Progresión en la Alcarria:

Paisaje en miniatura de la Alcarria: en algún lugar dentro o cercano al triángulo Cogolludo / San Andrés del Congosto / Jadraque.




Realizado con polvo de lapiceros de color, acuarelas, tintas de todo tipo y algunas cosas simples de Photoshop.

John Mayall - The Blues Alone:

Hablar de John Mayall es hablar del mismísimo Blues tal y como lo conocemos hoy día. Ese Blues que de orígen afroamericano pasó a Gran Bretaña, donde unos músicos blancos ávidos de nuevos sonidos lo unieron con el Rock dándole otro empaque, para desde ahí regresar de nuevo a Estados Unidos, extenderse y ya darse a conocer al mundo entero.

Por todo eso, el papel de Mayall en la historia del Blues es para mí importantísimo. Fue uno de los responsables de abrir el sonido Blues negro más ortodoxo, de hacerlo más accesible a todo el mundo, de hacerlo universal.
Eso sí, sin que por ello perdiera su esencia tradicional, sus rasgos propios. Sin venderse o corromperse.

John y sus Bluesbreakers son toda una institución, una escuela de Blues (pues a modo de cantera musical por sus filas han pasado hombres y nombres del talento de Eric Clapton, Jack Bruce, Peter Green, Mick Taylor, Aynsley Dunbar, John McVie,... una lista interminable).
Además, desde sus inicios como banda en 1963 han desarrollado una discografía abundante, enorme, así que voy a seleccionar un disco que es especial para mí, pues fue el primero que tuve de él, y eso siempre marca.

Este álbum es The Blues Alone, un trabajo que John se hizo "a lo Juan Palomo". Es decir, él solito se tocó prácticamente todos los instrumentos (guitarras de nueve y seis cuerdas, armónicas, bajos, pianos, órganos y demás), a excepción de la ayuda que le brindó Keef Hartley, su baterista de los Bluesbreakers en aquél momento.

The Blues Alone se publicó en 1967, apenas un año después del rotundo éxito del disco Bluesbreakers With Eric Clapton, hito musical que evidentemente marcó un antes y después en la carrera de esta formación.

Las grandes expectativas que se crearon en torno a este nuevo trabajo de John Mayall, un buen ejercicio de Blues introspectivo y menos comercial, hicieron que aprovechara la corriente ganadora generada con el trabajo anterior y lograra abrirse un pequeño hueco en las listas de ventas.

Este disco contaba con 12 cortes entre los que se hallan por ejemplo "Brand New Start", sobrio tema que abre el disco donde la reverberante y lejana guitarra rítmica se une a la armónica de John luciendo espléndidamente junto a una prácticamente inexistente sección rítmica que te hace chasquear los dedos para seguir su patrón.

En "Catch That Train", John Mayall vuelve a hacer una demostración de respeto por las tradiciones al jugar con la armónica sobre el ritmo de un tren. Una recurrente temática la del viejo ferrocarril, así como un elemento característico del imaginario colectivo popular norteamericano: el transporte sobre el que marchar en busca de una nueva vida, de nuevas oportunidades y anhelos... Aunque también funciona como una manifestación/símbolo sexual, lo que os apetezca.

Como estos dos temas que acabo de reseñar, hay otros cuantos más en esta buena colección de Blues que creó John Mayall.

Nos despedimos ya con una canción de este disco de la que el célebre Disc-Jockey inglés John Peel acertadamente dijo: "este, este es el tipo de cosas que se deben escuchar en la radio del coche, mientras conduces solo, durante una lluviosa noche...".

Que suene entonces ese tema, "Broken Wings":


Como somos muy buenos y creemos que los verdaderos músicos son los que se sienten cómodos sobre el escenario, aquí va como Bonus Track una actuación en directo de "Broken Wings":

¡¡¡Abran las ventanas, pongan esta canción en alto y...

...dejen pasar la luz y el aire de primavera!!!

"Nuevo día":



"El Sol, joven y fuerte,
ha vencido a la Luna,
que se aleja impotente,
del campo de batalla.

La luz vence tinieblas por campiñas lejanas,
el aire huele a pan nuevo,
el pueblo se despereza,
ha llegado la mañana.

Al amanecer, al amanecer,
con un beso blanco yo te desperté.

La noche llegó, la noche llegó,
porque la montaña se ha tragao al sol.

Y en la montaña se oye un eco de gemíos,
el viento ha quebrao un junco que ya estaba florecío.

¿Por qué se ha escondío el Sol?
Se quea muda de pronto la flauta del gorrión.

Saca la red, hermano saca la red,
que ya ha salío la luna, no la vayas a coger.

Ayer cuando amaneció, una mariposa blanca, de un lirio se enamoró.

Que sí que sí, que no que no,..."
___________

Precioso tema pertenenciente al primer álbum de Lole Y Manuel en 1975, que dió una vuelta de tuerca al Flamenco ortodoxo, ¡Cómo debe ser!.

MJ - Off The Wall:

Este fin de semana me pasé por una gran superficie y allí vi este disco. Sabemos que tratar al Rey del Pop a estas alturas puede ser ya algo poco vistoso como poco o repetitivo y aburrido como mucho, pero es que a mi me da igual.

Reconozco que Michael es uno de esos pocos casos en los que he admirado a un artista o grupo pero que no llegaba a tener nada de él (me pasa con otros cuantos), así que influído o no por las campañas mediáticas y publicitarias que han aparecido en los últimos meses rodeando su figura, ya he corregido ese error al pillarme el Off The Wall.

Voy a obviar todos los acontecimientos extramusicales que han sido tan propios de este artista, pero aunque no me interesan lo más mínimo hay que reconocer que marcaron profundamente su desarrollo personal, psicológico y artístico. Así, vamos a centrarnos simplemente en este disco.

El que yo tengo pertenece a una de esas reediciones pertenecientes a la promoción que RTVE inició el año pasado o por ahí: "Los 100 Imprescindibles: Los Mejores Discos De La Historia Por Menos De 6 Euros" se llamó la campaña esta, y la verdad es que en su catálogo aparecían álbumes interesantes como Hard Rain de Bob Dylan, Black Sunday de Cypress Hill, Heathen de David Bowie, London Calling de The Clash y otros discos que... bueno, son simple y llanamente una castaña pilonga.

