¿Parecidos? ¿y razonables?:

Portada del disco de Pink Floyd Meddle, del año 1971 realizada por el equipo creativo Hipgnosis y el diseñador Storm Thorgerson.

Foto hecha con la intención de servirme como modelo de oreja para uno de mis dibujos, salió así con ese color y me recordó a...

Keith Moon - Two Sides Of The Moon:

Estrambótico, lunático, genio, exuberante, atronador... Todas éstas cualidades y muchas más son las que lucía Keith Moon, el baterista de los mundialmente admirados The Who.

Para la gran mayoría de los aficionados a este género, Keith Moon fue uno de los percusionistas más dotados y potentes de la historia del Rock, entrando por méritos propios en el Olimpo de los bateristas junto a otros ya de sobra conocidos.
Según palabras de su compañero de andanzas Pete Townshend, éste trascendió límites y estilos musicales para ser "uno de los bateristas más revolucionarios de la Historia", y no se excedió ni un tanto en sus palabras...

Keith destacó por desplegar y manifestar sobe el escenario un ritmo vital y pletórico que estaba íntima y estrechamente relacionado con su forma de ser: extrovertida, agradable, graciosa y simpática, además de otras cualidades como su sensibilidad y generosidad sin límites... pero que progresivamente y con el tiempo (a medida que se incrementó su problema con el alcoholismo y con los tranquilizantes) iría alternando cada vez más con su "otra" personalidad, su otro yo: emergiendo de repente un hombre agresivo, cruel, complicado y autodestructivo.

Pero a lo que íbamos: Moon, aprovechando un parón del grupo entre el año 74 y 75 se animó, al igual que el resto de sus compañeros en The Who, a realizar lo que sería su primer álbum en solitario, que tristemente sería también el último. Un disco repleto de versiones que se publicó bajo el significativo nombre de Two Sides Of The Moon - Las Dos Caras de la Luna.

Esta es una grabación que no se puede considerar otra cosa que una especie de interesante autohomenaje o broma musical, ciertamente muy del gusto de Keith, porque entre otras cosas nuestro protagonista sólo se dignó a tocar la batería en un tema, "Crazy Like A Fox" (en este álbum no tocaba darle a las baquetas), y además se decidió a coger valientemente el micrófono como principal protagonista... Todo un atrevido y encantador disparate.


Para su debut discográfico como solista, Keith tiró de agenda de contactos de amigos, y tras ello entró al estudio toda una caterva de colaboradores de auténtico lujo e impresión, pues no podía ser de otra forma con semejante "elemento" a la dirección del proyecto. Ahí van unos cuantos nombres: Ringo Starr, Joe Walsh de los Eagles, Flo y Eddie de los Turtles, Klaus Voorman, John Sebastian, David Bowie o Spencer Davis... Casi nada.

De este genial delirio, que fue reeditado en el 97 por Repertoire (para quien le interese el dato o el disco en cuestión) y más tarde en el 2006 por Sanctuary (esto ya para seguidores muy muy muy fieles, pues aporta un montonazo de rarezas como bonus track), vamos a escuchar dos temas. El primero es una versión que Keith realizó de la canción de John Lenon "Move Over Ms L":

Y el segundo que suena ahí abajo es "Solid Gold":


Ya para finalizar vamos a contar una anécdota* típicamente "mooniana", de esas que muestran a Keith como uno de los máximos exponentes del sentido hedonista y desenfadado del Rock y que se dio durante la presentación promocional del álbum, cuando entonces el artista se subió a la mesa de la rueda de prensa y se bajó los pantalones y los canzolcillos para enseñar su trasero "De qué os reís?" -dijo Moon, mientras periodistas, fotógafos e invitados se tronchaban de risa- "estoy mostrando las imágenes promocionales del álbum".

Y la verdad es que no mentía, pues un trasero sobresalía de la misma manera en el interior del diseño del disco. Y como éstas, muchas más...

*Para más información sobre los Who y sobre las aventuras y desventuras del "terremoto musical" llamado Keith Moon, os recomiendo leer "The Who", un interesante, documentado y bien narrado libro escrito por Mariano Muniesa para Ediciones Cátedra Rock Pop, Madrid, 2001.

