donde destacan por encima de todo los cambios de ritmo (una constante a lo largo de este álbum) a la manera de los primeros Black Sabbath y que se va tornando y orientando más hacia el Hard Rock o Heavy como se aprecia en el empleo de agudas voces y de una instrumentación más contundente liderada por el baterista Vicente Alcañiz y la guitarra de Eduardo. La explicación que he hecho es confusa, lo sé y lo siento, pero para eso afortunadamente están los audios...

Tras este entrante aparece la pieza central del disco, "Walking On The Grass-Paseando Sobre La Hierba", que se inicia de forma mansa y apacible, con unas etéreas voces flotando sobre un lecho de guitarras acústicas y flautas que nos traen ecos del "Talk To The Wind" de los británicos King Crimson. A partir de aquí se inicia una ruptura y surge otra sección realmente preciosa, mágica y muy magnética (mesmerizante he llegado a leer por ahí) en el que los protagonistas a mi parecer son las voces superpuestas, en una magistral demostración de saber hacer en la producción, y una impecable ejecución musical en la que la labor del bajista Marino Hernández es impagable. Al igual que la última parte de esta composición, que nos muestra de nuevo el dominio en los cambios de ritmo y una soberbia guitarra que nos trae recuerdos del también genio Tony Iommi en sus momentos más salvajes.

Y ahora es cuando, tras el abrupto final, irrumpe la que es para mí la pieza esencial del disco, y por ello mi favorita: "Pictures Of Sadness-Cuadros De Tristeza", con una maravillosa apertura acústica y de sintetizadores. Si leéis por ahí más cosas de este disco, encontraréis muchas menciones a que las letras están cantadas en inglés pero con un acento español que tira para atrás (pero no os preocupéis que no es tan escandalosamente escandaloso como lo del Príncipe Gitano y el "In The Ghetto" o lo de los Gipsy Kings y su memorable tributo al "Hotel California" o lo de El Pescaílla y "La Chica De Ipanema" o lo de... ¿Me entienden, verdad?). La verdad es que a mí eso es algo que no me afecta en demasía, me parece algo anecdótico o superfluo. Además, no creo que muchos españolitos de hoy día puedan presumir de dominar la lengua de Shakespeare). La letra de esta canción es tremendamente simbólica, abstracta o directamente flipada, porqué no decirlo, pero sin duda también es bella y emotiva.

Si esta canción es la más accesible del disco es debido en parte a su corta duración (algo que agradecerán los tiquismiquis) y por tener uno de los riffs de guitarra eléctrica más guapos que he escuchado nunca: evocador, con reminiscencias medievales y románticas.

Las dos últimas composiciones son "Yann" y "En Las Riberas Del Yann", piezas que muestran de nuevo el gusto por todo lo relacionado con los sintetizadores y que en cuanto a cuestiones rítmicas nos acercan levemente al Jazz-Rock o Jazz-Fusión de gente como la Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin, pero sin violín eléctrico de por medio.

Poco más hay que decir, salvo que en cuanto tengáis la más mínima oportunidad os hagáis con el disco, claro.

El Arcángel San Miguel y los Ángeles Caídos:

Es esta una de mis pinturas favoritas desde el primer momento en que la vi durante nuestra visita al Museo de Historia del Arte en Viena -conocido por los paisanos de aquél lugar como Kunsthistorisches Museum o algo así-, un sitio que además cuenta con una buena colección de Brueghel el Viejo, algunas cosas muy interesantes de Caravaggio y otras muy feas y desagradables de Archimboldo.

Lo que me llamó la atención de esta obra fueron dos aspectos: la primera, su impresionante color y esa fulgurante luz dorada, la creación de una atmófera que trasciende lo terrenal. La segunda cuestión que me atrapó fue el sobrecogedor rostro del ángel caído que está en la esquina inferior derecha (esa mezcla de rasgos humanos y animales, de expresiones que comprenden odio, temor,...- Es impresionante.