A lo que íbamos, la reedición de 2001 de Off The Wall se nos presenta con la ya clásica y típica remasterización (con un resultado ciertamente bueno) y también con material extra en forma de pistas de audio con entrevistas al productor Quincy Jones y al compositor Rod Temperton, más la inclusión de dos demos de los que hablaremos más adelante.

En cuanto al apartado del diseño artístico, lo primero que llama la atención de esta reedición es que la portada ha sufrido un cambio bastante notable, ya que en lugar de la fotografía del vinilo original de un Michael Jackson sonriente enfundado en un elegante esmoquin y todavía sin pasar por el bisturí, aparece la imagen de la contraportada del vinilo desplegable: las piernas de Jacko con los pantalones pesqueros por los que asoman sus relucientes calcetines blancos. Además, en el diseño gráfico interior aparecen unas curiosas imágenes de archivo como la de MJ fregando platos junto a su por entonces amigo Sir Paul McCartney.

Con estos cambios de diseño está claro que se pierde parte del valor o encanto de la edición original, pero bueno, en este caso los refulgentes calcetines de Jacko son todo un icono pop (al igual que su guante de pedrería) y por tanto... venga, se puede aceptar el cambio producido. Aunque mi opinión sobre este aspecto es que siempre se debería mantener el trabajo artístico y gráfico primigenio, restaurarlo en caso de que lo necesitara y además añadirle nuevo material como aliciente para potenciales compradores y seguidores... Eso sería lo idoneo, claro.

En cuanto al aspecto musical, Off The Wall, el álbum publicado en el 79 por la Epic, se define a grandes rasgos como un magnífico y perfecto manual de Funk vibrante y contagioso, amén de otros sonidos como la música Disco, Pop, Soul, Baladas,...

Para la realización de este álbum, un joven Michael puso en práctica la inaudita inteligencia musical de la que estaba dotado, haciéndose acompañar de un grupo de profesionales de la música del más alto nivel donde destacan nombres de postín como Paulinho Da Costa, George Duke o Steve Porcaro y otros menos renombrados pero básicos para la consecución de este disco como el baterista John Robinson (prestigioso y solicitado músico de sesión), el guitarrista de la Motown Wah Wah Watson y el bajista Louis Johnson, uno de los maestros de la slap.
Esto, la capacidad o instinto para saber rodearse de gente capaz y competente, es algo que hay que saber reconocer a Michael, a los grandes artistas y a la gente corriente. Si no, ¿Cuántas veces una idea, empresa o proyecto de futuro a acabado yéndose al garete por estar realizada por inútiles? Pues eso.

La verdad es que me ha sorprendido la cantidad de temazos que conforman este disco, practicamente todos menos uno: "It´s The Falling In Love" (no sé por qué, pero así es),
Ahora vamos a tratar un poco los temas que más me han gustado:

El Funk contagioso, positivo y bailongo está abundantemente representado por "Don´t Stop Till You Get Enough", "Get On The Floor" (debió ser esta una de las canciones y discos básicos del terremoto Jamiroquai), "Burn This Disco Out" y "Working Day And Night",

Es esta última de mis favoritas del disco. Un tema que empieza con una introducción ansiosa y que culmina con uno de esos grititos de Michael, desatándose entonces un torbellino de Funk espídico del que me encanta la precisión rítmica y matemática, pero a la vez viva y liberadora cortesía de John Robinson y Louis Johnson. Además, no pueden faltar los repiqueteos de guitarras y estallidos de la sección de vientos comunes a este género.
Uno de los Bonus Tracks que aparecen al final del disco es una toma o prueba de este mismo tema en directo, sin manipulación o producción posterior ninguna y en la que se aprecia de forma más natural y nítida todo el potencial que guardaba este corte.
En definitiva, que si esto no te invita a bailar o mover el esqueleto como dicen los modernos, es que estás muerto.
"Working Day And Night" no me sonaba mucho en comparación con los otros mencionados, y parecer ser que no llegó a ser requerido como sencillo. El hecho de prescindir de este temazo, ya nos indica y habla del enorme nivel general de este álbum.

El Pop-Soul aparece en temas como "Rock With You" o "I Can´t Help It".
El primero es tan grandísimo que no voy a decir nada, y del segundo voy a destacar la elegancia con la que se elaboró esta canción compuesta por Stevie Wonder. En ella, la expresiva voz de MJ supera el Sobresaliente, la Matrícula de Honor y todo lo que haya; y el delicado tratamiento musical es simplemente delicioso (parezco un crítico gastronómico), donde lo sintetizadores entremezclados con los arreglos de cuerda acompañan, apoyan y construyen el tema con una clase sobrenatural. Es esta una de esas muestras de la fijación y obsesión de Jackson por alcanzar la perfección en las producciones. Obsesión que compartió con el productor Quincy Jones.

La brillante canción que da nombre al disco, "Off The Wall", es una de mis favoritas de la discografía de Michael en general. Un corte de Disco-Funk que posee un estribillo cuya melodía se ha reproducido en mi cabeza durante años y años. Es otra de esas composiciones que invitan a ponerse la camisa de chorreras, los pantalones de campana con un peine en el bolsillo trasero, los botines y echarse a la pista de baile.

Y cómo no, también había en este disco espacio para las baladas o medios tiempos. En este caso la que se lleva la palma es "She´s Out Of My Life", canción que el compositor Tom Bahler escribió para Karen Carpenter (una de las voces femeninas más bonitas del pop y de la que hablaremos un día de estos) que se separó de él por una infidelidad del compositor.
En "She´s Out Of My Life", con un tenue y sobrio acompañamiento musical, MJ nos trae una historia agridulce de esas de desamor y ruptura, pero no lo hace de forma artificial, sintética o de molde. Este chico parecía sentir lo que nos contaba. Sentir de verdad, con una fragilidad tal que hacia el final de la canción, la emoción le llegó a atenazar y ahogar la voz... Se dice que incluso se ponía a llorar al final de todas y cada una de las tomas que realizó de esta canción, pero eso ya no lo puedo asegurar.
Por mucha gente esta interpretación está considerada uno de los momentos vocales y artísticos más altos de su carrera, y no seré yo quien venga aquí a llevar la contraria.