Tipo sentado:

Pequeños grandes temas vol.3

Hace ya casi un año que no volvía a esta minisección musical, así que creo que tocaba... En los dos primeros volúmenes aparecieron enormes canciones que como mucho a duras penas rebasaban los tres minutos, pero ahora vamos a rizar el rizo con la selección en el día de hoy de 7 temas que no superan los dos minutillos. Una selección de "estrellas fugaces":

MC5 - Tutti Frutti: el clásico de Little Richards retomado por estos brutos:



Jefferson Airplane - Embryonic Journey: una maravilla acústica cortesía de Jorma Kaukonen:



John Fogerty - I Cant´ Take It No More: ¡qué voz, qué fuerza, qué todo! :



Elvis Presley - Let´s Have A Party: pues el Rey...



The Left Banke - Walk Away Reneé: otro de esos grupazos poco reconocidos. Próximamente trataré a estos artistas:


Moby Grape - Lazy Me: sin palabras... También tengo algo de ellos por ahí preparado:

Que guste.

Sparks y "This Town Ain´t Big Enough For Both Of Us":

Sparks son un grupo liderado por los hermanos Mael: el mayor de los dos es Ron, responsable de los teclados y de gran parte de las composiciones; y el menor es Russell, el showman y agudo vocalista.

Esta es afortunadamente una banda de difícil definición o clasificación debido a la amplitud de miras musicales de las que gozaban estos hermanos. Con el Pop y el Rock como base primordial, encontraréis aplicadas a los Sparks numerosas etiquetas: Psicodelia, Glam-Rock, música de cabaret e influencias de vodevil, Power-Pop, Art-Pop, Vanguardia, Experimental, New Wave, Electrónica... La verdad es que me podría tirar así unas cuantas líneas más, cuando lo único cierto y claro de todo esto es que el resultado final era muy bueno.

Sparks se caracterizaba por unas maneras un tanto peculiares, una forma de ser y unas letras que gozaban de gran sentido del humor, teniendo como máxima expresión y ejemplo a las propias figuras de los dos hermanos: Russel, histriónico como pocos, no paraba quieto sobre el escenario animando al público y dando espectáculo mientras que Ron, siempre sentado e inmóvil detrás de su piano, ponía caras raras (que eran todo un poema) y lucía su ya característico bigote...

Un bigote que tiene su propia historia: según parece, el mánager que tenían al principio de su carrera quería que los dos hermanísimos tuvieran la misma imagen, con frondosas y lustrosas melenas, más juvenil, vendible y propia de los artistas de los 70, pero como Ron era "muy suyo" decidió hacer otra cosa con su cabellera y su aspecto, que consistió en cortarse la melena y engominarse bien el pelo, peinarse con una siempre elegante y moderna raya al lado y dejarse ese "bonito" bigote de aspecto hitleriano o chaplinesco o lo que ustedes quieran.

La historia de esta banda empieza en Los Ángeles, ciudad donde crecieron rodeados e inmersos en una escena musical local liderada por gente del Pop y Rock psicodélico como The Doors y Love, el pop más accesible y comercial (pero increíblemente bueno) de los Beach Boys, y por el Folk-Rock que por aquél entonces también estaba en pleno auge.

Hay que decir que estos estilos y sonidos no interesaban mucho a unos por entonces jovencitos Ron y Russel, pues sus gustos estaban más próximos a la música que se estaba gestando en Inglaterra con grupos como The Who, The Move, Kinks y Small Faces. Se inclinaban más hacia la sensibilidad pop que ofrecían estas bandas británicas que hacia la música americana (siempre más vinculada a la tradición del blues). Actitud y tendencia de estos hermanos que contrastaba y chocaba con lo que estaban desarrollando los grupos de la zona de Los Ángeles y coetáneos suyos. Por decirlo de una forma más clara: eran los raros de su barrio.

En el año 69 formaron una banda llamada Halfnelson y bajo la producción ni más ni menos que del prestigioso productor (y más cosas) Todd Rudgren grabaron en el 71 un primer disco homónimo que no tuvo buenas ventas. En el 72, ya con el nombre de Sparks grabaron el álbum A Woofer In Tweeter´s Clothing, también con el mismo resultado que el primero...