Pues el responsable de esta obra se llamaba Luca Giordano, un pintor barroco italiano nacido en Nápoles en 1634, que en nuestro país era conocido y reconocido como Lucas Jordán.
En su juventud fue discípulo de José de Ribera, recibiendo un influencia que se manifiestó en la composición y en la iluminación tenebrista, pero con un empleo del color diferente, más vivo. Debido a la gran influencia del artista español y a los numerosos viajes por Roma, Venecia y otras ciudades en busca de un mayor conocimiento de las diferentes técnicas, innovaciones y maneras de la época, se conviertió en uno de los mejores artistas del barroco.
Con esto, recibió numerosos encargos de españoles como la del rey Carlos II, que le encargó pintar los frescos del Real Monasterio de El Escorial.
En 1692 regresa a España, donde permanecerá durante una década. La libertad, inventiva y la técnica de Giordano fueron una de las causas del éxito de los frescos de El Escorial. A esta obra siguieron otras de gran importancia como El Palacio del Buen Retiro, la Iglesia de Atocha y la sacristía de la Catedral de Toledo, además de numerosas obras en lienzos para la corte y el clero.
Debido a la muerte de Carlos II y a la difícil situación durante la época de la nueva dinastía borbónica con Felipe V, decide volver a Italia, donde fallecería tres años después.

Pues eso es todo por hoy.

Fuentes: wikipedia, enciclopedia de historia del arte, yo mismo, esas cosas,...

Danny Kortchmar:

Lo normal es destacar la figura de flamantes héroes de la guitarra y encumbrados dioses del micrófono, pero lo de hoy no va por esos caminos: me gustaría rendir tributo al guitarrista de estudio y apoyo americano Danny Kortchmar.

A muchos (los que no se compran los discos originales o tienen la fea costumbre de no leer con detenimiento los créditos) este nombre les sonará a chino o les parecerá que carece de importancia leer la entrada sobre este artista, pero si buscáis en vuestra discoteca y digo unos cuantos nombres de personas con las que ha colaborado y trabajado de forma íntima, cercana e importante, es posible que la opinión se les cambie:

Danny "Kootch" Kortchmar, a lo largo de sus 64 añazos ha aportado su talento para artistas como el espléndido James Taylor en varios discos como Sweet Baby James o Gorilla.

Con Jackson Browne también tuvo tiempo de colaborar en el disco del 77 Running On Empty, un disco en directo de estos curiosos pues no sólo hay muestras del talento de Jackson y compañía sobre el escenario, si no grabaciones en habitaciones de hoteles (como este caso) o dentro del autobús utilizado por la banda. Además, para este álbum Danny mostró su faceta como compositor, dejándonos "Shaky Town", mi favorita del disco junto a la famosísisima "Stay" (sí, esa en la que David Lindsey lo da todo):

También colaboró con un sinfín de artistas más, principalmente vinculados y relacionados con toda esa tropa que tanto nos gusta... Con David Crosby y Graham Nash participó en varios proyectos de la parejita, con Linda Rondstadt, el Eagle Don Henley o Carole King y su Tapestry de maravillosas canciones como esta "It´s Too Late":

Bueno, ahora quizá tras esta enumeración suene un poco más...

Danny Kortchmar es un guitarrista y músico tan centrado en su carrera apoyando a otras personas, que de forma individual tiene únicamente dos obras a título individual: "Kootch" e "Innuendo" y no creo que fuera por su falta de talento, si no porque aunque parezca inconcebible en los tiempos que corren, antes había gente que prefería desarrollar su carrera (sólida carrera( sin dar la nota, a pasos cortos pero seguros, sin inmediatez de éxitos vacuos,... Aunque pudiera repercutirle de forma negativa en otros aspectos.
Para mí esa capacidad o esa forma de pensar es encomiable.

Es evidente que como he dicho antes al principio, Danny y su guitarra ocupa una posición muy secundaria en cuanto a popularidad y reconocimiento por parte del gran público, pero goza de un gran estatus y también del cariño dentro del mundo del artisteo americano ganado a pulso, pues su presencia en los estudios de grabación asegura calidad a raudales y un sonido de lujo (es de esos uitarristas de pocas notas, pero bien puestas en su sitio). Además, si una persona está rodeada de tanta buena música, esto nos querrá decir algo ¿no?