También me gustaría destacar "Girlfriend", tema compuesto por Paul McCartney de una musicalidad dulce e inocente que le iba a Jacko como anillo al dedo.

A modo de conclusión puedo decir que tras disfrutar de este disco, me da la sensación de que me he estado perdiendo algo grande y que me voy a tener que hacer con unas cuantas cosas más de esta estrella que sigue alumbrando más allá de su extinción. Saludos a todos.

Grateful Dead-Viola Lee Blues:

Grateful Dead es una banda que de la mano del carismático Jerry García, encabezó y desarrolló el movimiento musical y contracultural norteamericano de finales de los 60, ganándose con su sonido el respeto y admiración del público.

Reconocidos animales del escenario, aquí tenemos a estos artistas interpretando en directo el tema que cerraba su primer disco homónimo del año 67. Esta pieza de 10 minutos, "Viola Lee Blues" es para mí una especie de prueba o rito de iniciación que deberían pasar todos aquellos a los que le guste la música y quieran conocer lo que se hacía en el período psicodélico y ácido (pues no sólo de saryenpipers y pinflois vive el hombre).

Junto a la frenética y todopoderosa "Hard Lovin´ Man" de Deep Purple (por cierto, mi favorita de esta banda, de las menos conocidas y que a más de un buen amigo jevilongo le ha hecho tener que bajar el volumen), esta es una de esas canciones que hago escuchar a mis conocidos y amigos para ver qué nivel musical tienen: si la soportan y les gusta, es que valen; lo contrario, chungo.
Por ello, quien quiera aventurarse un poquito más y enfrentarse a estas músicas, o probar con algún compi, aquí tiene algo:


La calidad general del vídeo no es muy buena, pero como conozco pocas imágenes en vivo de esta banda en su época de apogeo, pues nos conformaremos con éstas (que son más un documento histórico) pertenecientes a su concierto en el Festival de Monterrey del 67.

De todas formas vamos a ser buenos y poner la versión estudio de esta pasada:

Sarlat-la-Canéda:

Dibujo basado en una fotografía de este pueblo medieval francés del Périgord Noir en el que estuve hace unos añitos.
Realizado con acuarelas, Eddings nuevos y a punto de gastarse, Pilots, tintas chinas, polvo de lapicero y un toque mágico de Photoshop...

Gazpacho - Night:

Hoy tenemos el honor de presentar a Gazpacho: un nombre que sería habitual y común para una banda de "flamenquitomestizodeesequesellevamucho", pero que es bastante curioso si tenemos en cuenta que estamos hablando de un grupo procedente de las frías tierras de Noruega.
La razón por la que decidieron ponerse ese nombre tan de aquí es bastante "artística" (o rara y hasta estúpida según se mire), asi que me la ahorro... En Mr. Wikipedia la encontraréis.

Este grupo, surgió en Oslo en el año 1996 y está actualmente formado por Jan-Henrik Ohme al micrófono, Jon Arne Vilbo a las guitarras y programaciones; Thomas Andersen a los teclados, programación y tareas de producción; Mikael Kromer al violín y también a los aparatitos electrónicos; Robert Johansen a la batería y percusión y Kristian Torp al bajo eléctrico.

Gazpacho presenta en sus discos y conciertos un Rock Progresivo actual con unas pinceladas de Electrónica y del Folk con esa atmósfera crepuscular tan propia de los países escandinavos.

Para aclarar un poco el batiburrillo inconexo que acabo de soltar, podemos decir que el conjunto de todo esto nos da como resultado un sonido que se acerca a bandas de más renombre como Marillion, Radiohead y a Muse. Pero no a los Muse en su vena grandilocuente y operística, guitarrera y chispeante, si no a la faceta de esta banda más contenida, íntima y melódica.

El catálogo discográfíco de Gazpacho no alcanza ni de lejos la decena de trabajos. De todos ellos, el único al que he tenido acceso y he podido disfrutar es el publicado en el 2007 bajo el título de Night.

Una obra que nos presenta grandes composiciones como "Dream Of Stone": una etérea pieza de largísimo desarrollo (17 minutos y 1 segundo) que se apoya en una estructura muy bien trabajada en la que progresivamente va aumentando la tensión instrumental y vocal. Es este uno de los cortes más destacados del álbum, sin lugar a dudas.

Mi favorita, "Chequered Light Buildings", es otra de las maravillas de estos suecos. Destaca de ella en su primera escucha la delicada introducción del piano y la voz, que se adaptan y acoplan de manera perfecta. Mientras, el violín de Kromer le da ese toque folk tan maravilloso y brillante. Ésta, como la gran mayoría de las canciones de Gazpacho, gozan de una producción de alto nivel en el que la elegancia y el cuidado musical lucen como emblemas:



Os dejamos entonces por hoy con los noruegos Gazpacho y "Valerie´s Friends": una de las canciones más notables y accesibles de Night, que se inicia con un sonido de bosque nocturno escandinavo, con el ulular de búho de las nieves o algo así, y donde la voz de Ohme alcanza aquí unos tintes de dramatismo y grandeza que le acercan a las maneras de Matthew Bellamy (¿o es al revés? ¿quién fué primero?) La instrumentación acústica le da una sensación de calidez hogareña que poco a poco se va tornando más eléctrica, más inestable y atormentada. Una maravilla.



Una gran música no apta para amantes de experiencias fuertes y contundentes, para eso ya habrá otro día. Hoy toca recogerse...

Enjambre - Impacto:

Gracias a un gran blog que he encontrado por ahí -lo siento, pero se me ha olvidado seguirlo y debido a mi memoria lo he perdido, así que si me recuerdo o se pasa por aquí podemos solucionarlo-, me he topado con Enjambre, una banda mejicana afincada en California.