Los Mael, como buenos anglófilos, siempre tuvieron el deseo y anhelo de poder marchar a Inglaterra (la cuna de sus héroes musicales) y poder grabar allí. Una oportunidad que se les presentó de la mano de su nuevo mánager John Hewlett, antiguo miembro fundador de John´s Children, grupo en el que como curiosidad podemos decir que también estuvo el grandísimo Marc Bolan/T Rex.

Nada más pisar el suelo de la "Pérfida Albión", lo primero que hicieron fue probar a músicos británicos que fueran competentes y que aceptaran las propuestas de los dos angelinos para crear la banda, siendo estos músicos los miembros de su primera formación: Martin Gordon al bajo, Dinky Diamond a la batería y Adrian Fisher a la guitarra. Tras cumplir esta necesaria tarea, se pusieron rápidamente en marcha e iniciaron una serie de actuaciones de presentación en lugares como el mítico Marquee, con las que dejaron atónitos a los espectadores y a la crítica, poco acostumbrada a cosas frescas, nuevas y buenas.



Ante este resultado tan favorable y ciertamente inesperado, lograron firmar un contrato con Island Records, discográfica con la que bajo la guía y producción de Muff Winwood (hermano de Steve) y del maestro Tony Visconti, lograron grabaron unos cuantos álbumes de interés: Kimono My House, Propaganda e Indiscreet.

Kimono My House es el disco que tengo aquí (el de la portada en verde con dos Geishas un tanto extrañas) y es del que vamos a hablar un poco más:

Kimono es considerado el álbum más importante de la carrera de esta "extraña pareja" y también el que les dio a conocer no sólo en Inglaterra, donde ya eran apreciados, si no en su propia casa en Estados Unidos, donde habían pasado hasta entonces bastante desapercibidos.

A grandes rasgos, es evidente a la primera escucha que este disco tiene claras resonancias propias del Glam y del Rock. Es un álbum repleto de teatralidad que hizo que más tarde se les vinculara y relacionara con Queen.
Otra característica de los Sparks, es que destacaron como ya he dicho por ahí arriba por tener una visión musical enormemente amplia y gracias a ello se adelantaron varios años a lo que después haría la gente de la New Wave, algo realmente meritorio.

De este álbum me gustan prácticamente todas las canciones, pero vamos a destacar tres de ellas:
La primera es "Hasta Mañana Monsieur", un tema que narra algo que nos ha pasado a todos: la historia de un hombre que no puede comunicar y transmitir sus verdaderos sentimientos a una mujer porque desconoce su idioma:


La segunda a anotar es "Amateur Hour"*, otra creación los Mael de contundente estructura y pegadizo estribillo:

* Amateur Hour aparece en este vídeo como la segunda canción, tras "BC" (incluída ésta en su segundo disco Propaganda, publicado en el año 74).

Vamos a finalizar con su canción bandera, un single con el que llegaron a alcanzar el puesto nº2 en el Reino Unido y que aquí vamos a ver en una de sus actuaciones en el año 74, con los Sparks en pleno funcionamiento. Estabos hablando de "This Town Ain´t Big Enough For Both Of Us":

Una de esas joyitas: Granicus.

En esta nueva entrada vamos a destacar la brevísima pero intensa obra de Granicus, un quinteto de Cleveland que se caracterizó por practicar un Hard-Rock de gran calidad y que estuvo formado por el vocalista y guitarrista Woody Leffel, el guitarrista líder Wayne Anderson, el guitarrista rítmico Al Pinell, el bajista Dale Bedford y el baterista Joe Battaglia.

Eran herederos directos de la escuela de Led Zeppelin y seguían su estela junto a otras buenasbuenísimasbandas "blueseras" y Hard-Rock como Leaf Hound, Cactus, Captain Beyond...
Hay que destacar que Granicus contaba con un vocalista a prueba de bombas muy a lo Robert Plant, así como con un acompañamiento instrumental de gran nivel que desplegaba y abarcaba distintos registros: sonidos duros, concisos, agitados y palpitantes (como en las canciones Bad Talk o Cleveland Ohio) que convivían con momentos más melódicos, cálidos y emotivos -como los de las preciosas Prayer y Nightmare-.