Aquí le vemos en una actuación interpretando "Spoonful" con otra gente y muy a su manera:

Pues ahí queda esta pequeña entrada-tributo a un músico profesional donde los haya, de un nivel incuestionable y que forma por méritos propios parte de la Historia de la música popular americana y mundial.


A Danny, por él y por su música.

Armando - One World One Future:

Ahora que me pongo a pensar, desde que tengo el Blog creo que nunca he tratado con profundidad algo relacionado con la música Electrónica, ni siquiera una minúscula referencia, así que creo que ha llegado el momento de solucionar el problema. Ya mismo.

Es cierto que tradicionalmente esta música ha sido despreciada y considerada como un subgénero en el sentido más peyorativo. Por tanto, es posible que muchos amantes del Rock o de otras músicas más o menos "puretas" o conservadores por qué no decirlo, estén pensando "éste es un desnortado"... Pues la verdad es que sí, mi brújula de sonidos apunta a múltiples direcciones (he de decir que mientras escribo esto están sonando en mi habitación los brillantísimos Small Faces, y esos poco sabían de samplers, scratches, BPM´s,...)

Hay que validar y reivindicar la Electrónica, destacar claramente y sin miedo a críticas que ella hunde sus raíces en la noche de los tiempos (siempre me ha gustado esta expresión), entroncándose directamente con la música en su esencia más primitiva, cuando los reiterativos e intensos patrones rítmicos más o menos complejos servían para practicar y celebrar rituales iniciáticos-religiosos en los que la música se convertía en un vehículo o instrumento con el que entrar en trance y pasar a otro estado de conciencia. Unos rituales que eran unas actividades culturales, verdaderamente solemnes y respetables.

Es cierto -segunda parte- que con el paso de los siglos esta música acabó transmutándose en un elemento con el que bailar, simplemente bailar.
Algo superficial, frívolo y banal para muchos, pero amigos... ¿no criticaron de la misma manera, con los mismos argumentos al Jazz que nació en los prostíbulos de Nueva Orleans? ¿O al Rock And Roll de caderas contoneantes en los años 50?

Es cierto -tercera parte- que la Electrónica, esta vez con el paso de los milenios acabó cayendo aparentemente sin freno en un mundo repleto de minimalismo, nihilismo y también en el hedonismo... ¿Pero ello es malo? Estas no son más que unas corrientes o posiciones y actitudes de pensamiento y actuación totalmente equiparables a las del Rock de la Velvet Underground por poner un ejemplo, sin entrar en discusiones más profundas.

Es cierto -cuarta y última parte- que hay música Electrónica mala hasta decir basta (no diré nombres porque no es mi objetivo hoy), pero este es un campo muy amplio y diverso en el que tenemos dignos representantes. Os sonarán tótems clásicos del asunto como Brian Eno o Kraftwerk entre otros, pero hay más...

Después de estas extrañas y repentinas ganas de reivindicación que me han entrado, vamos a empezar a hablar de una figura llamada Armando y de su disco One World One Future:
Armando Gallop fue un DJ, productor y creador de una escasa pero esencial producción musical que le hizo convertirse en uno de los pioneros del Acid House y toda una referencia de la Electrónica moderna de baile gracias al tremendo legado que nos dejó. Por ejemplo a él le debemos en buena parte la puesta en práctica del minimalismo o el gusto por el estilo y la elegancia sonora, que calará mucho en Francia con el llamado French-Touch, (díganselo si no a Saint Germain),...

La formación musical de este muchacho estaba íntimamente ligada a los sonidos negros, muy importantes para el desarrollo de este género. Los surcos de sus vinilos recogerán los rasgos más significativos del llamado House: loops con esencias del Funk más oscuro y polvoriento, elementos del Soul que se plasmarán sobre todo en las voces de sus Divas, del Acid Jazz, de la vitalista y enérgica música Disco más "peloafro", la variopinta música underground y del Tecno-Pop proveniente de Europa (en otro de esos casos de idas y venidas musicales).