He estado buscando más cosas de ellos, y me ha salido el disco El Segundo Es Felino (que en cuanto lo vea por alguna tienda me compraré sin duda) y la verdad es que es muy bueno. Últimamente estoy bastante interesado en la amplísima música pop-rock que sale de Latinoamérica: Café Tacuba y su SiNo, Aterciopelados,... Sí, son muy reconocidos todos ellos, pero hasta hace bien poco me habían pasado desapercibidos. Un error gravísimo.

Lo que he escuchado de Enjambre, lo que me ha dejado patidifuso es una canción titulada "Impacto" en la que colabora la señorita Lo Blondo. La forma de cantar, el énfasis y sentimiento que le ponen a las letras está en las antípodas de lo que se hace últimamente por aquí en España, y por eso mismo me provoca y me llena tanto ("me derrite, me transmite"). Desde la distancia, por ese dramatismo y lirismo le veo muchas conexiones con la canción romántica melódica tradicional, con los boleros,... Pero todo con buen gusto, claro.

Como decía, me parece que aquí hemos perdido esa esencia o capacidad, para acabar divididos musicalmente en dos caminos: siguiendo el primero de ellos nos hemos acercado a posturas más europeas anglosajonas y a veces frías, y con la segunda opción se ha virado hacia un romanticismo meloso pseudo-latino y artificial (muchos de OT creen que por meter unas trompetas y unos timbales ya hecen música latina, y se equivocan. Esta música y cultura va más allá). No sé si me equivoco o estoy en lo cierto con estas reflexiones, simplemente sé que ha sido todo un acierto meterme en el blog y encontrarme con esto.

Ahí os dejo con el videoclip de la canción y con su letra:

"Esos brazos cruzados y ese ceño enojado,
Me tienen intrigado, me intimidas ¡que hago!
Y si das un paso me pones a llorar,
Y si caminas más al suelo voy a dar ahh ahh ahh.

No me mires con esos ojos que me deslumbras, me derrumbas,

No me mires con esos ojos porque te lo doy todo, ni modo,
No me mires con esos ojos que me derrites, me trasmites,

La vergüenza del Sol, quien en su resplandor se ve opacado a tu lado ohh ohh ohh.

Se escucha una melodía, el canto de esa niña,
Y burbujea la sangre, que corre por mis venas,
Y apenas si me ves me tumbas del impacto y te hechas a reír,

Me da un paro cardíaco.

No me mires con esos ojos que me deslumbras, me derrumbas,
No me mires con esos ojos porque te lo doy todo, ni modo,
No me mires con esos ojos me derrites me trasmites,

La vergüenza del Sol, quien en su resplandor se ve opacado a tu lado ohhhhh ohhhh
no me mires con esos ojos."

El mundo de los Madrazo:

Coincidiendo con la noticia de que Alcalá de Henares, una de las ciudades "Patrimonio de la Humanidad" a la que todavía le queda un larguísimo camino para ser una ciudad referente en el ámbito cultural (y no me vengan con el tan socorrido Premio Cervantes), por fin va a ver aumentar el número de salas de exposiciones con un nuevo museo permanente dedicado al arte de los Madrazo en el Palacio de los Casado, se ha inaugurado recientemente y hasta el 25 de abril una exposición temporal con una muestra de estas pinturas.

Esta colección fue inteligentemente adquirida en 2006 por la Comunidad de Madrid (que aunque resulte difícil de creer a veces hace cosas buenas) a través de una donación proveniente de la familia de los Madrazo.

Quien me conoce, mis amigos y personas cercanas saben de mi interés por la pintura y tratándose de este artículo más concretamente, de mi pasión por uno de los cuadros de Federico Madrazo: "La Condesa De Vilches" (1853). De ahí que de vez en cuando me regalen cosas relacionadas con esta obra tales como marcapáginas, cuadernillos ilustrados, agendas e incluso cajitas de caramelos... De todo. Lo que me falta es una lámina-réplica, así que no digo nada...:)

Pues bien, esta exhibición nos invita a dar un paseo por varias tendencias pictóricas del XIX español: del Neoclasicismo al Romanticismo e Impresionismo, enlazando la Historia del Arte y estas obras con la vida de una interesantes familia de intelectuales, poetas, arquitectos, músicos y pintores.

Esta prolífica dinastía de artistas (hay varias generaciones implicadas) trató diversos géneros: pintura histórica, religiosa, costumbrista y retratos de distintos miembros de la familia Madrazo, de conocidos, burgueses, aristócratas, artistas y hasta miembros de la realeza.

Uno de estos trabajos oficiales para la corona tuvieron como cliente a la reina Isabel II. Os diré que justo delante de mí había un grupo guiado de pensionistas y claro, no podía evitar escuchar algunas indicaciones o anécdotas por parte de la encargada, como la relacionada con uno de los retratos de gran formato, y seguro que muy costoso, de esta monarca que finalmente quedaron bajo posesión de la familia de los pintores, pues la fecha en que fueron acabados coincidió con la Gloriosa Revolución de 1868, una fecha y acontecimiento que provocó que la reina cogiera las de Villadiego exiliándose en París y se olvidandara pagar el encargo... Muy bonito, reina, muy bonito... Este tipo de curiosidades a los de Historia nos molan bastante.

Hay en estas salas algunas obras no muy conocidas pues pertenecieron a la colección privada familiar, pero que resaltan por su gran valor artístico. Entre ellas:
- Un óleo sobre tabla en pequeño formato titulado "Luisito Daza muerto", de Ricardo de Madrazo (1900) es realmente interesante. Aparte del evidente valor etnográfico (la ahora para nosotros extraña costumbre del siglo de retratar a los familiares fallecidos), destaca el cuidado tratamiento que recibe el ropaje o mortaja del bebé con una notable y variada calidad cromática de los blancos...

- El óleo sobre cartón en miniatura de Raimundo de Madrazo que representa a "Isabel de Madrazo y Garreta" (1859) es de un detallismo abrumador: el trabajado y perfecto cuidado del peinado, los abalorios, perlas, los plieges de las telas... Precioso.