Una prueba de lo dicho es esta descarga eléctrica llamada "Bad Talk":



En el 73 editaron para la RCA su primer trabajo de estudio (del que estamos escuchando algunos cortes), titulado con el nombre del grupo y considerado por muchos una verdadera pieza de coleccionismo de ocho canciones en su versión original en vinilo...

...Pero ahí quedó la cosa, pues también fue el último disco que realizaron antes de separarse para siempre sin dejar mucho rastro, a parte de unas grabaciones pirata en directo de algunas de sus canciones ya registradas en su disco debut y de unos temas nuevos que parece ser que iban destinados a fomar parte de un segundo álbum.

Poco más podemos decir de esta gente, salvo que disfrutéis de la música que dejaron para la posteridad, para nosotros. Lo que viene ahora se llama "Paradise", toda una demostración de actitud y aptitud de Woddy Leffel y compañía:

Nos despedimos con una de esas canciones que cambiaban de rumbo y viraban hacia espacios más mágicos, épicos y evocadores que aparecieron en su primer trabajo. Una canción que destaca por su gran estructura y su irrupción de voz y guitarra a mitad de la misma, repleta de lirismo, dramatismo, de requiebros...

Os dejamos con "Nightmare":

Phil Lynott y las preguntas impertinentes:

Según se cuenta, una vez a Phil Lynott (el carismático líder de Thin Lizzy) le preguntó un avezado periodista cómo se sentía por el hecho de ser negro e irlandés. A lo que Phil respondió con un simple y gráfico: "Pues me siento... Como una pinta de Guinness".

¡Qué grande!



Aquí arriba el lado romanticón, y abajo el macarra que todos y cada uno de nosotros llevamos dentro... Todo eso y mucho más es lo que representaba Phil y su grupazo Thin Lizzy.

Crítica Flash:

Nuevas críticas fugaces sobre David Bowie y su penúltimo álbum Heathen. Después también acerca de Crown Of Creation, la obra más madura y perfecta de los Jefferson Airplane, y para finalizar una reseña a Let Them Eat Cake, el disco de los inclasificables noruegos Motorpsycho.

Manifiesto De Lo Borde:

A finales de los años 60 la sociedad española estaba aletargada por el franquismo. Algunos jóvenes, sin embargo, espoleados por el movimiento contracultural que había puesto en jaque a la sociedad adulta de Occidente, adoptaron nuevas formas de vida al margen de las establecidas, dando origen a una actitud "underground" de marcados rasgos autóctonos. En Sevilla, por ejemplo, se creó un pequeño reducto de libertad en torno al grupo Smash (sí, el del conocido "El Garrotín"), pionero de la llamada música progresiva. A parte de unos cuantos discos memorables, el grupo sevillano dejó para posteridad un documento en el que se planteaba hacer música como algo unido indisolublemente a una visión del mundo y una forma de vida totalmente ajenas a los convencionalismos sociales de la época. No se trata de un texto expresamente antiprohibicionista, pero recoge claramente las ansias de libertad de toda una generación.

MANIFIESTO DE LO BORDE:
Cosmogonía de la estética de lo borde:
• Hombres de las praderas (Dylan, Hendrix, Jagger…).
• Hombres de las montañas (Manson, Hitler…).
• Hombres de las cuevas lúgubres (funcionarios).
• Hombres de las cuevas suntuosas (presidentes de consejos de administración, grandes mercaderes).

- Los hombres de las praderas son los únicos que están en el rollo y que han salido del huevo. Sus carnets de identidad son sus caritas.

- Los hombres de las montañas se enrollan por el palo de la violencia y la marcha física.

- Los hombres de las cuevas lúgubres se enrollan por el palo del dogma y te suelen dar la vara chunga.

- Los hombres de las cuevas suntuosas se enrollan por el palo del dinero y del roneo.

- No se puede hacer música en las cuevas del infortunio; hay que abrirse hacia las praderas.

- Las relaciones hombre de las praderas/mercader de las cuevas suntuosas son siempre de sado-masoquismo.