Con semejante bagaje, un jovencísimo Armando (nació en 1970 en Chicago) empezó a revolucionar la escena musical Dance con la publicación en 1987 de "Land Of Confusion", un maxi de corrosivo y ácido Funk sintético y lisérgico que alcanzó el estatus de himno House:

Tras esto continuó publicando más maxis y temas, para a principios de los noventa desaparecer del mapa musical hasta que en el 95 fichó por la discográfica Radikal Fear, que era propiedad del reputado productor y DJ Felix Da Housecat. Allí, bajo esa nueva escudería empezaría de nuevo su resurgir con una serie de lanzamientos de singles, maxis y recopilaciones de muy difícil búsqueda y que no es plan de ponerse ahora a mencionar*.

En 1996, ya restaurado en su cabina (en su trono) editó con esa misma compañia su primer y único álbum: One World One Future, una pieza imprescindible de la música de baile contemporánea que tuve la suerte de encontrarme totalmente nuevecita en una tienda de discos de segunda mano. Hay que ser canelo para desprenderse de esto...

One World One Future era la culminación de todos esos años de ejercicio, experimentación y trabajo musical. Una fusión prefecta de todos los elementos que anteriormente hemos mencionado: funk, disco, acid, underground... Una pasada.

Un ejemplo del alma y sentimiento que Armando ponía en sus producciones es este "Welcome II The Warehouse": una pieza de House orgánico y vibrante, con una sobresaliente y saturada línea de bajos y un perfecto manejo de la técnica del sintetizador como el Roland TB-303 que da como resultado la creación de un ambiente atmosférico denso, húmedo y cálido. Para que luego digan que la electrónica es fría...:


Como apunte, Warehouse es el nombre del mítico club de Chicago en el que según cuenta la leyenda Frankie Knuckles y compañía inventaron esta música. De ahí lo del "Padrino del House".
Interesado siempre en otros sonidos, nuestro hombre dejó un poco aparcada su faceta House para iniciar a mediados de los 90 un nuevo rumbo como productor de Hip Hop (sonido que ya estaba plenamente consolidado y que pegaba con gran fuerza en Estados Unidos), pero la fatalidad frenó el genio creativo de Armando Gallop, pues un 16 de diciembre de 1996 murió debido a una enfermendad que le había sido diagnosticada un año antes: la leucemia.

Un dato que os hará ver el nivel de grandeza que adquirió este hombre con sólo 26 años dentro de la escena Dance es que unos días antes de su fallecimiento, tuvo lugar una fiesta londinense en la que se reunieron algunos de los mejores DJ´s del mundo como Laurent Garnier y Carl Cox (al que le debían mucho) con la noble intención de recaudar fondos con los que poder sufragar los gastos de su hospitalización y cuidado médico... Maldita leucemia.

Para acabar este reconocimiento con cierta sensación de alegría y optimismo, vamos acabar con una de los temas más reconocidos de Armando, un bailable y disfrutable clásico del House llamado "Radikal Bitch":


Poco antes de publicar esta entrada decidí revisar de nuevo la discografía de Armando (por lo de lo complicado de seguir la obra de muchos DJ´s por lo prolíficos que son y eso), y me he encontrado con una pieza de este hombre perteneciente a una sesión de 1988 y que fue redescubierta hace unos pocos añitos entre los archivos sonoros de Head Studios. Así que debido a la importancia del hallazgo y al Revival por los sonidos House clásicos, la compañía poseedora de los derechos de la pieza, Let´s Pet Puppies, decidió para la alegría de mucha gente reeditarlo en vinilo incluyendo remezclas de otros artistas actuales.

La verdad es que la profundidad y atrayente magnetismo hace que este sea el último tema con el que nos despedimos de esta entrada y del fascinante mundo sonoro de Armando. "Don´t Take It":

*Para quien quiera más información sobre la música Electrónica, que busque en el libro "Dance Music", escrito por Luis Lles para Celeste Ediciones en 1998, que está a buen precio y es muy interesante y completo.