-El soberbio "Autoretrato" de cuerpo entero y en gran formato de Luis de M. y K. (1862) es todo un ejemplo de elegancia, clase y depurado estilo.

- Pero con lo que me he quedado asombrado ha sido con un detalle del retrato estante y de tres cuartos de "Luis de M. y K." realizado por Federico (1885). Concretamente me refiero a su mano derecha. Ese detalle al máximo y ese realismo, las marcas de las venas casi imperceptibles intentando asomarse a la piel blanquecina... Espectacular. La verdad es que me he tirado un buen rato observando la mano, tanto tiempo que incluso me he dado cuenta que una d las vigilantes ya me miraba raro... Siento no tener imágenes, pero es que por eso simplemente me ha merecido la pena entrada. Soy así de simple.

Pues esa ha sido nuestra experiencia y así se la hemos contado. Ya saben, si viven cerca de Alcalá de Henares, tiene tiempo libre y os gusta la pintura, no hay excusa. Encima en la sala se está calentito y la sensación de la tarima crujiendo, de esa tranquilidad viendo arte es impagable... Además, luego se puede salir por ahí a tomarse unas cañas y unas tapas bien majas, que eso también es cultura.
Saludos.

Marzo: En Tinta Propia

Hoy hace 6 años, un 11 de marzo de 2004, aconteció un hecho que marcó a fuego la Historia de España: Sí, "los atentados de los trenes en Madrid". Y tras ellos, unos días negros, tristes, descorazonadores e inexplicables como pocos.
He de decir que gracias a Dios (o lo que ustedes quieran) fui un afortunado, pues unos días antes un grupo de amigos de la facultad de Alcalá planeamos ir ese mismo día, muy por la mañana, de visita a Toledo y estaba todo listo.
Pero fuera lo que fuera, algo hizo que una compañera se retrasara y que no llegáramos a montarnos en ese tren... Nunca se lo reconocí, pero si estamos aquí fue por el hecho de que se quedara pegada a las sábanas. Ahora, pasado un largo tiempo de aquello y aprovechando que no se pasa nunca por este blog se lo reconozco y le doy las gracias. Nunca se lo diré a la cara, sería aceptar algo que no tendría que haber pasado. No sé si me explico o me entendéis, pero yo sí... Además, es que siempresiempresiempre tiene razón en todo:)

Con esto simplemente quería hacer saber que este acontecimiento me es cercano.

Y ahora, pasemos sutilmente a otro asunto pero íntimamente relacionado con lo anterior...
Hace tiempo que no hablaba de historietas / cómics / tebeos y coincidiendo con esta fecha, buscando entre mis cajas he encontrado algo que me gustaría reseñar: "Marzo en Tinta Propia", un libro de 74 páginas en riguroso blanco y negro, editado de forma conjunta por varias instituciones en el año 2004 como forma de homenaje a las víctimas del atentado, a sus supervivientes, familias y a toda esa gente que ayudó en las tareas de auxilio.

En este proyecto se pusieron a trabajar de forma desinteresada una enormidad de personas:
Autores como el fallecido mago de las ondas radiofónicas Juan Antonio Cebrián (que colaboró con su prólogo). También guionistas, ilustradores, aficionados y artistas más reconocidos dentro del mundo del cómic español como Quim Bou, Kike Benlloch, Carla Berrocal o Ken Niimura son algunos de los nombres que aparecen en este tremendo libro. Un soporte sobre el que pusieron guión, lápiz y tinta a los pensamientos, ideas, sentimientos, etcétera que surgieron de aquella catástrofe, con la intención de obtener algo de luz, algo positivo.

Por todo ello, es este un claro ejemplo de que la historieta (llamada así de forma peyorativa por los incultos) es un medio de comunicación, de transmisión de valores y conocimientos realmente válido. Es algo serio.
El precio que tenía de 5 euros era simbólico (aunque ahora con esto de la crisis no sé como será la cosa). Así, sin ánimo de lucro por delante todos lo beneficios iban a parar a la Asociación de Víctimas del Terrorismo.

Al no ser una producción perteneciente a una editorial potente, la conseguí encargándola en la librería especializada de mi ciudad... Y la tirada era limitada, así que no creo que quede algún ejemplar por ahí, por si os había interesado.
Pero por probar no pasa nada.

Concluyendo, que la realización de este tomo fue uno de esos buenos gestos que sólo hacemos las personas cuando desprevenidos, nos dan una hostia en toda la cara con la mano bien abierta. Sólo entonces parece que reaccionamos.
Espero que no fuera en balde y hayamos aprendido algo...

Más información sobre el cómic, los autores, etc: aquí.

Prometo retomar de nuevo las entradas de historietas / cómics / tebeos con temas más agradables, pero hoy tocaba esto.

Redundancia Universitaria:

Situaciones como esta os encontraréis bastantes por los pasillos de cualquier facultad de la UAH.

Y para recordar los buenos tiempos, ahí va lo que debería ser de todas todas un himno universitario: "Jodido Futuro" un trallazo de Rocanrrol directo y sin ambages, con tonillo Punk, cortesía de los Señores de Hortaleza: Los Porretas. ¡Pero qué inocentes y angelitos fuimos...!



Pasas los días estudiando sin parar,
recuerdo aquellos años de la universidad,
todo lo que he aprendido de que me servirá,
con la carrera medicina y ahora curro en un bar.
Déjate los cuernos, examen aprobado
y ahora viene el problema, ¿de qué vas a currar?

Y si somos el futuro,
porqué nos lo ponéis tan crudo,
media vida estudiando,
si luego te van a dar por culo.

Menudo mamoneo la selectividad,
de todos los que somos, sobramos la mitad,
ya llevo cuatro años siempre me echan p'atrás,
vivo de mis viejos, mis hijos me mantendrán.

Déjate los cuernos, examen aprobado
y ahora viene el problema, ¿de qué vas a currar?

Y si somos el futuro,
porque nos lo ponéis tan crudo,
media vida estudiando,
si luego te van a dar por culo.