- Sólo se puede vivir tortilleando.

I. No se trata de hacer “flamenco-pop” ni “blues aflamencado”, sino de corromperse por derecho.

II. Sólo puede uno corromperse por el palo de la belleza.

III. Imagínate a Bob Dylan en un cuarto, con una botella de Tío Pepe, Diego el del Gastor, a la guitarra, y la Fernanda y la Bernarda de Utrera haciendo el compás, y dile: canta ahora tus canciones. ¿Qué le entraría a Dylan por ese cuerpecito? Pues lo mismo que a Manuel [Molina] cuando empieza a cantar por bulerías con sonido eléctrico:

Aunque digan lo contrario,

yo sé bien que esto es la guerra,

puñalaítas de muerte me darían si pudieran.

Más datos sobre esto en el libro de Juan Carlos Usó "Spanish trip (La aventura psiquedélica en España)", Barcelona, La Liebre de Marzo, 2001. También en el documental "Underground: La Ciudad del Arcoiris."

Más Charles Mingus:

Aquí está ya finalizado el dibujo del maestro Charles Mingus y como en mi vida el papel, la tinta y la música han ido siempre de la mano, pues voy ser consecuente y poner algo contrario a lo de la anterior entrada de Charles, Slop: una vibrante y enérgica composición con la que se abría su disco del 59, Mingus Dinasty.
Muy disfrutable.

L.S.D´s:

El blog del programa musical de la Radio Universitaria de Alcalá de Henares, aquí ; y para escucharlo por internete, entonces aquí.

Historieta de Alcalá de Henares:

Pues esta historieta tiene unos cuantos muchos años y ya la subí en su día. La presente por aquí y nada, salió un concurso por Andalucía (creo que Almería) hace poco y nada también,... Así que aquí la tenéis de nuevo. Pero esta vez impresa en mejor papel, mejor escaneada y con una portada adicional.

L.V:

Cuando era chaval...

...escuchaba siempre una emisora de radio local que pinchaba de forma asidua una canción que me llamaba enormemente la atención por varias razones: la primera era esa línea de bajo tan funky, la segunda su elegante producción y la tercera cómo no, esa voz. Pero tenían la maldita costumbre de no decir nunca el nombre del cantante o el título, por lo que me quedaba siempre con la intriga...

Afortunadamente, pasado un tiempo logré saber quién era el cantante: Luther Vandross, una de las voces masculinas con más temple, control y suficiencia que ha podido disfrutar el panorama del Soul y R&B moderno. Ah, y la canción era Never Too Much:


La chaquetilla que nos luce Vandross es de otro mundo y el Walkman de 3 toneladas huele a ochentas, pero el vídeo tiene su punto entrañable, mostrándonos que un mundo lleno de ritmo es posible, y la canción en sí misma es impecable, de eso no hay la más mínima duda.

Aquí va otra canción de este tremendo vocalista, Take You Out:


Después de la pérdida hace ya unos años de la figura de Luther, pérdida marcada como una especie de frontera entre la época clásica y la actualidad, tengo la sensación de que la música negra, falta de válidos y sólidos referentes, ha ido decayendo progresivamente en ciertos convencionalismos estéticos y musicales. Se ha ido sintetizando de tal forma que tristemente ha perdido (salvo contadadas y queridas excepciones) gran parte de esa espontaneidad, esa sensibilidad, fuerza y vitalidad que la hizo ser lo que era.

Mientras tanto disfrutaré de los clásicos, de esas contadas y queridas excepciones actuales y de la música que Luther nos dejó...

Prestigioso director de cine alemán dice:

Que sí, Werner, que sí...

Las Peores Portadas II:

Devastatin´ Dave: Zip Zap Rap, este single del 86, es una joya olvidada de Old School Hip Hop, en forma de curioso alegato contra el consumo de droga. De la portada prefiero no decir nada, mejor lo véis vosotros. Clásica de los ochenta, con todo lo peor de la misma (vaya, al final he tenido que decir algo).

Richard And Willie: un ventrilocuo afroamericano o negro (como quiera decir el que lo lea) que se dedicó a hacer shows de esos típicos en los 70 para adultos, con contenido explícito, de marcado carácter político, de concienciación social, proderechos y tal. Llegó a trabajar en el mítico Teatro Apolo de Nueva York y a participar con gente como Roberta Flack o el genio humorístico de Richard Pryor.
La portada, una maravilla de la época Blaxploitation.

Mystikal es un rapero estilo Gangsta. He escuchado unas cuantas cosas del señor este y bueno...algunas no me desagradan. El Gangsta Rap estereotipado es bastante mediocre en cuanto a sonido y sobretodo en las letras, que suelen ser muy agresivas y en algunos casos carentes de fundamento o realidad. Por lo que he leído, Mystikal creció y vivió en un contexto social no muy bueno y eso pareció marcarle: tiene un carácter complicado y ha estado en la cárcel, así que es todo un lujo de yerno. Los rappers estos tendrán mucha pasta, pero no se gastan un duro en un creativo o diseñador decente, pues sus portadas son feas de narices: composiciones fotográficas un tanto chuscas, brillantina a tutiplén y cómo no, las letras siempre con diamantes engastados...:)

Happy Louie, Julcia and the Boys: Happy Louie es el líder de una preciosa banda de polka que supo desaprovechar como pocas las múltiples opciones, cualidades y ventajas que ofrecía el vistoso diseño típico de la era flower power.

Primero bajo el nombre artístico Jimmy Ellis y más tarde bajo el nombre de Orion, este enmascarado pseudo-Elvis se dedicó musicalmente a cultivar el Country, Rock y el Rockabilly de toda la vida, logrando incluso el poder grabar para la prestigiosa compañía Sun Records (la primera compañía en la que Elvis trabajó). La verdad es que su dudosa y cuestionable imagen no hace justicia a lo poco que he escuchado de él. Sí, es muy "similar" al Rey, pero sólo por eso ya me parece interesante, así que para aliviar el dolor de ojos que estas portadas os haya podido causar, aquí va una canción perteneciente a Reborn, su primer disco de 1979:

"GG"

Charles Mingus:

Aquí muestro un boceto de este Artista y pongo algo de su álbum del 74 Changes Two: una composición dedicada a la memoria de Harry Carney, el saxofonista habitual de Duke Ellington (ídolo y una de las referencias absolutas de Charles), fallecido ese mismo año.
Aquí todos dan un gran nivel y todos tienen algo a destacar: el hipnótico resultado del trabajo rítmico de la batería de Dannie Richmond y bajo de Mingus, el brillante saxo tenor de George Adams, el creativo piano de Don Pullen y la sentida trompeta de Jack Walrath.

Una interpretación profunda y sobrecogedora.

For Harry Carney:

Dylan - Blood On The Tracks - You´re A Big Girl Now:

Años y años oyendo elogiosas críticas de este álbum de Dylan. Con desconfianza (por las dulces palabras que recibía y no por él, claro) me lo compré y ahora las entiendo, ahora pido perdón.
Es esta una obra que surge de las mismísimas entrañas, sincera y espontánea como pocas...
Duele escuchar cómo en las canciones "If You See Her" o "Idiot Wind" entre otras, Bob se abre al mundo y nos revela su vida, entonces bastante turbulenta en cuanto a su relación matrimonial, todo ello ensalzado con un sobrio y enorme tratamiento musical.
Pido perdón de nuevo.



Cerramos este reconocimiento con "You´re A Big Girl Now", mi favorita del álbum, pero en este caso en la versión original que Bob Dylan realizó en las conocidas sesiones de Nueva York de 1974, y que no incluyó en Blood On The Tracks.
Que guste.

The Sonics:

Hoy vamos a realizar una especie de labor arqueológica musical y retroceder en el tiempo hasta mediados de los 60, con la intención de rescatar del olvido y homenajear a un grupo que es considerado por muchos como los padrinos del Punk, eso sí, con el permiso de Los Ramones y Sex Pistols, que parecen tener la popular titularidad de ese sonido "insano" que emergió en la segunda mitad de los años 70.
Nosotros vamos a retroceder en el tiempo algo más de una década para hablar un poco de The Sonics.

Estos chavalotes americanos de la costa oeste, como ya hemos dicho, son conocidos como los precursores del Punk-Rock, o lo que los amantes de las etiquetas y los especialistas y tal denominan Proto-punk... Aunque aquí lo único que tenemos realmente claro es que el sonido de esta banda es increíble.

Ya en 1965 (apenas a llovido desde entonces) los chicos de The Sonics, con una formación musical bastante clásica al estilo de las bandas de Little Richards, con saxofón incluído, se dedicaron a amenizar a la juventud yankee con una especie de rocanrrol hipervitaminado, que ya nos mostraba y anunciaba lo que bastante tiempo después sería común en los suburbios londinenses o neoyorquinos. Es decir: letras subversivas; gritos salvajes ; instrumentación despiadada basada en acordes simples, básicos y repetitivos; guitarras eléctricas distorsionadas al rojo vivo, tocadas con amplificadores manipulados...

Resumiendo: una verdadera maravilla para los oídos.

De su primer disco grande, Here Are The Sonics, publicado en 1965 por Etiquette Records y reeditado en 2007 por Big Beat y Ace Records, vamos a rescatar un clásico que seguramente ya conozcan los seguidores de The Cramps, estrambótica banda que hizo una versión verdadera-mente buena de este tema...

¡¡¡Os dejamos con Strychnine!!!



Y como viene siendo costumbre, un Bonus Track: ¡¡¡Witch!!!

Cuando lo que manda es el sentimiento del artista:

Según se cuenta por ahí, el extremadamente frágil y sensible cantautor británico Nick Drake pensaba que sus dos primeros trabajos -"Leaves Left" y "Bryter Layter"- estaban recargados y pecaban de sobreproducción en cuanto a los arreglos instrumentales de viento y cuerda, conformando en conjunto un sonido con el que no se sentía ni identificado ni satisfecho...
Ante esta situación, eludiendo convencionalismos y haciendo imponer tanto su visión como su idea musical, inició casi en el más absoluto de los secretos y tras un parón de aproximadamente dos años -tenía serios problemas psicológicos por depresión, de adaptación social, con su discográfica...- unas nuevas sesiones de grabación en las que los deseos de Nick al parecer, se pudieron hacer por fin realidad.
Una vez completado todo el difícil trabajo, este fue enviado dentro de un paquete a las oficinas de la Island, que era su a pesar de todo fiel compañía musical. Allí, tras escuchar el material recibido, los directivos de la compañía creyeron que se debía tratar de una maqueta debido a su aplastante sencillez... Pero de nuevo se equivocaban, porque aquello que estaba sonando frente a ellos era en realidad "Pink Moon": la tercera, personalísima y última gran obra maestra del desaparecido genio Nick Drake: piano, guitarra acústica y voz desnuda...

Los de corbata no sonríen II:

Las mejores canciones en 10 Historias 10 Canciones...

... que es el programa liderado por Juan Ceñal para la RUAH (Radio de la Universidad de Alcalá de Henares) que se emite a través de las ondas en la 107.4 para los residentes en Alcalá de Henares (poquito a poco) y a través de Internet en www.ruah.es para todo el mundo. Además, también debemos contar con su enorme página, que es la siguiente: http://www.10historias10canciones.com , en la que entre otras cosas podréis escuchar en su completo podcast todos los programas ya emitidos, ver sus listados, comentar, así como curiosear en su interminable, interesante y totalmente recomendable lista de enlaces, ¡que el saber no ocupa lugar!.

Es 10 Historias 10 Canciones un original y personal programa musical en el que "la historia detrás de la música, la historia detrás de las canciones" es el nexo y la idea motriz del programa, lo que hace que semana tras semana Juan pueda generar y mostrarnos nuevos programas, historias y canciones.

Recomendado está, así que si os gusta de lo que va el programa, la variedad y calidad musical, tendréis un ejemplo de ello si pincháis aquí. No se lo pierdan.

Y aquí va el enlace que lleva a la lista de mis diez canciones favoritas que he realizado para 10H10C.

Monigote...

...realizado durante un momento de aburrimiento bastante grande, pues ni siquiera recuerdo cuando lo hice. Sólo buscando las palabras que escribí y en Internet he averiguado que tenía algo que ver con música: era parte de una lista que hice de grupos musicales que voy rastreando, cribando...
Om Du Möter Varg es el título de una ensoñadora composición creada por unos suecos llamados Detektivbyran, trío ahora convertido en dúo que realiza una música electrónica y folk extraña que tiene muchas conexiones con algo más conocido: lo que hizo Yann Tiersen para la BSO de Amelie.

Primera entrada del año-Bill Evans:

Al igual que en el pasado, este año lo vamos a iniciar con un grande, con un artista y una música de verdadera categoría: Bill Evans, mi pianista jazz favorito (ya le traté de forma más concreta aquí) y su clásica banda de acompañamiento formada por Paul Motian a la batería y Scott LaFaro al contrabajo.

Voy a hablar un poco del disco en directo Sunday at The Village Vanguard, que fue publicado por Riverside en el 61. La reedición que se hizo de él en el 97 tiene una calidad general de sonido bastante buena, destacando tres aspectos:
El primero es su solidez, que se aprecia sobretodo en los momentos en los que LaFaro empieza a mover los dedos o Paul a darle a las baquetas.
El segundo aspecto es la nítidez, llegando a un nivel tal que hasta los repiqueteos de las copas del público se oyen, sin molestar, creando una sensación de cercanía y de calidez, su tercer aspecto.
En eso del sonido no hay ningún problema y se puede disfrutar de Bill y compañía sin queja alguna.
Pero considero que el disco presenta un gran defecto como es la alteración del orden de las de las canciones si atendemos a la edición original, pues aparecen varias tomas seguidas de temas como Gloria´s Step, Alice In Wonderland y Jade Visions, que son realmente buenas, pero que entorpecen y estorban el discurso lógico del concierto, de la sesión. Así, la sensación de naturalidad queda empañada y emborronada por esta, a mi juicio, grave equivocación en cuanto a la producción. Una equivocación que también sufren otras grabaciones y reediciones de esta compañía.
Si estas tomas alternativas son señaladas en los discos como Bonus Tracks, deberían entonces situarse al final como toda la vida, no entre medias y... Si es que me cabreo y todo cada vez que lo pienso. Lo único bueno de esta "genial" idea es que podría ayudar a comparar las variaciones entre una toma y otra, pero para los que tienen oído esto no vale, molesta y punto.

Aunque este tema, NYC´s No Lark, no pertenece a ninguna de las sesiones de las que estamos hablando, aquí está ¿por qué? Porque me gusta.



Sunday at The Village Vanguard es una recopilación de una serie de actuaciones que Bill Evans y su Trío realizaron durante una semana en ese club neoyorquino. Este álbum es considerado por los que saben como uno de los mejores discos en vivo que hay de Jazz, y una genial muestra de lo que Bill y sus chicos sabían hacer.
Además, este trabajo es un magnífico ejemplo de lo que significa la interconexión musical: en esta época Bill, Scott y Paul, rompieron a base de talento los rígidos esquemas del formato trío y del jazz por qué no decirlo, en los que el instrumento solista era el que llevaba el peso interpretativo y los demás servían casi de meros espectadores. En este álbum, la libertad y la comunicación entre los instrumentos es total, aumentando la riqueza del sonido y de la experiencia que supone escucharlos.
El tercer aliciente de este Sunday at... es que contaba con la presencia de Scott LaFaro, uno de los contrabajistas más innovadores e influyentes del mundo, que ha marcado tanto a artistas del Jazz como del Blues y Rock como Leo Lyons de Ten Years After por ejemplo. La importancia de Sott reside en que su labor ayudó a redefinir el papel de este instrumento en el Jazz dotándolo de más dinamismo, de más peso y protagonismo. Lo triste es que esta participación significó el testamento musical del joven bajista, que moriría pocos días después de realizar estas sesiones.
Por lo tanto, si algún amante del contrabajo o bajo eléctrico lee esto (que haberlos haylos), ya tienen aquí un disco imprescindible que escucharse.

Para los más interesados, he de decir que también se editaron las sesiones completas de Bill Evans y su Trío en el Vanguard Village. Creo que ya sé lo que quiero para Reyes...