Lucifer´s Friend 1970:

A mi el Heavy Heavy (el "Jevi" de mi barrio vamos) no es que sea un estilo musical que me atraiga demasiado. En realidad casi todo lo contrario, y por varias razones:
La primera de ellas es el manifiesto desprendimiento, reacción y rechazo hacia las fuentes musicales tradicionales de las que ha bebido el Rock durante gran parte de su existencia: el Blues.
La segunda es la mayoritaria tendencia de estos grupos a tratar temáticas a veces muy negativas, malvadas y truculentas que si en ciertas dosis está bien, en grandes llega a cansar.
La tercera y última es el excesivo endurecimiento y la amplificación sonora llevada a cabo por parte estos artistas y grupos, junto con el tratamiento más frío y sintético a veces de las formas musicales empleadas.

Pero... Malditas contradicciones... Sí es cierto que me gustan bastante los grupos de Hard Rock que se consideran los precursores del Heavy. En este orden: Deep Purple (sobre todas las cosas), Thin Lizzy, Black Sabbath y Led Zeppelin; junto a otros anteriores en el tiempo como Blue Cheer, y otros más recientes aunque ya veteranos como son Dream Theater (por ese toque Progresivo).
Últimamente y ya como mucho, me he atrevido a meter la patita con cosillas todavía clasicotas como Rainbow y su álbum Rising o las primeras cosas de Mötorhead y Judas Priest como Sin After Sin, que me ha parecido realmente bueno (gracias a las recomendaciones del compañero Odiseo), y ya dentro del panorama español con el Heavy-Rock de Barón Rojo y su Volumen Brutal (gracias a mi amigo Dani).

Pero en el fondo es que esas músicas yo las sigo considerando Rock, Duro, pero Rock al fin y a cabo. Eso sí, cosas puramente Jevis como Iron Maiden y ya entrando en los 80 de momento nada... Reparos, reparos, reparos... Tiempo al tiempo amigos.

Así que hoy vamos a tratar a otro de esos grupos que hacía Heavy en tiempos en los que todavía no estaban del todo conformadas las características, bondades y excelencias de este estilo... Que es el período musical y el sonido que a mí me va especialmente, me mueve el alma.

Estamos hablando de Lucifer´s Friend, grupo de orígen alemán formado en sus inicios bajo el curioso nombre de Asterix por los músicos Peter Hesslein a las guitarras, voces y percusión; Peter Hecht al piano y otros teclados; Dieter Horns al bajo eléctrico; Joachim Rietenbach a la batería, y que contaba entre sus filas con el prestigioso vocalista inglés John Lawton, reconocido más tarde por el público como miembro de los míticos Uriah Heep. Con polémica servida porque para muchos la voz buena y representativa de Uriah Heep fue la de David Byron (la verdad es que también me quedo con este último, para qué engañarnos), así que aunque los dos son buenos, podemos ser buenos y decir que a Lawton ya no le tocó la época dorada de Uriah...

Lucifer´s Friend, como la mayoría de los grupos de principios de los 70 que se encaminaban hacia lo que se conocería más tarde como Heavy Metal, estaban situados musicalmente en un cruce de caminos entre el Rock Duro, las estructuras y desarrollos propios del Progresivo, ciertos rescoldos todavía vivos del Rock Psicodélico y en algunos casos como los de esta banda en sus posteriores discos, trazas de Jazz.
Estos elementos podían variar de alguna u otra manera, pero lo que ya se tenían como características básicas y elementales del nuevo estilo era la contundencia rítmica, los marcados riffs de las guitarras y cierta tendencia temática un tanto oscurantista...

El primer trabajo de Lucifer´s Friend fue grabado y publicado en 1970 por Vertigo Records, y a él pertenece "Horla", una instrumental de guitarras aceradas propias del género, pero que todavía mantenía rasgos o elementos que más tarde se considerarían arcaicos y que me gustan bastante, he de decir como son la presencia de órgano o la instrumentación de la batería, alejada de los parámetros, de los cánones que se impondrán más adelante:


Para despedirnos por hoy vamos a escuchar y ver ahora a Lucifer´s Friend interpretar en directo "Ride In The Sky". Una tremebunda pieza conocida en su momento por el logrado efecto que aportaba la trompa (un instrumento que como ya sabrán no es muy habitual en esto del Heavy) interpretada por el teclista Peter Hecht, y que daba a la canción ese toque apocalíptico tan guapete:

Joyitas Perdidas: Black Widow - Sacrifice

Black Widow y Sacrifice, su primer álbum de 1970, van a ser básicamente el tema principal sobre lo que vamos a hablar hoy.

Para aquellos privilegiados (que haberlos haylos) tengo que avisar que su edición original en vinilo es una de esas joyitas perdidas que tanto nos gustan. Sólo hay que pasearse y echar un vistazo por las tiendas especializadas y ver cuánto valen simplemente las ediciones normales en CD para saber qué es lo que tenemos entre manos. En mi caso hablando de forma figurada claro, pues ser de la generación del compacto tiene sus inconvenientes (y sus beneficios, pero ese es otro debate).

Esta banda se formó inicialmente en Leicester, Inglaterra, como excusa para ser el punto de encuentro de un grupo de jóvenes músicos de gran valía y conocimientos musicales. Todos ellos tocaban varios instrumentos. Fueron en un principio: Kay Garrett al micrófono, Kip Trevor a las voces y guitarra, Bob Bond al bajo eléctrico, Clive Box a la batería y percusiones, Jess Taylor al órgano y piano, Clive Jones a las flautas y saxofones y Jim Gannon a las voces y otras tareas.

Tras este lío de nombres e instrumentos que acabo de soltar, que no sé si lo he dicho del todo bien o me he dejado a alguien y que en verdad sirve de muy poco, vamos a decir que estos muchachos empezaron siendo conocidos como un grupo tutelado por PYE Records bajo el nombre de Pesky Gee, con el que grabaron un disco en el año 69 titulado Exclamation Mark, repleto de versiones de clásicos como "Born To Be Wild" o "Piece Of My Heart", aunque la canción que más me interesó fue la fascinante "Where Is My Mind" de los Vanilla Fudge, que ya nos anunciaba el sonido que más tarde les caracterizaría:


Como Pesky Gee, se labraron un nombre dentro de la escena musical de la época practicando un Hard Rock típico con influencias Psicodélicas, llegando a tener la oportunidad de tocar incluso en el grandísimo Festival de la Isla de Wight en 1970 donde se rodearon de los músicos, grupos y artistas más laureados del mundo (y que todos conocemos bien). Tras su aparición en este festival, consiguieron firmar un contrato con la CBS, una discográfica que entonces estaba deseosa de buscar una joven y prometedora banda que lograra vender muchos discos...

... Una muestra más de la escasa visión de las discográficas. Con buenos fueron a encontrarse, pues progresivamente, y ya bajo una nueva encarnación como Black Widow a inicios de 1970, fueron abandonando las maneras y posturas más accesible, para desarrollar y plasmar en el álbum Sacrifice un sonido pionero en eso de utilizar temáticas un tanto oscuras, ocultistas, que versaban sobre magia negra e incluso con ciertos tintes satánicos. Es esta tendencia lo que les ha hecho ser considerados por muchos si no los padres, sí los padrinos de lo que más tarde se daría a concocer como Rock Gótico y de todas las variantes que ha dado después el Rock de cariz sombrio.

La verdad es que inicialmente ellos tampoco hicieron mucho por aclarar las cosas, ya que de sobra es conocido que durante los conciertos realizados por Black Widow en este tiempo, se realizaban pequeñas representaciones ("performances" dicen por ahí los modernos), apoyados por un grupo teatral de Leicester, la Phoenix Theater Company, en las que el cantante y otros miembros del grupo actuaban y participaban en truculentas escenas relacionadas con las historias que se planteaban en las canciones como el sacrificio ritual a una rubia, esbelta y desnuda muchacha...

Una actuación, imagen y forma de ser que en declaraciones a revistas musicales y periódicos, los miembros de BW mantenían como verdaderas y sinceras, no como algo ficticio o parte del "show" para llamar simplemente la atención de las gentes.

Estas historietas resultaron totalmente contraproducentes, pues lo que hicieron fue soliviantar todavía más a las gentes de bien y orden, levantar contra ellos las primeras críticas por parte de la conservadora, para algunas cosas, sociedad británica.

Esta situación también les hizo en muchos casos ser erróneamente comparados con los tremendísimos Black Sabbath, cuando en realidad musicalmente Black Widow era algo totalmente distinto, era algo más. Esta comparación, en lugar de beneficiarles resultó todo lo contrario, pues la gente esperaba de ellos una respuesta musical más dura, parecida a lo que hacía Iommi y compañía...

Pero esto era imposible, lo que acabó desembocando en una tensión y descontento que hizo que la banda se fuera distanciando y desmarcando de ese manto oscuro en el que antes se había envuelto por voluntad propia, y diera a los siguientes discos que sacaron algo más de luz, para ver si podían además tomar la senda del éxito, aunque todavía quedarían ecos de oscuridad en canciones como "Mary Clark", un pasote del que recomiendo desde aquí su escucha junto a la canción "Legend Of Creation", ambas de su segundo disco de 1971.

Pero como hemos dicho antes, BW era un grupo en el que los músicos integrantes destacaban por sus altos conocimientos musicales y por el enorme universo sonoro que creaban en sus actuaciones y discos: por los surcos de sus vinilos corrían raudos y al mismo tiempo el Hard Rock, el Progresivo e influencias Clásicas y del Folk anglosajón de gran calidad, que combinaban a la perfección momentos más suaves con otros más abruptos:
Sonidos apacibles y elegantes como el caso de "Seduction", donde la delicada atención puesta en la producción y en los arreglos de cuerda y viento empleados en la parte inicial y final del tema son de una belleza suprema; y otros de instrumentación claramente más agresiva, directa y frenética por momentos como en el caso del tema que da nombre al disco, "Sacrifice", que tiene en su arranque e intensidad una clara prueba de ello:



Una cualidad que me gustaría reseñar de esta banda, de la que no todas pueden presumir, es la increíble capacidad de evocación y de inmersión (como se dice en la jerga de los videojuegos) que generaba en el oyente o espectador la música de Black Widow. Escucharles nos lleva a otros tiempos, a otros espacios:

La mística, lánguida y sombría introducción del órgano nos da la bienvenida a la pieza que abre el álbum, "In Ancient Days", una composición rebosante de magia alquímica, de poder nigromante o de cualquier otra cuestión que tenga que ver con los paripés del señor Iker Jiménez:


Destaca también el tema "Come To The Sabbath", donde una rítmica tribal (enorme el trabajo de Clive Box) y unos tenebrosos coros logran crean un ambiente verdaderamente insano que parece transportarnos a tenebroso bosque, a un aquelarre nocturno... Así, los momentos finales de esta creación en la versión de estudio, en la que las dementes brujas y enajenados brujos de Black Widow cantan al unísono eso de "Come, come, come to the Sabbat/Come to the Sabbat/Satan´s there!" llegan a ser muy incómodos y desagradables, en serio:


En la solemne e hipnótica "Conjuration", con una estructura estupendamente trabajada ocurre lo mismo, pues la capacidad de evocación que ofrece esta banda resulta sorprendente, inigualable casi:


Bueno, con todas estas palabras mi intención ha sido la de dejar claro, la de manifestar el impacto y el gustazo que me ha supuesto escuchar y disfrutar a esta banda, así como conocer y dar a conocer la historia que había detrás de ella. Gracias por leer esto y humildemente aconsejo, a quien no lo haya hecho, que escuche a Black Widow y disfrute de una interesante banda.

Crítica Flash:

Breves brevísimas críticas musicales del Raw Power de Iggy Pop And The Stooges (su artículo completo aquí), del Bryter Layter de Nick Drake, de Sparks y su alocado disco Kimono My House (más informacion aquí) y para poner punto final, a Black Widow y su primer álbum Sacrifice, del que trataré de forma más extensa mañana o pasado mañana...

Las Peores Portadas II:

Aquí tenemos a Master P, una gran figura del Gangsta Rap, fundador de la emblemática discográfica No Limit y también como se suele decir, un hombre del Renacimiento: productor, rapero, empresario, actor e incluso jugador de baloncesto (pasó brevemente por algunos equipos de la NBA). Pero a lo que vamos, que es responsable también de una de las obras gráficas cumbre del Gangsta Rap (una música y estética que nos daría mucho que hablar pero que va a ser la última vez que lo hagamos). Esta discrográfica se caracterizaba por un desarrollo gráfico de sus portadas que las hacían únicas y totalmente reconocibles: los protas siempre vistiendo de forma "elegante", haciendo ostensibles gestos de grandeza, luciendo relojazos y colgantazos de oro bañado, añillacos para parar un tren, unos fondos y montajs que no pegan ni con cola (en este caso parece ser el interior de un palacio o templo renacentista, barroco o algo así,... muy típico de Yankeelandia) y como no, esa tipografía de diamantes engastados. Sin eso, no se puede ser gangsta.



Otro de esos grupazos de Polka y Folk, que no sé por qué, pero la conexión entre estas músicas y el mal gusto es más que patente...
Poco más puedo decir o hacer salvo unirme y apoyar al músico gordito, el segundo por la derecha. Sí, el único al que le caben tres letras en su cuerpo... Esa expresión de incomodidad, de estar pasándolo realmente mal no tiene precio.



A mí es que me pilló demasiado bebé y por tanto no me enteraba de las cosas, pero parece ser que este chiquillo perteneció al ilustre y exitoso grupo juvenil Parchís. Tras su salida del grupo, ya en plena adolescencia, intentó adaptar su música y temática a ese rango de audiencia, principalmente destinado a las muchachas, y de ahí esas posturitas tan sugerentes...



Cuando vi por primera vez esta portada creía que era de broma, pero qué va. Es algo tan real como que estoy aquí escribiendo esto. Una horrenda y musical declaración de principios (me refiero a las formas, lo que piense cada uno eso ya es otra cosa), que va acompañada de una portada cutre cutre.



Una terrible y dura portada que encierra la obra de un grupo alemán de Hard Rock formado a finales de los 60. Vamos, un grupo con solera, bastante desconocido pero que no hacía mala música.
Como aquí siempre queremos acabar de buena manera, vamos a ver a estos gemanos tan brutos en acción, con una cosa que me he encontrado de ellos en directo por ahí...

Joss Stone:

Si queréis saber más cosas de Joss Stone, pertenencientes al programa Los Sultanes Del Swing: Especial Aretha Franklin, pinchad aquí mismito.
Si allí la tratamos por su relación con la Reina del Soul, abajo la vemos junto al Padrino del Soul. Se rodeaba de mala gente la muchacha, ¿sabes?...

Kroke:

Antes de empezar he de decir que esta entrada de aquí es una revisión de la que hice ya hace una semana para nuestro programa de radio Los Sultanes Del Swing.

Estábamos ya preparados para hacer la emisión número 17 (de momento no nos han echado:) cuando de repente, en el estudio empezó a surgir y planear una especie de halo o de ambiente noctámbulo y bohemio, sórdido pero atrayente, y es que con nosotros iba a estar un señor llamado Tom Waits...
... Y la verdad sea dicha, a este artista no lo había manejado mucho hasta entonces, así que siguiendo las indicaciones y recomendaciones de nuestro compañero Víctor, escuché unas cuantas cosas de este tipo como "Chocolate Jesus" y "Rain Dogs" con la intención de empezar a tirar del hilo, de ver por dónde tirar y seguirle.

Esta última canción, "Rain Dogs", es la que hizo que saltara en mí el resorte de Las Rarezas Musicales, porque he de decir que me fue realmente complicado encontrar algo que me convenciera en aquél momento para traerlo a la sección. Sí, para realizar esa sección lo que hago es buscar datos sobre el artista protagonista, sus influencias...

Pues bien, "Rain Dogs" me recordó por su estructura, desarrollo e instrumentación a la música Klezmer, la realizada por los judíos askenazies (los habitantes de la Europa central y oriental).

Una música profunda que teniendo como pilares y basándose por tanto en los diferentes textos litúrgicos de esta religión, en las tradiciones culturales hebreas y un legado de siglos y siglos, ha logrado dibujar y conformar un vasto repertorio musical siempre presente en las fiestas, celebraciones y reuniones de todo tipo de esta comunidad. Aunque hay que reconocer que últimamente con esto de la globalización, la música klezmer se ha abierto más al mundo, entrando en contacto con otros sonidos, diluyéndose y variando por tanto sus características.

Uno de los grupos que más me interesan de este género de música tradicional son los polacos Kroke. Formados en Cracovia (ciudad de la que proviene el nombre de la banda en yiddish) y dependiendo de la situación o del formato que quieran darle a sus actuaciones, son un trío o cuarteto liderado por Tomasz Kukurba a la viola y al violín, y formado por Jerzy Bawot al acordeón, Tomasz Lato al contrabajo y Tomasz Grochot a la percusión.
Estos músicos nos muestran una propuesta realmente renovadora dentro del panorama de la música Klezmer, pues junto al repertorio musical tradicional básico e inamovible de este estilo de música folk, han logrado integrar composiciones originales de creación propia, arreglos procedentes de la música clásica (de la que tienen grandes conocimientos debido a su formación académica en la Academia de Música de Cracovia), así como aplicar ciertos elementos provenientes del jazz como es el caso de las improvisaciones.

El primer ejemplo de esta música es la interpretación durante un concierto de una canción titulada originalmente "Time" que apareció en el álbum Sounds Of The Vanishing World de 1999 y luego el sonido en estudio de la misma pieza pero renombrada como "Time 4 Time" para el trabajo de colaboración que Kroke realizó acompañando al violinista inglés Nigel Kennedy en East Meets East:



Para que escuchéis otro ejemplo de la excelente música que se realiza por Europa (que no sea ni Pop ni Rock), aquí tenéis a Kroke de nuevo, con la canción "Usual Happiness" en la versión en directo acompañados de la Sinfónica de Cracovia y también la versión estudio de su disco del 2003 Ten Pieces To Save The World. Muy recomendable su escucha: